stol.it RSS Feed https://www.stol.it stol.it Nachrichten für Südtirol stol.it CMS Tue, 09 Jun 2026 05:37:03 +0200 Tue, 09 Jun 2026 05:37:03 +0200 de stol.it stol.it RSS Feed stol.it Nachrichten für Südtirol 133 39 https://www.stol.it/images/logo-rss.png https://www.stol.it Kindermuseum TINNE in Klausen: Stiftungsrat hält an Idee fest https://www.stol.it/artikel/kultur/kindermuseum-tinne-in-klausen-stiftungsrat-haelt-an-idee-fest https://www.stol.it/artikel/kultur/kindermuseum-tinne-in-klausen-stiftungsrat-haelt-an-idee-fest Die Pläne, im Kapuzinergarten von Klausen ein Kunst- und Kulturareal unter dem Namen Kindermuseum TINNE zu realisieren, schien ein Stück weit der Vergangenheit anzugehören. Das Siegerprojekt aus dem Jahre 2023 lehnte der Gemeinderat Klausen im selben Jahr mit breiter Mehrheit ab. Der Stiftungsrat der Tinne-Stiftung hat sich nach dessen Auflösung nun neu formiert. Das Projekt soll unter neuen Vorzeichen angegangen werden. redaktion@stol.it (jp)
Als Gründungsmitglied der Tinne-Stiftung entsendet die Gemeinde Klausen zwei Vertreter in den Stiftungsrat. In der jüngsten Gemeinderatssitzung wurden die bisherigen Gemeindevertreter, der ehemalige Bürgermeister Arthur Scheidle und Marina Eccher, durch Werner Kusstatscher und Silvia di Giorgio ersetzt.

Mitte Mai trat der neu zusammengesetzte Stiftungsrat zu seiner konstituierenden Sitzung zusammen. Zum Präsidenten wurde Andreas von Lutz gewählt. Dem Gremium gehören zudem Ursula Schnitzer sowie Michael Kohler als Vertreter der Dr.-Hans-und-Hildegard-Koester-Stiftung Dortmund an.

Auf Nachfrage erklärte von Lutz, dass die Stiftung das Projekt in Abstimmung mit den Stiftern weiterverfolgen wolle. Dabei werde der im Mai 2023 mehrheitlich gefasste Grundsatzbeschluss des Klausner Gemeinderats berücksichtigt. Dieser Beschluss legt für ein künftiges Kunst- und Kulturareal im Kapuzinergarten mehrere Rahmenbedingungen fest. So dürfen die bestehenden Grünflächen nicht verbaut werden. Zudem sollen die bestehenden Gebäude in das Konzept integriert werden.

Ziel bleibe weiterhin die Realisierung eines Museums, betonte der neue Präsident. In die weiteren Planungen sollen auch die Vereine der Stadt eingebunden werden. Von Lutz schließt dabei nicht aus, einzelne Elemente des früheren, vom Gemeinderat abgelehnten Projekts zu übernehmen. Voraussetzung sei jedoch, dass die Vorgaben des Grundsatzbeschlusses eingehalten werden. Wie dies konkret umgesetzt werden kann, wird derzeit von externen Fachleuten geprüft, sagt von Lutz.]]> Kultur Mon, 08 Jun 2026 10:15:49 +0200 Mon, 08 Jun 2026 10:16:05 +0200 1 1312374 1 Im Kapuzinergarten von Klausen soll ein Kunst- und Kulturareal realisiert werden. © jp jp Iranische Justiz bestätigt Haftstrafe gegen Regisseur Panahi https://www.stol.it/artikel/kultur/iranische-justiz-bestaetigt-haftstrafe-gegen-regisseur-panahi https://www.stol.it/artikel/kultur/iranische-justiz-bestaetigt-haftstrafe-gegen-regisseur-panahi Die iranische Justiz hat eine einjährige Haftstrafe gegen den renommierten Regisseur Jafar Panahi bestätigt. Sein Anwalt Mostafa Nili teilte dem Onlineportal Emtedad am Sonntag mit, dass der Einspruch gegen das Urteil vom Revolutionsgericht in Teheran abgelehnt worden sei. Damit bleiben auch das zweijährige Ausreiseverbot sowie das Verbot jeglicher Mitgliedschaft in politischen und sozialen Gruppen bestehen, so Nili. redaktion@stol.it (apa)
Der Regisseur war während des Krieges überraschend in den Iran zurückgekehrt, um seine Haftstrafe juristisch anzufechten. Panahi gilt seit Jahren als prominenter Kritiker des islamischen Systems und wurde mehrfach festgenommen. Seine berufliche Tätigkeit und seine Reisefreiheit unterliegen seit langem strikten Einschränkungen.]]> Kultur Sun, 07 Jun 2026 14:53:00 +0200 Sun, 07 Jun 2026 16:35:30 +0200 0 1312293 0 ++ ARCHIVBILD ++ Wegen "Propaganda gegen das System" verurteilt. © APA/dpa / Christoph Soeder Christoph Soeder Baustein im Zeitgeschehen https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/baustein-im-zeitgeschehen https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/baustein-im-zeitgeschehen „Forschung ist immer in Interaktion mit der Gesellschaft zu sehen“, sagt Beate Gatterer, Schriftleiterin „Der Schlern“, und erklärt warum die Publikation nach 100 Jahren immer am Puls der Zeit ist. redaktion@stol.it (eva) Sie leiten die Monatszeitschrift für Südtiroler Landeskunde nun schon seit 2001. Wie gelingt es Ihnen, immer wieder anspruchsvolle Forschung so aufzubereiten, dass sie ein breiteres, kulturinteressiertes Publikum erreicht, ohne an Tiefe zu verlieren?
Beate Gatterer: Ich habe die Leitung damals von Hans Grießmair übernommen. Er war als Volkskundler und Museumsmann weit vernetzt und hat viele Koryphäen dazu bewogen, für den „Schlern“ zu schreiben. Sein Anliegen, den „Schlern“ von Themen und Autoren breit aufzustellen, wurde auch meines. Wissenschaft hat den Ruf abgehoben zu sein, dennoch kann man durch entsprechende Gestaltung, die Lesenden an das Thema heranführen, ohne dabei das Wesentliche zu verlieren.




Landeskunde klingt für manche nach Vergangenheit und Bewahrung – für andere nach einem offenen, interdisziplinären Blick auf einen Raum: Was bedeutet „Landeskunde“ heute für Sie?
Gatterer: Vergangenes zu bewahren, heißt, sich mit der eigenen Geschichte auseinanderzusetzen und so Wurzeln zu stärken. Interdisziplinarität steht dazu nicht im Widerspruch, ganz im Gegenteil. Erst durch interdisziplinäre Herangehensweise können komplexe Themen zur Gänze ausgelotet und erforscht werden.


Nach welchen Kriterien wählen Sie die Themenschwerpunkte aus – und wie stark reagieren diese auf aktuelle Ent- wicklungen in Forschung und Gesellschaft?
Gatterer: Meist sind es aktuelle Themen, ein Jahrestag etwa, den man zum Anlass nimmt, noch einmal tiefer zu gehen. Forschung ist immer in Interaktion mit der Gesellschaft zu sehen, spiegelt Entwicklungen und setzt Kontrapunkte. Die Balance zu halten ist ein wichtiges Anliegen.




„Der Schlern“ blickt auf über ein Jahrhundert Geschichte zurück – wie verändert sich die Perspektive auf Südtirols Kultur und Wissenschaft im Spannungsfeld zwischen Tradition und aktuellen gesellschaftlichen Debatten?
Gatterer: 1920 waren die politischen Verhältnisse gänzlich anders als heute, dennoch ist eines gleich geblieben: Damals war es durch Kriegsende, Ende des Habsburgerreiches und durch erstarkenden Faschismus eine Zeit des Umbruchs, in der die Gründer versuchten, einen Bezug zur Heimat herzustellen. Auch heute erleben wir einen tiefgreifenden Wandel und in solchen Zeiten braucht es etwas, das Halt gibt und Sicherheit – ein enger Bezug zu den Wurzeln kann helfen.


Sie haben erklärt, dass Professoren und Lehrende von zahlreichen Universitäten in aller Welt ihre Aufsätze in der Zeitschrift veröffentlicht haben. Inwiefern kann eine auf Südtirol fokussierte Zeitschrift heute auch überregionale oder internationale kulturwissenschaftliche Diskurse mitprägen?
Gatterer: Mitprägen klingt etwas weit gegriffen. Aber große Entwicklungen spiegeln sich im Kleinen. Und so kann „Der Schlern“ durchaus auch ein Baustein in der aktuellen Entwicklung sein.




„Der Schlern“ ist auch weltweit in Bibliotheken zu finden. Wo etwa?
Gatterer: Es sind vor allem die großen Bibliotheken in Europa. Vor Jahren hat eine Bibliothek aus Südkorea gebeten, eine Ausgabe nachzuliefern. Studenten aus Amerika haben mir erzählt, dass sie die Zeitschrift an der dortigen Universität gefunden haben. Man muss aber auch sehen, dass in Zeiten der gekürzten Gelder für Kultur und Wissenschaft manche Bibliotheken leider nicht mehr die Gelder haben, Zeitschriften zu abonnieren.


Wer liest heute die Publikation „Der Schlern“ – und wie verändert sich Ihre redaktionelle Arbeit angesichts neuer Lesegewohnheiten, digitaler Formate und eines jüngeren Publikums?
Gatterer: Sammler freuen sich immer auf die nächste Nummer und lesen sie bis ins letzte Detail. Ein jüngeres interessiertes Publikum sucht gezielt Aufsätze, die bei wissenschaftlichen Arbeiten helfen können. Und ja, man muss der neuen Zeit Rechnung tragen, Social Media ist sicher ein Thema, auch die Verankerung in wissenschaftlichen Plattformen, die den Autorinnen und Autoren zu den Punkten verhelfen, die sie fürs Curriculum brauchen.




Sie zitieren den Gustav Mahler zugeschrieben Satz: „Tradition heißt nicht Anbetung der Asche, sondern Aufrechterhalten des Feuers.“ Und heben gleichzeitig hervor, dass Landeskunde heute wichtiger denn je ist, denn sie vermittelt Kontext in einer globalen Welt, Kontext, den kein Algorithmus liefern kann…
Gatterer: Tradition im Wandel: Es gilt das weiterzuführen, was sich bewährt hat und sich gleichzeitig zu öffnen für das Neue, hoffend, dass Tiefgründigkeit, Hintergrundwissen und Offenheit für neue Aufgaben der Zeitschrift noch langen Bestand gewähren.

(eva)]]> Kultur Sun, 07 Jun 2026 09:00:00 +0200 Mon, 08 Jun 2026 07:42:01 +0200 1 1312200 0 „Forschung ist immer in Interaktion mit der Gesellschaft zu sehen“, sagt Beate Gatterer, Schriftleiterin von „Der Schlern“, und erklärt warum die Publikation nach 100 Jahren immer am Puls der Zeit ist. © ÖA / jaidermartina jaidermartina Wie haben wir uns gegen die Wand gefahren? https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/wie-haben-wir-uns-gegen-die-wand-gefahren https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/wie-haben-wir-uns-gegen-die-wand-gefahren Er bleibt zwei Jahre länger als vorgesehen: Rudolf Frey wird als Intendant der Vereinigten Bühnen Bozen auch für die Theatersaison 2029/30 verantwortlich zeichnen. Diese seine letzte wird ihm allerdings einiges abverlangen, denn die Bühnentechnik im Stadttheater muss revisioniert werden, und das Haus am Verdiplatz bleibt ein Jahr lang geschlossen. Frey wird Ausweichmöglichkeiten finden und das Publikum in gewohnter Manier überraschen. redaktion@stol.it (eva)



Dass Freys Theaterkonzept das Publikum zum Staunen bringen wird, ist auch die Präsidentin Judith Gögele überzeugt und freut sich schon auf ein Theater außerhalb des Theaters. Freuen darf sie sich zu Recht, denn die VBB-Zahlen 2025/26 sprechen für sich: „Rund 13.500 Besucher und Besucherinnen, also deutlich gestiegene Zuschauerzahlen bei den Abendvorstellungen sowie ein Zuwachs der Abonnements um 24 Prozent auf 350 zeigen, dass unser Angebot auf Interesse und Vertrauen stößt. Besonders erfreulich ist, dass mehr als 100 Abonnentinnen und Abonnenten unter 35 Jahren sind – ein starkes Zeichen dafür, dass es gelingt, auch eine neue Generation für das Theater zu begeistern. Die im vergangenen Jahr gegründete Community PLUS fand mit 130 Mitgliedern einen vielversprechenden Start und unterstreicht den Wunsch vieler Menschen, Teil dieser kulturellen Gemeinschaft zu sein.“

Einziger Wermutstropfen im vergangenen Jahr waren die Schülervorstellungen – Lehrer und Lehrerinnen hatten Ausflüge, Theaterbesuche und andere außerschulische Aktivitäten gestrichen, da sie damit ein deutliches Zeichen für bessere Bezahlung und mehr Anerkennung setzten wollten. „Dadurch hatten wir bei den Schulvorstellungen einen Rückgang von fast 87 Prozent. Auch wenn wir fast alle Stücke gespielt haben. Für mich ist das eine sehr kritische Entwicklung für die kulturelle Bildung in diesem Land.“ Damit stehe ein Modell auf der Kippe, das europaweit einzigartig sei, erklärte die Präsidentin.





Sie leiten die Spielzeit ein, indem Sie die zentrale Frage stellen: Was hält uns zusammen? Wenn das Theater als demokratischer Raum ein „Wir“ verhandelt, das zugleich von Zugehörigkeit und Abgrenzung geprägt ist – wie wollen Sie als Intendant konkret verhindern, dass dieses „Wir“ selbst nicht ausgrenzend wirkt?
Rudolf Frey: Ich denke, Theater ist ein künstlerischer Möglichkeitsraum, gesellschaftliche Prozesse durchzuspielen – auch durchaus polarisierend. Das Theater ist in seiner Urform ein beispielhafter Ort für Koexistenz und Miteinander. Ich empfinde uns Kulturschaffende als Visionsgeber für das Wahrnehmbarmachen und im besten Fall Veränderung. Das „Wir“ besteht aus Herkunft und Zukunft.


Wenn Sie also Theater als politischen Ort und Motor demokratischer Teilhabe verstehen: Wo verläuft für Sie die Grenze zwischen künstlerischer Freiheit und kulturpolitischem Auftrag?
Frey: Der Überbau der Vereinigten Bühnen Bozen ist ein verankerter Auftrag zur Vermittlung von zeitgenössischem Theater in Südtirol – in allen Facetten, die der Bereich heute bietet. Daher ergibt sich eine natürliche Vielfalt der Formen und große Freiheit. Keine der künstlerischen Arbeiten ist einer übergeordneten Agenda des Theaters unterworfen, sondern wird vom jeweiligen künstlerischen Team erdacht.


Ihr neues Programm bleibt polyphon. Auch in diesem Jahr gibt es eine Zusammenarbeit mit TRANSART. Ihr zeigt „Lieder ohne Worte“ von Thom Luz und Ensemble. Wie verwandelt der Schweizer Regisseur, Musiker und Bühnenbildner in seiner Inszenierung die ästhetische Spannung zwischen romantischer Innerlichkeit und zerstörter Gegenwart in eine eigene musikalisch-räumliche Sprache – und was sagt diese über den Zustand unserer Zeit aus?
Frey: Ich empfinde diese Arbeit als Status Quo: Wie haben wir uns gegen die Wand gefahren? Diese Sprachlosigkeit empfinde ich im Moment sehr stark. Die besondere und experimentelle Auflösung in einen Theater- und Klangraum ist wirklich mitreißen, und ich bin froh, diese viel beachtete internationale Arbeit in Südtirol zeigen zu können.





Ein Stück Südtiroler Geschichte wird ebenfalls wieder auf der Bühne verhandelt: Wie übersetzt Sara Ostertag in ihrer Inszenierung „Eva schläft“ nach dem Roman von Francesca Melandri die vielschichtige Vergangenheit Südtirols in eine mehr- sprachige, musikalisch-choreografische Bühnensprache – und welche ästhetischen Mittel nutzt sie, um Erinnerung, Identität und Sehnsucht sinnlich erfahrbar zu machen?
Frey: Die Regisseurin Sara Ostertag ist künstlerisch einerseits geprägt von ihrer langjährigen Arbeit für junges Publikum mit Makemake, andererseits zeichnet sie die intensive dramaturgische Zusammenarbeit mit der Künstlerin Florentina Holzinger aus. Beide Welten vereinen sich in ihren Inszenierungen in einer starken, unmittelbaren Bildsprache und einer scharfen Übersetzung der Vorlage auf eine Bühne im Heute. Ich bin mir sicher es wird keine realistische Übertragung, sondern eine kraftvolle Übersetzung. Nicht zuletzt lebt diese Arbeit vom starken fünfköpfigen (mehrsprachigen) Ensemble und der Musik von Nastasja Ronck. Diese grenzüberschreitende Koproduktion wird unsere Arbeit im Jänner 2027 dann auch in Wien im TEATA an der Gumpendorfer sichtbar machen.


Nach „Radetzkymarsch“ von Joseph Roth oder „König Lear“ von Shakespeare inszenieren Sie in der neuen Saison erneut einen großen Klassiker: Anton Tschechows „Onkel Wanja“. Wie verändert die radikale Entscheidung, alle Figuren von einem einzigen Schauspieler verkörpern zu lassen, den Blick auf Tschechows Beziehungsgeflecht aus unerfüllter Sehnsucht und Verzicht – und was sagt diese Vereinzelung über unsere gegenwärtige, von Einsamkeit geprägte Gesellschaft aus?
Frey: Ich bin überzeugt, dass sich die in der Vorlage eingeschriebene Einsamkeit und emotionale Unerfüllbarkeit in unserer digitalen und post-pandemischen Zeit noch verschärft hat. Darüber hinaus spielt das Solo in der Version von Simon Stephens mit den (Un-)Möglichkeiten des Theaters, der Rolle der Verkörperung von Figuren. Die Spiegelung von acht Persönlichkeiten in einem Spieler – Fabian Mair Mitterer in unserem Fall – zeigt auch eine große zwischenmenschliche Verwandtschaft im Fühlen auf. Das macht den Text aus meiner Sicht besonders empathisch.




In diesem Jahr gibt es eine grenzüberschreitende Kooperation mit den Tiroler Volksschauspielen: Zusammen werdet ihr das Format der Marathonlesungen neu auflegen. Unter dem Titel „Flucht ohne Ende“ wird ein Nord/Südtiroler Ensemble Texte des ewigen Grenzgängers Joseph Roth lesen — im Juli in Telfs, im November in Bozen. Was darf man erwarten?
Frey: Die hochkarätige Gruppe an Lesenden (Gerti Drassl, Tobias Moretti, Max Simonischek, Anna Unterberger, Michael Klammer, Branko Samarowski, Brigitte Jaufenthaler und andere) trägt über sieben Stunden hintereinander den sogartigen Text von Roth vor, und das Publikum kann bei diesem Happening nach Belieben teilnehmen. Ich erwarte mir ein Fest des Schauspiels und der großartigen Sprache Roths.


Im Jänner dann gibt es einen weiteren Klassiker: „Bernarda Albas Haus“ von Lorca: Wie legt die Inszenierung den Fokus auf das Spannungsverhältnis zwischen autoritärer Kontrolle und weiblichem Freiheitsdrang – und inwiefern lässt sich Lorcas beklemmendes Kammerspiel heute noch als politische Allegorie auf gesellschaftliche Unterdrückungsmechanismen lesen?
Frey: Lorca selbst wurde von spanischen Faschisten 1936 ermordet und sein erfolgreichstes Stück ist im Kern eine Allegorie auf den europäischen Faschismus, ohne ihn jedoch konkret zu thematisieren. Die Bozner Inszenierung von Regie-Shootingstar Matthias Rippert zeigt ein hochpsychologisches Kammerspiel. Ich empfinde dieses Stück als eines der dichtesten und stärksten europäischen Dramen des vergangenen Jahrhunderts, das beklemmend vertraut über patriarchale Systeme erzählt – und das mit einem ausschließlich weiblichen Ensemble.



Das Stück „They Them Okocha “ des Autors und Regisseurs Bonn Park ist 2025 für den Mülheimer Dramatikerpreis nominiert worden. Für die VBB wird Regisseurin Michaela Senn das Coming-of-age-Drama mit dem Titel „Notti magiche“ inszenieren. Wie wird sie die nostalgisch aufgeladene Erinnerung an Kindheit und Freundschaft mit den Brüchen von Pubertät, Identitätssuche und politischer Gegenwart so verschränken, dass aus einem popkulturellen Spiel eine ernsthafte Reflexion über das Erwachsenwerden wird?
Frey: In dieser Produktion spielen ausschließlich Männer: Ihr wilder und humorvoller Trip beginnt in der Kindheit, streift die Pubertät und endet im „Rest“, also dem Erwachsensein. Ich denke, hier werden vor allem Komik, popkulturelle Referenzen und die pointierte Sprache einen besonders lustvollen und auch nostalgischen Theaterabend kreieren, der darüber hinaus viele gesellschaftliche Diskurse behandelt.


In Ihrer und Ayse Gulsum Özels Theaterinstallation „Notes from Down Below“ (Uraufführung) wird das Theater verlassen. Was wird passieren?
Frey: Wir laden das Publikum auf eine Reise ein und begeben uns selbst auf eine: Ideengeber ist die große surrealistische Bewegung, die immer in ihrem Weltentwurf auch ein politischer Gegenentwurf war. Wir werden uns auch in der Form der kollektiven Arbeit im Grenzbereich zwischen Theater, Performance und bildender Kunst bewegen und verstärkt über Bilder und Atmosphären arbeiten, die Unterbewusstes, Assoziatives freisetzen.Wir begeben uns mit dieser Arbeit auch einmal mehr an einen externen Spielort, in dem das Publikum selbst in diese immersive (Alp-)Traumwelt eintauchen wird.


Noch klingt „Was kann der Sigismund dafür, dass er so schön ist“ aus dem eben zu Ende gegangenen „Weißen Rössl“ in meinen Ohren nach. Wie in jedem Jahr beenden Sie die Saison mit einem Musikstück: 2027 mit „Evita“ von Andrew Lloyd Webber. Wie balanciert die Inszenierung zwischen der Glorifizierung und der kritischen Demontage der Figur Eva Perón – und gelingt es ihr, hinter dem Mythos eine widersprüchliche politische Persönlichkeit sichtbar zu machen, die auch für unsere Gegenwart relevant bleibt?
Frey: Für die Inszenierung dieser Produktion konnten wir Marcos Darbyshire gewinnen, er ist Argentinier und beleuchtet mit seiner Regie diese außergewöhnliche Figur auch mit Bildern und Assoziationen aus seiner Heimat. Mit seiner großen Erfahrung im Musiktheater entwirft er für Bozen eine differenzierte und kritische Arbeit, die zugleich den Erwartungen an eine große Bühnenshow gerecht wird.
(eva)

Programm

15. September
Lieder ohne Worte
von Thom Luz und Ensemble (Zusammenarbeit mit Transart26)

26. September
Eva schläft
nach dem Roman „Eva dorme“ von Francesca Melan- dri in deutscher und italienischer Sprache – UA, Koproduktion mit TEATA in der Gumpendorfer Straße, Wien (Regie: Sara Ostertag)

7. November
Vanya
von Simon Stephens, nach Anton Tschechows „Onkel Wanja“ (Regie: Rudolf Frey)

28. November
Marathonlesung – Joseph Roth: Flucht ohne Ende
Kooperation mit den Tiroler Volksschauspielen Telfs

16. Jänner 2027
Bernarda Albas Haus
von Federico García Lorca
(Regie: Matthias Rippert)

13. Februar 2027
Notti magiche
von Bonn Park (Regie: Michaela Senn)

13. März 2027
Notes from Down Below
Theaterinstallation von Rudolf Frey und Ayse Gülsüm Özel (UA)

15. Mai 2027
Evita
von Andrew Lloyd Webber – Koproduktion mit der Stiftung Haydn von Bozen und Trient (Musikalische Leitung: Stephen Lloyd – Regie: Marcos Darbyshire)

Kindertheater


16. Oktober
Der Koffer
von Chris Naylor-Ballesteros (Regie: Naemi Friedmann)

2. bis 6. November
Wild
Performatives Forschen mit öffentlichem Showing – Koproduktion mit Kids Culture Club und Museion Bozen

21. November
Pinocchio
von Lukas Schrenk, Nils Strunk und Henry Jimenenz Morales nach Carlo Collodi (Regie: Verena Holztrattner)

3. April 2027
Wolf
nach dem Roman von Saša Stanišic in einer Bühnenfassung von Emma Mulser – Koproduktion mit dem Rotierenden Theater]]> Kultur Fri, 05 Jun 2026 11:01:28 +0200 Fri, 05 Jun 2026 11:02:04 +0200 1 1311834 1 Theatermacher und Theatermensch: Rudolf Frey. © Luca Guadagnini - Lineematiche, Via dei Bottai 8, 39100 Bolzano (Italy) - IG: @luc Luca Guadagnini - Lineematiche, Via dei Bottai 8, 39100 Bolzano (Italy) - IG: @luc Kennedy Center streicht nach Gerichtsentscheid Trumps Namen https://www.stol.it/artikel/kultur/kennedy-center-streicht-nach-gerichtsentscheid-trumps-namen https://www.stol.it/artikel/kultur/kennedy-center-streicht-nach-gerichtsentscheid-trumps-namen Das Kennedy Center in Washington verbannt den Namen von US-Präsident Donald Trump aus offiziellen Dokumenten. Mitarbeiter der weltberühmten Kultureinrichtung seien angewiesen, Trumps Name „sofort“ aus E-Mail-Signaturen, Briefköpfen und von Anrufbeantwortern zu entfernen, hieß es in einem am Donnerstag (Ortszeit) versendeten Memo, das mehreren US-Zeitungen vorlag. Bis zum 12. Juni müssten zudem Webseite, Broschüren und Schilder im Innen- und Außenbereich geändert werden. redaktion@stol.it (apa)
Trump hatte das Kennedy Center kurz nach seinem Amtsantritt vor gut einem Jahr unter seine Kontrolle gebracht und einen Kampf gegen „anti-amerikanische Propaganda“ in der Kulturwelt angekündigt. Er entließ mehrere Mitglieder des Kuratoriums, übernahm den Vorsitz und beauftragte seinen Vertrauten Richard Grenell, die Institution neu auszurichten. Im Dezember wurde das Kennedy Center in Trump Kennedy Center umbenannt. Das führte zu großem Protest, Künstler sagten Auftritte ab.

In dem Bau des Kennedy Centers am Potomac-Fluss werden traditionell alle Genres von Theater, Tanz und Musik gezeigt. Das Haus wurde nach dem früheren Präsidenten John F. Kennedy (1917-1963) benannt.]]> Kultur Fri, 05 Jun 2026 11:00:18 +0200 Fri, 05 Jun 2026 11:00:23 +0200 0 1311864 0 Bald wieder Geschichte: Geänderte Aufschrift. © APA/AFP / KENT NISHIMURA KENT NISHIMURA Asfaltart-Väter Khuen und Ellmenreich: Die Zwei, die Meran zum Lachen bringen https://www.stol.it/artikel/kultur/kunst/asfaltart-vaeter-khuen-und-ellmenreich-die-zwei-die-meran-zum-lachen-bringen https://www.stol.it/artikel/kultur/kunst/asfaltart-vaeter-khuen-und-ellmenreich-die-zwei-die-meran-zum-lachen-bringen Als Asfaltart 2007 erstmals Meran bevölkerte, war noch Günther Januth Bürgermeister. Seitdem hat das Festival der Straßenkünstler Meran zur Landeshauptstadt des Lachens gemacht. In einer Woche geht's wieder los und die Asfaltart-Väter Joachim „Jogi“ Ellmenreich(59) und Meinhard Khuen (63) erzählen im Interview über die Geburt der Idee, schlaflose Nächte und wie's zum Händeschütteln mit Staatspräsident Mattarella kam. redaktion@stol.it (lu) 20 Jahren Asfaltart. Wie kam’s?
Joachim „Jogi“ Ellmenreich: Die Idee, ein Straßenkünstlerfest zu machen, kam mir beim Kinderstadtfest des Meraner Altstadtvereins. Dort sind Jordi Beltramo und Claudia Bellasi aufgetreten. Das hat mir so gut gefallen, dass ich dann sofort einen Ansprechpartner gesucht und in Meinhard Khuen gefunden habe.

Meinhard Khuen: Und ich war gleich Feuer und Flamme. Zumal ich 1989 schon einen Kunstverein gegründet hatte und so die organisatorischen und bürokratischen Voraussetzungen schon da waren. Wir haben dann ein Team aus sieben Personen zusammengestellt. Mittlerweile ist der harte Kern auf zwölf Personen angewachsen, weil die Aufgaben immer komplexer wurden.

Rund 15.000 Zuschauer bereits 2007, später viele Tausende mehr. Was hat Sie glauben lassen, dass das ein solcher Erfolg werden könnte?
Khuen: Einmal die Art des Festivals, das für jeden zugänglich und kostenlos ist und Unterhaltung auf höchstem Niveau bietet. Es ist jede Art von Straßenkunst vertreten und wenn mir etwas nicht gefällt, gehe ich halt zum nächsten Künstler.

Ellmenreich: Das Festival war von Anfang an für unsere Leute gedacht und auch deshalb im Juni, in einem der damals touristisch ruhigsten Monate in Meran und immer noch vor Schulende. Und von Beginn an wurde es von den Meranern und Südtirolern gut angenommen.

Mit Verlaub Sie sind in den Jahren ergraut. Gab es auch schlaflose Nächte?
Khuen: Genug. Eben weil die ganze Verantwortung auf uns lastet und man bis zum Schluss nie weiß, ob auch alles bereit ist.

Ellmenreich: Ja, natürlich. Nach dem Festival sind wir immer sehr erleichtert, wenn alles gut gegangen ist. Während des Festivals hat man eh nicht viel Zeit nachzudenken.

Asfaltart ist Jahr um Jahr gewachsen. Die Finanzen nie ein Problem?
Khuen und Ellmenreich: Wir haben seit 20 Jahren treue Unterstützer. Bereits 2007 waren Bürgermeister Günther Januth und Stadträtin Heidi Siebenförcher Feuer und Flamme – und die Sponsoren glaubten an uns wie das Publikum. Und nicht zu vergessen unsere mittlerweile 150 Freiwilligen. Ohne sie wäre das Festival nicht zu stemmen.

Asfaltart zu Covid-Zeiten war sozusagen eine Limited-Edition. Was blieb hängen?
Khuen: Die Corona-Regeln sprich die Sitzdistanzen waren einzuhalten und wir haben es bei mir in Kallmünz gemacht. Was ich positiv in Erinnerung habe, ist dass die Künstler sehr dankbar waren, weil sie sonst keine Auftritte hatten. Und es waren größtenteils Südtiroler Künstler.

Ellmenreich: Die Meraner und Südtiroler waren einfach glücklich, dass wieder etwas gemacht wurde. Wir waren unter den Ersten, die etwas veranstaltet haben. Natürlich hat uns geholfen, dass Asfaltart im Freien war.

Anekdoten in diesen 20 Jahren? „Blutzer“?
Khuen und Ellmenreich: „Blutzer“ gab’ s keine (lachen). Sehr spannende Situationen sehr wohl. Als sich im Juni 2017 Italiens Staatspräsident Mattarella und Österreichs Bundespräsident Van der Bellen in Meran zum Festakt 25 Jahre Streitbeilegung zwischen Österreich und Italien trafen, wurde uns nahegelegt Asfaltart zu verschieben. Aber am Ende konnten wir Asfaltart dank Bürgermeister Paul Rösch doch realisieren – und dann haben wir sogar Mattarella die Hand geschüttelt.

Welches Straßenkünstler-Talent – Artist, Clown, Akrobat, Narr – steckt in Ihrem Gegenüber? Charakterisieren Sie ihn?
Ellmenreich: Von Meinhard sagt man, er habe kabarettistisches Talent. Wenn wir zwei in Fahrt kommen, könnten wir im Duo auftreten.

Khuen: Wer weiß, was wir nach Asfaltart machen (lacht).

Was bringt Sie beide so richtig zum Lachen?
Khuen: Ich lache meist still in mich hinein, aber bei dem Spiel Whiskeymixer gibt’s bei mir kein Halten mehr.

Ellmenreich: Blödeleien oder Schenkelklopfer bringen mich nicht zum Lachen, sondern feine Satire und zwar wenn es Künstlern gelingt, den Funken aufs Publikum überspringen zu lassen und dieses mitgeht.

Zurück zu Asfaltart: Lässt sich an dieser Stimmungskanone noch etwas verbessern?
Khuen: Immer. Nach jeder Ausgabe machen wir eine Klausur, wo wir das vergangene Festival Revue passieren lassen und versuchen, alle Schwachstellen auszumerzen und neues zu entwickeln.

Ellmenreich: Weiterentwickeln geht immer, das tun wir seit 19 Jahren.

Wie lange machen Sie noch weiter?
Ellmenreich: Gute Frage. Sicher noch länger, aber in welcher Rolle muss ich erst sehen. Wir wollen, dass es weiter geht, aber im Bewusstsein, dass wir nicht jünger werden, wollen wir eine geordnete Übergabe.

Khuen: Wir werden das Festival, solange gewünscht, begleiten, aber in absehbarer Zukunft in jüngerer Hände übergeben.

In absehbarer Zeit heißt?
Khuen: In zwei, drei Jahren.

Wird Ihnen die Stadt Meran irgendwann der Goldenen Clown verleihen?
Khuen: Gibt’s den (lacht)?

Ellmenreich und Khuen: Darüber machen wir uns keinen Kopf. Das entscheiden andere.

Hier gibt es alle Infos zu Asfaltart.]]> Kultur Thu, 04 Jun 2026 13:49:34 +0200 Thu, 04 Jun 2026 13:50:05 +0200 1 1311660 1 Die Väter von Asfaltart: Meinhard Khuen (links) und Joachim „Jogi“ Ellmenreich 2007 bei der ersten Ausgabe von Asfaltart 2007. privat Sexten: Claus-Gatterer-Auszeichnungen an Preisträger überreicht https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/sexten-claus-gatterer-auszeichnungen-an-preistraeger-ueberreicht https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/sexten-claus-gatterer-auszeichnungen-an-preistraeger-ueberreicht Matthias Winterer und Jürgen Klatzer, Journalisten der österreichischen Wochenzeitung Falter sind am Mittwoch in Sexten mit der „Auszeichnung für hervorragenden Journalismus im Gedenken an Claus Gatterer“ geehrt worden. Der Preis wird alljährlich für journalistische Arbeiten, die im Sinne Gatterers unter anderem der Sorge um soziale Minderheiten und dem Zusammenleben in einer offenen Gesellschaft verpflichtet sind. redaktion@stol.it (lpa/stol)
„Der Artikel zeigt, wie wesentlich das kritische Auge unabhängiger Medien und des traditionell gründlich arbeitenden Journalismus für unsere Demokratie ist“, hielt dazu Laudator und Jurymitglied Franz Kössler in Sexten fest. Ressortdirektorin Manuela Defant, die Kulturlandesrat Philipp Achammer bei der Veranstaltung vertrat, überreichte den Preisträgern die Auszeichnung und unterstrich: „Informationen zu recherchieren, zu hinterfragen, einzuordnen und dann der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, ist eine Aufgabe mit einer großen gesellschaftlichen Bedeutung und Verantwortung, gerade in der heutigen Informationsflut. Ernsthafte journalistische Arbeit heißt, die Vernunft und den Verstand der Menschen anzusprechen, nicht nur den Bauch. Kompliment daher den Preisträgern, aber auch den Schülerinnen und Schülern zu ihrer großartigen Arbeit.“


Bereits einleitend hatte Sextens Bürgermeister Thomas Summerer darauf verwiesen, wie wichtig es sei, ein Gespür für das Anliegen der gesellschaftlich Schwächsten zu haben und damit im Sinne Claus Gatterers diesen eine Stimme zu geben. Dies wurde auch in den neun Beiträgen, die von insgesamt zwölf Schülerinnen und Schülern für den Schülerpreis CLAUS eingereicht wurden, deutlich. Mitinitiator Hermann Rogger lobte die „Vielfalt an Themen, Perspektiven und Zugängen“ der eingereichten Video- und Audiobeiträge.

Den Preis sicherte sich in diesem Jahr Maria Erhard, Schülerin am Kunstgymnasium Bruneck, die mit „Vergangenheit und Zukunft der ladinischen Sprache. Impressionen aus meinem Heimatdorf“ aufzeigte, wie vielfältig Muttersprache sein kann.

Jurysprecherin Teresa Indjein führte aus, dass der Beitrag in vielerlei Hinsicht überzeugte, unter anderem durch die sorgfältige Recherche, die Gegenwartsbezogenheit oder den nachvollziehbaren persönlichen Bezug der Autorin. Sie lobte alle eingereichten Beiträge für deren „gute Balance zwischen jugendlicher Alltagserfahrung und analytischer Reflexion“. Lob sprach Indjein auch den Initiatoren des Schülerpreises aus: Sie sei sich in Vorbereitung des Abends bewusst geworden „was für ein Lebensgeschenk eine gute Schule doch ist, sich in Südtirol bilden und entwickeln zu dürfen, dass es Förderer und Lehrpersonen gibt, die diesen Preis ersonnen haben und weiterführen. Das ist nicht selbstverständlich, sondern bemerkenswert.“]]> Kultur Thu, 04 Jun 2026 12:06:53 +0200 Thu, 04 Jun 2026 12:06:59 +0200 1 1311633 0 Im Bild v.l. Thomas Summerer (Bürgermeister Sexten), Hermann Rogger (Mitinitiator des Schülerpreises CLAUS), Teresa Indjein (Jurymitglied Schülerpreis), Schülerpreisträgerin Maria Erhard sowie die beiden Preisträger 2026 Jürgen Klatzer und Matthias Winterer. © Presseclub Concordia/Florian Stauder Presseclub Concordia/Florian Stauder Über 90 Kooperationsprojekte: Musik im Kindergarten erleben https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/ueber-90-kooperationsprojekte-musik-im-kindergarten-erleben https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/ueber-90-kooperationsprojekte-musik-im-kindergarten-erleben Um Kinder möglichst früh mit der Musikschule in Kontakt kommen zu lassen, wurde vor einigen Jahren ein Kooperationsprojekt zwischen den Musikschulen und den deutschsprachigen Kindergärten ins Leben gerufen: Musikschullehrer gestalten dabei regelmäßige Bildungsangebote im Bereich Elementares Singen und Musizieren für die Kindergärten. redaktion@stol.it (lpa/stol)
Der Ausbau gelingt dabei nicht nur dank der Zusammenarbeit der beiden zuständigen Landesdirektionen , sondern auch aufgrund der Unterstützung der Stiftung Südtiroler Sparkasse, welche eine flächendeckende Ausstattung der Kindergärten mit qualitativ hochwertigen Instrumenten ermöglicht.


„Damit möglichst viele Kinder in den Genuss des differenzierten Instrumentalangebotes kommen, übernimmt die Stiftung Südtiroler Sparkasse in den nächsten zwei Bildungsjahren noch weitere Anschaffungen für all jene Kindergärten, die bisher nur einen Teil beziehungsweise noch keine Musikausstattung erhalten haben. Insgesamt erstreckt sich der Förderungszeitraum über drei Jahre“, heißt es in einer Aussendung.


Die enge Zusammenarbeit zwischen Kindergärten und Musikschulen schaffe wertvolle Voraussetzungen dafür, dass Kinder Musik früh als bereichernden Teil ihres Alltags erleben. So werde nicht nur die Freude an Musik geweckt, sondern auch ein wichtiger Grundstein für alternative Ausdrucksformen über die gesprochene Sprache hinaus gelegt und Musik als universelle Sprache, die alle verbindet, kennen- und schätzen gelernt.]]> Kultur Thu, 04 Jun 2026 10:33:53 +0200 Thu, 04 Jun 2026 10:34:06 +0200 1 1311582 0 Die Angebote werden viel und gerne genutzt. © lpa/Kindergarten Salurn lpa/Kindergarten Salurn Medienkonzern Russmedia übernimmt Tiroler Moser Holding https://www.stol.it/artikel/kultur/medien-paukenschlag-in-tirol-familie-moser-verkauft-tiroler-tageszeitung https://www.stol.it/artikel/kultur/medien-paukenschlag-in-tirol-familie-moser-verkauft-tiroler-tageszeitung Der Medienstandort in Westösterreich erfährt offenbar eine signifikante Weichenstellung: Die Eigentümer der Tiroler Moser Holding, zu der unter anderem die „Tiroler Tageszeitung“ gehört, entschieden sich nämlich, ihre Anteile an der Holding in eine gemeinsame Mediengruppe mit der Vorarlberger Russmedia einzubringen. Russmedia wird 77 Prozent an der Gruppe übernehmen, die BTV Vier Länder Bank AG beteiligt sich als „strategische Partnerin“ mit 23 Prozent. redaktion@stol.it (apa)
Die BTV war bisher bereits an der Moser Holding beteiligt – und zwar mit 24,99 Prozent. 75,01 Prozent hielt die JS Moser Medienholding GmbH, also die Nachfahren des Mitgründers Joseph Stephan Moser bzw. die Familie Moser. Diese steigt nun offenbar aus.

Entscheidung „bewusst und überlegt getroffen“

Die Familie Moser habe die Entscheidung, ihre Anteile vollständig abzugeben, „sehr bewusst und überlegt getroffen“, hieß es: „Aus Überzeugung und aus dem gemeinsamen Willen heraus, den Regionaljournalismus im Rahmen der neuen Mediengruppe im Westen Österreichs langfristig zu stärken.“ Beide Häuser seien „in ihren Regionen tief verwurzelt, wirtschaftlich gesund und publizistisch unabhängig.“

„Was in Tirol über Jahrzehnte aufgebaut wurde – unabhängiger, regional verwurzelter Qualitätsjournalismus – verdient eine Zukunft, die seiner Stärke gerecht wird“, erklärte Familie Moser-Eigentümervertreter Wilfried Stauder. Man sehe für die Moser Holding die Möglichkeit „für eine größere Bühne, mehr Investitionskraft und einen Partner auf Augenhöhe, der dieselben Werte teilt.“

Die Entwicklungen der letzten Jahre am Medienmarkt würden zeigen, dass auch „starke Regionalmedien neue Strukturen brauchen“, um langfristig unabhängig zu bleiben. Die Verantwortlichen verwiesen auf mehrere skandinavische Medienhäuser, die in den vergangenen Jahren bewiesen hätten, dass „nachhaltige Geschäftsmodelle für Regionaljournalismus möglich“ seien. Daher nun dieser Schritt.

Regionale Marken bleiben erhalten

Die regionalen Marken beider Häuser – mit ihren Redaktionen, ihrer regionalen Identität und ihrer publizistischen Unabhängigkeit – würden erhalten bleiben, wurde betont. „Die 'Tiroler Tageszeitung' und tt.com bleiben das unabhängige Leitmedium Tirols. Hinzu kommt die Möglichkeit, gemeinsam noch schneller und stärker in das zu investieren, was uns ausmacht und demokratie- und gesellschaftspolitisch unverzichtbar ist: regionaler Qualitätsjournalismus“, ließ Moser Holding-CEO Silvia Lieb wissen.

Die redaktionelle bzw. journalistische Eigenständigkeit strichen auch „Tiroler Tageszeitung“-Chefredakteur Matthias Krapf und jene der „Vorarlberger Nachrichten“, Isabel Russ, heraus. „Die 'TT' und tt.com gehören zu Tirol, mit der Redaktion in Tirol, mit den Themen aus Tirol, mit der Stimme Tirols“, versicherte Krapf.

„Russmedia-Geschäftsführer Markus Raith sprach wiederum von einem “klaren Bekenntnis zu starken regionalen Medien im Westen Österreichs - in Tirol genauso wie in Vorarlberg.„ Ähnlich BTV-Vorstandsvorsitzender Gerhard Burtscher: Er sah ein “klares Bekenntnis zu einem starken, unabhängigen Medienstandort im Westen Österreichs.]]> Kultur Wed, 03 Jun 2026 13:00:55 +0200 Wed, 03 Jun 2026 14:56:57 +0200 0 1311357 0 Russmedia-Zentrale in Schwarzach. © APA/Russmedia/Philipp Steurer / Philipp Steurer Philipp Steurer Feierliche Eröffnung im Haus der Tiroler Geschichte in Bozen https://www.stol.it/artikel/kultur/feierliche-eroeffnung-im-haus-der-tiroler-geschichte-in-bozen https://www.stol.it/artikel/kultur/feierliche-eroeffnung-im-haus-der-tiroler-geschichte-in-bozen Mit rund 120 Mitfeiernden wurde kürzlich die erweiterte Ausstellung im „Haus der Tiroler Geschichte“ am Gumerplatz in Bozen feierlich eröffnet. Die große Zahl an Gästen aus allen Teilen Tirols, Österreich, Deutschland und Ungarn unterstrich das breite Interesse an den neu geschaffenen Ausstellungen und am Gesamtprojekt „Haus der Tiroler Geschichte“. redaktion@stol.it (stol) Die Festrede hielt DDr. Herwig van Staa, Alt-Landeshauptmann des Bundeslandes Tirol und Mitglied des Ausstellungsbeirates.
Unter den Ehrengästen befanden sich neben dem Festredner auch der Obmann des Vereins Südtiroler Geschichte, Mag. Andreas Schwaighofer, der Kurator der Ausstellung, Dr. Hubert Speckner, der für die Ausstellungsgestaltung verantwortliche Martin Dorfmann von der Firma „DPart“, Landesfeuerwehrkurat und Ausstellungsbeirat Pater Guardian Reinald Romaner sowie zahlreiche Vertreter aus Politik, Wirtschaft, Kultur und Wissenschaft.

Ebenso konnten Abordnungen befreundeter Institutionen, darunter die Andreas-Hofer-Museen in Mantua und St. Leonhard in Passeier, begrüßt werden. Mehrere Gäste waren eigens aus Wien angereist, andere sogar aus Ungarn.

Für einen festlichen Rahmen sorgte das Posaunenquartett „Sonoro“. Nach den Grußworten von Mag. Andreas Schwaighofer und Dr. Hubert Speckner segnete Pater Guardian Reinald Romaner die neuen Räumlichkeiten. Im Anschluss nutzten zahlreiche Besucher die Gelegenheit zum geführten Besuch durch die Ausstellungen. Für das leibliche Wohl sorgte die Metzgerei Kaufmann aus Girlan. Die Schützen der Kompanie „Dr. Josef Noldin Salurn“ sorgten für Ordnung und Sicherheit während der Veranstaltung.

Teils wenig beachtete Kapitel der Tiroler Geschichte wird sichtbar

„Die heutige Eröffnung ist das Ergebnis unzähliger Arbeitsstunden, großer Leidenschaft und einer hervorragenden Zusammenarbeit vieler Beteiligter. Mein besonderer Dank gilt allen Unterstützern, Förderern, Handwerkern, ehrenamtlichen Helfern und Mitarbeitern, die mit ihrem Einsatz dazu beigetragen haben, dieses Projekt termingerecht zu verwirklichen. Der große Zuspruch an diesem Abend zeigt, dass das Interesse an unserer Geschichte ungebrochen ist und wir mit dieser erweiterten Ausstellung einen wertvollen Beitrag zum Erhalt der Tiroler Geschichte leisten konnten“, betonte Vereinsobmann Mag. Andreas Schwaighofer.

Auch Kurator Dr. Hubert Speckner zeigte sich erfreut: „Wir dürfen heute zwei Ausstellungen eröffnen, die wichtige und bislang teilweise wenig beachtete Kapitel der Tiroler Geschichte behandeln. Besonders freut mich, dass die Umsetzung dank der präzisen und äußerst professionellen Arbeit aller Beteiligten pünktlich abgeschlossen werden konnte.“
Die neu eröffneten Teilausstellungen widmen sich zwei bedeutenden Themenkreisen der Tiroler Geschichte. Die Ausstellung „Andreas Hofer – Erinnerung, Kunst, Identität“ beleuchtet die vielfältige Erinnerungskultur rund um Andreas Hofer und deren künstlerische Ausprägungen seit dem frühen 19. Jahrhundert.

Die zweite Ausstellung „Standschützen – das letzte Aufgebot“ behandelt die Ereignisse nach der Kriegserklärung Italiens an Österreich-Ungarn im Mai 1915, als zahlreiche nicht mehr wehrpflichtige Männer sowie Jugendliche zur Verteidigung der Heimat einberufen wurden. Zu beiden Ausstellungen sind umfangreiche wissenschaftliche Ausstellungskataloge erschienen.

Gleichzeitig wurde die Studiensammlung und Bibliothek zur Geschichte Südtirols eröffnet. Sie befindet sich im neu benannten Dr.-Bruno-Hosp-Saal, der an den langjährigen Vorsitzenden des Ausstellungsbeirates und großzügigen Förderer des Projektes erinnert.
Die bestehende Ausstellung zur Südtiroler Zeitgeschichte der 1950er- und 1960er-Jahre unter dem Titel „BAS – Opfer für die Freiheit“ wird in den kommenden Monaten umfassend überarbeitet und erweitert.
Alle Ausstellungen sind in deutscher, italienischer, ladinischer und englischer Sprache gestaltet und ermöglichen so einem breiten Publikum den Zugang zu wichtigen Kapiteln der Landesgeschichte.

Die Eröffnung wurde von den zahlreichen Gästen als gelungene Veranstaltung und als wichtiger Meilenstein in der Entwicklung des Hauses der Tiroler Geschichte wahrgenommen. Gleichzeitig markiert sie einen weiteren Schritt auf dem Weg zur Vollendung des Gesamtprojektes. Bereits Ende Mai 2027 soll der nochmals erweiterte und dann vollständig verbundene Museumsparcours fertiggestellt werden. Hinter den Kulissen wird bereits intensiv an den nächsten Ausbauschritten gearbeitet. Schon heute laden die bestehenden Ausstellungen zu einem Besuch ein; im kommenden Jahr wird das Haus der Tiroler Geschichte mit einem umfassenden Gesamtkonzept aufwarten.]]> Kultur Wed, 03 Jun 2026 09:41:34 +0200 Wed, 03 Jun 2026 09:41:48 +0200 1 1311291 0 Die Ausstellung wurde im feierlichen Rahmen eröffnet – Foto: Wolfgang Stecher Gelächter statt Gleichberechtigung – Der Kampf ums Frauenwahlrecht in Italien https://www.stol.it/artikel/kultur/gelaechter-statt-gleichberechtigung-der-kampf-ums-frauenwahlrecht-in-italien https://www.stol.it/artikel/kultur/gelaechter-statt-gleichberechtigung-der-kampf-ums-frauenwahlrecht-in-italien Karikaturen und satirische Zeichnungen verspotteten einst das Frauenwahlrecht und machten die politischen Forderungen von Frauen lächerlich. Zum 80. Jahrestag des Frauenwahlrechts in Italien lud das Frauenarchiv Bozen die Kunsthistorikerin Emanuela Morganti ein: Anhand von Karikaturen aus der italienischen Presse zwischen 1848 und 1948 zeigte sie, wie Frauenrechtlerinnen mit Spott, Sarkasmus und Stereotypen delegitimiert wurden. redaktion@stol.it (s.plus) Von Heidi Hintner

Warum wurde das Frauenwahlrecht damals von vielen Männern als Bedrohung wahrgenommen? Welche gesellschaftlichen Ängste spiegeln Bilder und Texte zum Frauenwahlrecht wider?
Emanuela Morganti: Frauen galten lange als ungeeignet für politische Mitsprache – erst recht für militanten Aktivismus. Die Ängste, die seit Beginn des 20. Jahrhunderts in Karikaturen und Texten sichtbar werden, spiegeln vor allem die Sorgen einer männerdominierten Gesellschaft wider. Karikaturen zeigen vernachlässigte Ehemänner und Freunde, Väter in der Rolle der Mutter sowie chaotische Haushalte und leere Esstische, mittags und abends. Dahinter steckt die Angst, traditionelle Geschlechterrollen und die vertraute gesellschaftliche Ordnung könnten ins Wanken geraten.

Welche typischen Klischees über Frauen tauchten in Karikaturen und satirischen Zeichnungen gegen das Frauenwahlrecht immer wieder auf?
Morganti: Frauen wurden häufig als leichtfertig, oberflächlich und geistlos dargestellt. Nach Ansicht der Karikaturisten interessierten sie sich weniger für Politik als vielmehr für Mode, Freizeitvergnügen (allerdings kein intellektuelles!) und vor allem – für Männer. Eine weitere Form der Angriffe richtete sich gezielt gegen politisch engagierte Frauen, insbesondere gegen Aktivistinnen, Frauenrechtlerinnen und Suffragetten. Dabei griffen die Darstellungen vor allem auf körperliche und äußere Stereotype zurück.

Ein besonders prägnantes Beispiel für eine Karikatur, die Frauen politisch lächerlich machte?
Morganti: Das ist die Karikatur „Deputatesse“, die Giovanni Guareschi im Juli 1946 in der Zeitschrift Candido veröffentlichte. Bereits der Titel wirkt herablassend und soll die Rolle der neu gewählten Parlamentarierinnen abwerten. Die Zeichnung zeigt sieben Frauen unterschiedlicher politischer Herkunft, erkennbar an Kleidung und Accessoires. Vorne rechts mit Brille, Hut und Schleife: Teresa Noce (1900-1980). Gemeinsam ist ihnen jedoch die stark überzeichnete Darstellung ihrer körperlichen Merkmale. Durch diese grotesken Übertreibungen tritt die politische Aussage der Karikatur in den Hintergrund – zurück bleiben vor allem Aggression und Spott.




Welche Rolle spielten Kleidung, Körperhaltung und Mimik in der visuellen Sprache dieser satirischen Zeichnungen?
Morganti: Sie spielten eine zentrale Rolle und dienten vor allem dazu, Gegensätze zu inszenieren. Modisch gekleidete, kokette Frauen mit eleganter Haltung wurden als oberflächlich und politisch ungeeignet dargestellt. Ihnen gegenüber standen militante Aktivistinnen im altmodischen Stil: mit Kleidern und Hüten des 19. Jahrhunderts, die ihre Figur bewusst verhüllten. So entstanden zwei stereotype Frauenbilder, beide negativ konnotiert: entweder zu eitel für Politik oder zu unweiblich und radikal.

Wurden berufstätige, gebildete oder politisch aktive Frauen anders dargestellt als Hausfrauen und Mütter?
Morganti: Ja. Hausfrauen und Mütter spielten in der italienischen Bildsatire – mit Ausnahme der faschistischen Zeit – meist nur eine Nebenrolle. Wenn sie dargestellt wurden, dann vor allem als Gegenbild zu Suffragetten, Aktivistinnen und emanzipierten Frauen. Sie verkörperten Tradition, Häuslichkeit und Fürsorge: freundlich, mütterlich und einladend – sowohl in ihrer Haltung als auch in ihren Gesichtszügen. Politisch aktive Frauen dagegen erschienen oft als kühl, kantig und abweisend. Damit entstand ein bewusst konstruierter Gegensatz zwischen der „idealen“ Ehefrau und der modernen, unabhängigen Frau. Die Bildsprache vermittelte dabei auch eine soziale Botschaft: Die Ehefrau stand für Vertrautheit und das gemeinsame Familienleben, während Aktivistinnen als unabhängig und außerhalb traditioneller Rollen dargestellt wurden. Auffällig ist zudem, dass Suffragetten häufig in Gruppen gezeigt wurden. Dieses kollektive Auftreten verstärkte nicht nur die satirische Wirkung, sondern spiegelte auch die Angst vor organisierter weiblicher Solidarität und politischer Macht wider.

Welche Wirkung hatten solche satirischen Darstellungen auf die öffentliche Meinung und auf die Frauenbewegung selbst?
Morganti: Italien war zwischen dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert noch weitgehend analphabetisch; Bilder waren daher sehr wichtig. Die großen satirischen Zeitschriften richteten sich vor allem an ein männliches Publikum; Frauenzeitschriften behandelten meist andere Themen. Das Frauenwahlrecht wurde also überwiegend in Medien diskutiert, die von Männern gelesen und geprägt wurden. Unter diesen Bedingungen ist es wenig wahrscheinlich, dass kritische Gegenstimmen oder Leserinnenbriefe veröffentlicht wurden. Dennoch gab es auch politische Unterstützung für die Frauenemanzipation. So setzte sich etwa Salvatore Morelli bereits 1867 im italienischen Parlament für die rechtliche Gleichstellung der Frauen ein und forderte in einem Gesetzesentwurf die Anerkennung ihrer bürgerlichen und politischen Rechte.

Gab es Frauen, die auf diese Angriffe mit eigenen Zeichnungen, Humor oder Protesten reagiert haben?
Morganti: Die Illustration war in Italien lange Zeit eine männlich dominierte Branche. Es gab nur wenige Illustratorinnen, und noch seltener waren Frauen im Bereich der Satire und Karikatur tätig. Eine wichtige Pionierin war die Malerin und Karikaturistin Adriana Bisi Fabbri (1881-1918). Um in diesem traditionell männlich geprägten Umfeld anerkannt zu werden, vermieden viele Illustratorinnen bewusst „weibliche“ Themen, um nicht auf Frauen- oder Kinderillustrationen reduziert zu werden. Die Geschichte der Illustratorinnen ist deshalb eng mit der Geschichte der weiblichen Emanzipation verbunden. Paola Pallottino weist in ihrem Buch „Le figure per dirlo. Storia delle illustratrici italiane“ (2019) darauf hin.

Inwiefern arbeiteten die Karikaturen mit Übertreibung und Verzerrung, um politische Forderungen der Frauenbewegung zu delegitimieren?
Morganti: Frauenrechtlerinnen und Aktivistinnen wurden in Karikaturen häufig als überzeichnete Figuren dargestellt: als ältere Frauen, zu groß oder zu klein, zu dünn oder zu dick und bewusst außerhalb der geltenden Schönheitsideale. Oft erschienen sie zudem ungepflegt oder desinteressiert an Mode und Weiblichkeit. Durch diese Verzerrungen sollten ihre politischen Forderungen lächerlich gemacht und ihre gesellschaftliche Rolle delegitimiert werden. Die Zeichnungen arbeiteten mit stereotypen und bewusst „entstellten“ Frauenbildern. In manchen Fällen steigerte sich die Überzeichnung sogar ins Groteske, sodass die dargestellten Frauen beinahe bedrohlich oder furchteinflößend wirkten.



Gab es auch satirische Zeichnungen, die das Frauenwahlrecht unterstützten oder antifeministische Klischees kritisierten?
Morganti: Ja, auch solche Darstellungen existierten. So berichtete die Zeitung „Avanti!“1908 über den ersten Frauenkongress des Nationalrats der italienischen Frauen. Der Karikaturist Gabriele Galantara fertigte dazu mehrere Zeichnungen an, ohne auf körperliche oder groteske Stereotype zurückzugreifen. Er richtete seinen Blick vor allem auf die soziale Herkunft der Teilnehmerinnen, die überwiegend aus dem Bürgertum oder Adel stammten. Seine Karikaturen kritisierten damit eher gesellschaftliche Unterschiede als die Frauenbewegung selbst.

Schauen wir uns aktuelle Debatten in sozialen Medien an: Erkennen Sie Parallelen zu den damaligen Formen von Spott und Abwertung gegenüber politisch engagierten Frauen?
Morganti: Heute lassen sich zwei Entwicklungen beobachten. Einerseits hat sich die politische Satire in Italien stark verändert: Politisch engagierte Frauen werden inzwischen meist über dieselben Mechanismen und satirischen Mittel angegriffen wie Männer. Dieser Wandel vollzog sich schrittweise und wurde auch durch professionelle Illustratorinnen wie Pat Carra, Ellekappa oder Giuliana Maldini ermöglicht. Sie ebneten Künstlerinnen wie Marilena Nardi oder Valentina Stecchi den Weg. Andererseits zeigt sich besonders in sozialen Medien, dass Spott und Abwertung weiterhin häufig über das äußere Erscheinungsbild funktionieren. Solche Angriffe treffen nicht nur politisch aktive Frauen, sondern Frauen und Minderheiten allgemein. Die Herabwürdigung über Aussehen und Körper bleibt eines der verbreitetsten Mittel der Diskriminierung. In dieser Hinsicht scheint die Gesellschaft weniger Fortschritte gemacht zu haben als die Satire selbst, die diese Mechanismen oft lediglich widerspiegelt.

Zur Person:
Emanuela Morganti ist Kunsthistorikerin und Dozentin für zeitgenössische Kunstgeschichte an der Università degli Studi di Urbino Carlo Bo und forscht zu Karikatur, satirischer Illustration und politischer Grafik; ihr Zugang ist interdisziplinär und verbindet Kunst-, Kultur- und Geschlechtergeschichte.


]]> Kultur Tue, 02 Jun 2026 11:45:00 +0200 Tue, 02 Jun 2026 11:45:06 +0200 1 1311078 1 „Deputatesse“ oder: Das Frauenwahlrecht als Lachnummer. Die Zeichnung zeigt sieben Frauen unterschiedlicher politischer Herkunft, erkennbar an Kleidung und Accessoires. 100 Jahre Marilyn Monroe – Die tragische Ikone https://www.stol.it/artikel/kultur/100-jahre-marilyn-monroe-die-tragische-ikone https://www.stol.it/artikel/kultur/100-jahre-marilyn-monroe-die-tragische-ikone Platinblondes Haar, roter Lippenstift und ein weißes Kleid über einem U-Bahn-Schacht: Man könnte meinen, Marilyn Monroe brauchte nicht viel, um sich für immer in das kulturelle Gedächtnis einzuschreiben. „Marilyn ist ein Naturphänomen, wie die Niagarafälle und der Grand Canyon. Man kann nur staunend davorstehen“, sagte einmal der Filmproduzent Nunnally Johnson. redaktion@stol.it (s.plus)


Monroes Leben beginnt in direkter Nähe zur Traumfabrik Hollywood, aber doch weit entfernt von Glamour und Ruhm: Sie wird am 1. Juni 1926 in Los Angeles geboren und als Norma Jeane Mortenson getauft. Ihre Mutter arbeitet zunächst als Filmeditorin in einem Studio. Wegen psychischer Probleme muss sie ihren Job aufgeben und wird in eine Klinik eingewiesen, ihr wird später eine Schizophrenie diagnostiziert. Monroe verbringt den Großteil ihrer Kindheit in Heimen und etlichen Pflegefamilien, die immer wieder wechseln. Noch keine zehn Jahre alt wird Monroe sexuell missbraucht. In der Folge beginnt sie zu stottern. Ihren Vater lernt Monroe nie kennen.

In der Rüstungsfabrik entdeckt

Mit 16 Jahren heiratet sie ihren 21 Jahre alten Nachbarn Jimmy Dougherty. Als der einen Job bei der Handelsmarine annimmt und in den Südpazifik versetzt wird, sucht sich Monroe eine Anstellung am Fließband in einer Rüstungsfabrik. Ein Armee-Fotograf lichtet Monroe bei der Arbeit ab, ihre Fotos werden in etlichen Armee-Zeitschriften abgedruckt und Monroe findet so ihren Weg zu einer Model-Agentur. „Dann steckten sie mich in einen Badeanzug und ich war plötzlich gefragt“, wird Monroe in dem Buch „Marilyn: Her Life in Her Own Words“ zitiert. Die Agentin habe sie auch dazu überredet, ihr eigentlich braunes Haar zu blondieren, um mehr Aufträge zu bekommen.




Monroe weiß damals schon, dass sie Schauspielerin werden will. Als Kind bereits sei sie fasziniert vom Film gewesen: „Ob schlecht oder gut, das war egal.“ Und sie arbeitet hart an sich.

1946 endet die Ehe mit Dougherty. Im selben Jahr unterschreibt Monroe einen Vertrag mit den Filmstudios Twentieth Century Fox und ändert kurz darauf ihren Namen in Marilyn Monroe. Sie übernimmt kleinere Rollen, aber es soll bis 1953 dauern, bis ihr der große Durchbruch gelingt mit ihrer Rolle in dem Thriller „Niagara“. Es folgen Hauptrollen in populären Filmen wie „Blondinen bevorzugt“ und „Wie angelt man sich einen Millionär?“.



Auf der Titelseite des Playboys – ungewollt

1953 ziert Marilyn Monroe auch das allererste Titelbild des „Playboys“ – ungewollt. Die Nacktfotos der Schauspielerin, die zum Zeitpunkt der Veröffentlichung auf dem Cover des Männermagazins bereits vier Jahre alt waren, hatte Herausgeber Hugh Hefner über Umwege erstanden. Monroe hatte sich Ende der Vierziger Jahre wegen Geldsorgen unter dem Namen Mona Monroe für 50 Dollar nackt ablichten lassen, wie aus dem Buch „Marilyn: Her Life in Her Own Words“ des Fotojournalisten George Barris hervorgeht.

Der „Playboy“ ist sofort ausverkauft und Monroe legt den Grundstein zum Erfolg des Männermagazins. „Ich habe nicht mal ein Dankeschön von denen bekommen“, wird Monroe später zitiert.




Ihre Bekanntheit nutzt Monroe Mitte der Fünfziger dafür, sich gegen Missbrauch auszusprechen – damals quasi ein Tabu. Monroe wird heute als „Mona Lisa des 20. Jahrhunderts“ bezeichnet, aber auch als frühe Vorläuferin späterer Popfiguren wie Madonna oder Pamela Anderson: Frauen, die das Bild der begehrten Frau aktiv inszenieren. Die Endzwanzigerin arbeitet hart daran, ihr Blondinen-Image abzustreifen.

Zweite Ehe endet nach neun Monaten

1954 heiratete Marilyn den Baseball-Superstar Joe DiMaggio. Doch der Sportler reagiert zunehmend eifersüchtig auf ihren Ruhm und die Faszination, die seine Frau auslöst: Während der Dreharbeiten für den Film „Das verflixte 7. Jahr“ entsteht die weltberühmte Szene, bei der Wind aus einem Schacht das weiße Kleid Monroes hochwirbelt. Als PR-Gag angelegt, versammeln sich Menschenmassen, um der Schauspielerin bei der für die Zeit bemerkenswert freizügigen Szene zuzuschauen.




DiMaggio soll erzürnt reagiert haben. Er sei handgreiflich geworden, wird eine Friseurin Monroes, die später blaue Flecken überschminkt haben will, in der Netflix-Dokumentation „Mysterium Marilyn Monroe: Die ungehörten Bänder“ zitiert. Nach neun Monaten Ehe lässt sich das Paar scheiden. Monroe verlässt Kalifornien kurz darauf, um nach New York zu ziehen.

1956 heiratet Monroe den mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten Dramatiker Arthur Miller. Auch sie ist auf dem Höhepunkt ihrer Karriere. Ihr größter Erfolg wird ihre Rolle in der Komödie „Manche mögen's heiß“, für die sie 1959 einen Golden Globe als „Beste Hauptdarstellerin“ erhält. Doch der Ruhm währt nicht lange. Monroe kämpft spätestens ab Mitte der 1950er Jahre mit einer zunehmenden Abhängigkeit von Schlaf- und Aufputschmitteln und leidet unter Angstzuständen.

Plötzlicher Tod mit 36

Ihre Ehe mit Miller endet im Januar 1961. Monroe zieht zurück nach Los Angeles und beginnt Sitzungen mit dem Psychiater Ralph Greenson. Im selben Jahr wird sie zweimal wegen psychischer Probleme und Tablettenmissbrauchs in Krankenhäusern behandelt. Fox entlässt sie Mitte des Jahres, weil sie die meiste Zeit der Dreharbeiten zu „Something's got to give“ fehlt. Ungefähr in die Zeit sollen auch ihre angeblichen Affären mit John F. Kennedy und dessen Bruder Robert F. Kennedy gefallen sein. Besonders daraus speisen sich viele Gerüchte und Theorien um ihren Tod.




Am Abend des 4. August 1962 stirbt Monroe im Alter von 36 Jahren unerwartet in ihrem Haus in Brentwood, Kalifornien. Bis heute hält sich die Theorie, die Hollywood-Ikone sei ermordet worden – auch wenn 1982 erneut aufgenommene Ermittlungen zu ihrem Tod mit der Feststellung endeten, dass sie sich mit einer Überdosis Schlaftabletten selbst das Leben genommen habe. Am 1. Juni jährt sich ihr Geburtstag zum 100. Mal.]]> Kultur Mon, 01 Jun 2026 14:49:00 +0200 Mon, 01 Jun 2026 14:49:05 +0200 0 1311042 1 Schon immer wollte Marilyn Monroe Schauspielerin werden. © Arte France/Photo12/Alamy / Simon Serdar Simon Serdar Großevent in Arena von Verona für neapolitanisches Liedgut https://www.stol.it/artikel/kultur/grossevent-in-arena-von-verona-fuer-neapolitanisches-liedgut https://www.stol.it/artikel/kultur/grossevent-in-arena-von-verona-fuer-neapolitanisches-liedgut Mit einem Großevent in der Arena von Verona will Italien für die Aufnahme des klassischen neapolitanischen Liedguts in die Liste des immateriellen Kulturerbes der Unesco werben. Zu der Veranstaltung „Campioni del mondo - Italia loves UNESCO“ am Freitag (5. Juni) werden mehr als 500 Künstler sowie rund 100 UNESCO-Delegierte aus Paris erwartet. redaktion@stol.it (apa)
Beteiligt an der Organisation sind neben der Stiftung Arena di Verona und der TV-Sender Rai Cultura mehrere Ministerien. Ziel der Veranstaltung ist es, die jüngsten UNESCO-Anerkennungen der italienischen Operngesangstradition und der italienischen Küche zu würdigen. Zugleich soll die Kandidatur des klassischen neapolitanischen Liedguts als immaterielles Kulturerbe vorangetrieben werden.

Auf dem Programm stehen unter anderem Interpretationen berühmter neapolitanischer Lieder wie „Te vojo bene assaje“, „Era de maggio“ und „'O surdato 'nnammurato“. Patti Smith will eine symphonische Version ihres Songs „Because the Night“ präsentieren und damit ihre Verbundenheit zur italienischen Opernkultur zum Ausdruck bringen.

Über eine mögliche Aufnahme des neapolitanischen Liedguts in die UNESCO-Liste entscheidet die UNESCO auf Grundlage eines Dossiers. An dessen Ausarbeitung ist eine Expertengruppe unter Leitung des italienischen Musikers Renzo Arbore beteiligt. Dieser bezeichnet die neapolitanische Liedtradition als eine der interessantesten Formen populärer Musik weltweit. Das Verfahren soll bis Dezember 2028 abgeschlossen werden.]]> Kultur Mon, 01 Jun 2026 12:28:29 +0200 Mon, 01 Jun 2026 12:28:42 +0200 0 1311015 0 Neapel hält Einzug in der Arena von Verona. © APA/AFP / MARCO BERTORELLO MARCO BERTORELLO „Ert x Merit Ladin“: Christine Runggaldier gewinnt mit „Deventé“ https://www.stol.it/artikel/kultur/ert-x-merit-ladin-christine-runggaldier-gewinnt-mit-devente https://www.stol.it/artikel/kultur/ert-x-merit-ladin-christine-runggaldier-gewinnt-mit-devente Die Künstlerin Christine Runggaldier ist mit ihrem Projekt „Deventé“ als Siegerin des Wettbewerbs „Ert x Merit Ladin“ ausgezeichnet worden. Erstmals konnten dabei nicht nur fertige Werke, sondern auch künstlerische Konzepte in der Entwicklungsphase eingereicht werden. redaktion@stol.it (lpa)
Die Besonderheit dieses Werks liegt in seinem Charakter als „Werk im Werden“: Es handelt sich nicht um eine bereits abgeschlossene Schöpfung, sondern um ein noch zu realisierendes künstlerisches Projekt, das anhand einer grafischen Darstellung der Jury präsentiert wird. In dieser Ausschreibung war es erstmalig möglich, an der Auswahl nicht nur mit realisierten Arbeiten, sondern auch mit Projekten teilzunehmen, die sich noch in der Entwicklungsphase befinden.

Die Preisträgerin Christine Runggaldier, geboren 1988, lebt und arbeitet in Wolkenstein in Gröden. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Venedig und an der Universität für angewandte Kunst in Wien, wodurch sie sowohl ihre malerischen als auch ihre bildhauerischen Fähigkeiten vertiefen konnte. Derzeit setzt sie ihre künstlerische Arbeit fort, indem sie sich auf die Bildhauerei konzentriert und an Ausstellungen sowie interdisziplinären Projekten teilnimmt.

„Es ist eine große Freude, eine ladinische Künstlerin auszeichnen zu können, die ausgehend von ihrer Heimat eine bedeutende künstlerische Ausbildung in Venedig und Wien absolviert hat, um anschließend die auf internationaler Ebene gewonnenen Erfahrungen, Kompetenzen und Sensibilitäten in ihre Heimat zurückzubringen“, betont Landesrat Daniel Alfreider.

„Ich freue mich sehr, dass mit Christine Runggaldier eine ladinische Künstlerin der jüngeren Generation ausgewählt wurde – und dies mit einem spannenden Projekt, das bewusst für den Merit Ladin und dessen Preisträger 2026 konzipiert wurde“, unterstreicht der Direktor der ladinischen Bildungs-und Kulturdirektion André Comploi: „Die Entscheidung der Jury ist ein schönes Signal der Offenheit gegenüber zeitgenössischen künstlerischen Ausdrucksformen sowie für die Förderung junger ladinischer Kunstschaffender.“

„Ladinische Kunst entwickelt sich heute selbstverständlich zwischen lokaler Identität und internationalem Austausch, Tradition und Entwicklung. Genau für diese Haltung und Zukunftsorientierung steht der Ert x Merit Ladin“, hebt der Präsident des Südtiroler Künstlerbundes Alexander Zoeggeler hervor.

Das siegreiche Kunstwerk wird im Rahmen der Verleihungszeremonie des Merit Ladin während des Di dla Cultura Ladina am 19. September vorgestellt und übergeben.

Mit dem Preis „Merit Ladin“ wird eine herausragende Persönlichkeit geehrt, deren Wirken nachhaltig zur Stärkung der ladinischen Identität beigetragen hat und deren Einfluss weit über die ladinische Sprachgemeinschaft hinausreicht. Der Merit Ladin 2026 wurde dem ehemaligen ladinischen Schulamtsleiter Franz Vittur zugesprochen für seine Verdienste dafür, in einer entscheidenden Phase die Grundlagen für das heutige ladinische Schulwesen geschaffen und weiterentwickelt sowie sich in vielfältiger Weise für die Stärkung der ladinischen Sprache und Kultur eingesetzt zu haben.]]> Kultur Mon, 01 Jun 2026 09:35:46 +0200 Mon, 01 Jun 2026 09:36:06 +0200 1 1310961 0 Die Gewinnerin des Kunstwettbewerbs "Ert x Merit Ladin" Christine Runggaldier. © LPA/Südtiroler Künstlerbund LPA/Südtiroler Künstlerbund Metallica schreibt in Berlin mit 94.000 Besuchern Geschichte https://www.stol.it/artikel/kultur/metallica-schreibt-in-berlin-mit-94000-besuchern-geschichte https://www.stol.it/artikel/kultur/metallica-schreibt-in-berlin-mit-94000-besuchern-geschichte Die US-Metal-Band Metallica hat mit ihrem Konzert im Berliner Olympiastadion Geschichte geschrieben. 94.000 Zuschauerinnen und Zuschauer besuchten das Konzert am Samstagabend, wie das Stadion auf Instagram mitteilte. Die Band spricht von einem Rekord und der größten Show, die es jemals im Olympiastadion gegeben habe. Zum Vergleich: Bei einem Fußballspiel gibt es in dem Stadion für rund 73.860 Menschen Platz. redaktion@stol.it (dpa) Möglich wurde das durch die Bühnenanordnung. Anders als bei anderen Konzerten im Olympiastadion stand die Bühne nicht am Marathon-Tor, sondern mittig, somit konnten alle Tribünenplätze genutzt werden. Die Bühne war als Ring angeordnet: Fans, die viel Geld für Karten in der Mitte bezahlt hatten, kamen bei etwas Glück auch in den Genuss, die Musiker abzuklatschen.

Metallica spielt Rammstein-Song

Kurz nach 20.00 Uhr kamen die vier Musiker einer der erfolgreichsten Metal-Bands der Welt auf die Bühne und heizten den beseelten Fans vom ersten Ton an ein. Gut zwei Stunden lang spielten Metallica um Frontmann James Hetfield Titel ihres jüngsten Albums „72 Seasons“, aber auch Klassiker wie die Ballade „Nothing Else Matters“ sowie am Ende „Enter Sandman“ und „Masters of Puppets“. Als Reminiszenz an die Lokalmatadoren von Rammstein spielten sie deren Song „Sonne“ – Tausende Fans sangen dabei mit. Beendet wurde das Konzert mit einem Feuerwerk auf dem Dach des Olympiastadions.

Seit gut drei Jahren sind Metallica im Rahmen der M72 World Tour unterwegs. 2023 und 2024 waren sie zu je zwei Konzerten in Hamburg, zuletzt bei zwei Auftritten in Frankfurt am Main. Das Berliner Konzert war das siebte und letzte Konzert in Deutschland.]]> Kultur Sun, 31 May 2026 17:34:40 +0200 Sun, 31 May 2026 17:38:27 +0200 0 1310877 0 Die US-Metal-Band Metallica hat mit ihrem Konzert im Berliner Olympiastadion Geschichte geschrieben. 94.000 Zuschauerinnen und Zuschauer besuchten das Konzert am Samstagabend, wie das Stadion auf Instagram mitteilte. © ANSA / ANDREAS BECKER ANDREAS BECKER Künstler verwandelt berühmte Brücke in Paris in Höhle https://www.stol.it/artikel/kultur/kuenstler-verwandelt-beruehmte-bruecke-in-paris-in-hoehle https://www.stol.it/artikel/kultur/kuenstler-verwandelt-beruehmte-bruecke-in-paris-in-hoehle Vor gut 40 Jahren musste das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude gegen zahlreiche Widerstände ankämpfen, um die berühmte Pariser Brücke Pont Neuf mit goldglänzenden Stoffbahnen zu verhüllen. Der französische Künstler JR, der die Brücke nun in eine gigantische Höhle verwandelt hat, wird hingegen allseits dafür gelobt. Die aufblasbare Kunststoff-Struktur, die an eine Hüpfburg in Form eines Bergmassivs erinnert, begeistert viele Pariser und Touristen. redaktion@stol.it (apa)
„Es soll ein immersives Erlebnis werden“, sagt der 43 Jahre alte Künstler JR, der sich mit großformatigen Fotocollagen und Trompe-l'oeil-Installationen einen Namen gemacht hat. In der Höhle wird eine Tonkulisse zu hören sein, die der ehemalige Daft-Punk-Musiker Thomas Bangalter kreiert hat.

Die 69 Jahre alte Anne, die in einer Pariser Vorstadt lebt, ist eigens zum Seine-Ufer gekommen, um sich das Werk anzusehen, über das französische Medien bereits ausgiebig berichtet haben. „Es ist überraschend, ich bin sehr beeindruckt“, sagt sie: „Eine geniale Idee“.

Die Pariser Stadtverwaltung preist die begehbare Brückenhöhle als „größtes immersives Werk weltweit“ und eine Hommage an Christo und Jeanne-Claude. Die beiden hatten vor Jahrzehnten jahrelange Überzeugungsarbeit leisten müssen, um ihr Vorhaben zu verwirklichen: Die erste Skizze zeichnete Christo 1975, eingehüllt wurde die Brücke 1985.

Der damalige Pariser Bürgermeister Jacques Chirac blockierte und verzögerte das Projekt mehrfach, weil er Kritik der Öffentlichkeit fürchtete. Ähnlich wie später bei der Verhüllung des Berliner Reichstags gab es viele Menschen, die sich anfangs kritisch zeigten und am Ende begeistert waren.

Das Künstlerpaar Christo und Jeanne-Claude wählte damals einen weich fließenden Stoff, der in der Sonne golden schimmerte und die harmonische Struktur der Brücke aus dem 16. Jahrhundert auf neue Weise sehen ließ. JR hingegen lässt die Brücke komplett unter seiner Installation verschwinden. Die Plastikplanen sind in Grautönen schraffiert, so dass sie wie Felsen wirken.

„Es soll das Ungeschliffene und Wilde der raffinierten Eleganz der Pariser Bauten gegenüberstellen“, sagt JR, zu dessen Markenzeichen Hut und Sonnenbrille zählen. Das Motiv der Höhle hat er schon früher verarbeitet, etwa in einer Fotomontage auf der Fassade der Pariser Opéra Garnier. „Eine Höhle zu betreten, macht immer etwas Angst und ist zugleich faszinierend“, fügt er hinzu. Paris sei zudem eine Stadt, „die gut geeignet ist für monumentale Werke“.

Öffentliche Kritik an der Installation gibt es bisher kaum, allenfalls von der Kulturzeitschrift „Télérama“, die den allzu massentauglichen Charakter des Werks kritisch sieht. „Das Konsensuelle ersetzt das Provozierende“, schreibt das Blatt. Allerdings seien die Ausmaße imponierend, „und Fotos davon bekommen auf Instagram sicher viele Likes“.

Tatsächlich waren frühere Werke des Künstlers politischer und kontroverser, etwa die großformatigen Porträts von Grimassen schneidenden Israelis und Palästinensern auf den Sperranlagen zwischen Israel und dem Westjordanland. In den Favelas von Rio de Janeiro plakatierte er riesengroße Gesichter und Augen von Frauen, die dort leben, unter ihnen Angehörige von getöteten Jugendlichen.

In Paris blieben vor allem seine spielerischen Umgestaltungen der gläsernen Pyramide im Hof des Louvre-Museums in Erinnerung: 2016 bedeckte JR die Pyramide mit Fotos der dahinterliegenden Fassade, sodass sie wie verschwunden schien. Drei Jahre später gestaltete er den Boden rund um die Pyramide so, dass es aussah, als sei sie in ein tiefes Loch gefallen. Das jüngste Werk von JR auf der ältesten Brücke von Paris soll bis zum 28. Juni rund um die Uhr kostenlos zugänglich sein. Es ist schon jetzt absehbar, dass es lange Besucherschlangen geben wird.

(Von Ulrike Koltermann/AFP)]]> Kultur Sun, 31 May 2026 12:34:21 +0200 Sun, 31 May 2026 12:35:05 +0200 0 1310832 0 Brücke mitten in Paris kaum wiederzuerkennen. © APA/AFP / JOEL SAGET JOEL SAGET Französischer Philosoph und Soziologe Edgar Morin 104-jährig gestorben https://www.stol.it/artikel/kultur/franzoesischer-philosoph-und-soziologe-edgar-morin-104-jaehrig-gestorben https://www.stol.it/artikel/kultur/franzoesischer-philosoph-und-soziologe-edgar-morin-104-jaehrig-gestorben Edgar Morin, einer der einflussreichsten französischen Intellektuellen der Gegenwart, ist im Alter von 104 Jahren in Paris gestorben. Bekannt wurde der Philosoph und Soziologe auch im deutschsprachigen Raum mit dem Buch „Das Jahr Null. Ein Franzose sieht Deutschland“, in dem er die Nachkriegszeit und den Neubeginn der deutschen Gesellschaft unmittelbar nach 1945 beschreibt. Wie französische Medien unter Berufung auf seine Familie berichteten, starb er am Freitag. redaktion@stol.it (apa)
Nach 1945 bewegte sich Morin zunächst im Umfeld der kommunistischen Intelligenz, bevor er sich vom Stalinismus distanzierte. International bekannt wurde er durch seine Theorie des komplexen Denkens. Gegen jede Form der Reduktion vertrat er die Auffassung, dass Wirklichkeit aus Verflechtungen besteht: zwischen Individuum und Gesellschaft, Ordnung und Chaos, Wissen und Ungewissheit.

Morin war Ehrendoktor von 38 ausländischen Universitäten und hat rund vierzig Werke verfasst, die vielfach übersetzt wurden. Bis ins hohe Alter blieb Morin eine Stimme im intellektuellen Streit um die Gegenwart: Globalisierung, ökologische Krise, Konflikte und Kriege.]]> Kultur Sat, 30 May 2026 12:43:02 +0200 Sat, 30 May 2026 12:43:15 +0200 0 1310670 0 Französischer Intellektueller starb im Alter von 104 Jahren. © APA/AFP / FRED DUFOUR FRED DUFOUR Biennale Gherdëina: Wie Doris Ghetta Weltkunst in die Berge holt https://www.stol.it/artikel/kultur/biennale-gherdeina-wie-doris-ghetta-weltkunst-in-die-berge-holt https://www.stol.it/artikel/kultur/biennale-gherdeina-wie-doris-ghetta-weltkunst-in-die-berge-holt In ihrer zehnten Ausgabe, kuratiert von Samuel Leuenberger, widmet sich die Biennale Gherdëina „(Future) Paradise Gardens“ der Frage, wie Gärten zu einem Ort der Fürsorge, des Zusammenlebens und der Vorstellungskraft werden können. Doris Ghetta hat die Schau vor 20 Jahren gegründet. Wie sie die Idee ausheckte, Zeitgenössisches mitten in die Grödner Landschaft zu setzen, was Sie erlebt hat und warum sie immer noch glaubt, das sei eine ihrer besten Ideen gewesen, erzählt sie im Gespräch. Am morgigen Samstag findet die Eröffnung des (Future) Paradise Gardens statt. redaktion@stol.it (s.plus) „Sind Sie mutig Frau Ghetta? Denn was hat Sie vor fast 20 Jahren angetrieben – oder besser gesagt, welche Tarantel hat Sie gestochen –, diesen Parcours zeitgenössischer Kunst mitten in den Dolomiten ins Leben zu rufen?
Doris Ghetta: (lacht) Die Biennale entstand aus dem Wunsch, eine Umgebung zu schaffen, wo zeitgenössische Kunst in einen echten Dialog mit der besonderen kulturellen, sprachlichen und landschaftlichen Identität Grödens treten kann. Damals gab es hier keine Plattform für internationale Gegenwartskunst. Gleichzeitig hatte ich immer das Gefühl, dass gerade ein Ort wie Gröden – mit seiner starken Tradition, mit seinen Künstlerinnen und Künstlern, seiner Geschichte des Handwerks und seiner komplexen Identität – ein enormes Potenzial für zeitgenössische künstlerische Reflexion birgt. Mich hat interessiert, auszutesten, was passiert, wenn Kunst nicht in einem neutralen White Cube gezeigt wird, sondern mitten im öffentlichen Raum, in einer alpinen Landschaft, in einem lebendigen sozialen Gefüge.

Dann würden Sie es noch einmal machen?
Ghetta: Ja, trotz aller Schwierigkeiten würde ich es wieder tun, wahrscheinlich bewusster als damals. Natürlich gab es Momente großer Unsicherheit, auch finanzieller und organisatorischer Natur, aber die Biennale Gherdëina hat gezeigt, dass aus einer zunächst fast utopischen Idee tatsächlich ein nachhaltiger kultureller Raum entstehen kann. Das ist etwas sehr Wertvolles. Dafür bin ich sehr dankbar und möchte mich bei all den Leuten bedanken, die an dieses Projekt geglaubt und über die Jahre unterstützt haben.

Was waren in all den Jahren die prägendsten Momente und Wendepunkte in der Entwicklung des Projekts?
Ghetta: Ein entscheidender Wendepunkt war, als das erste Mal ein internationaler Kurator mitgewirkt hat: Adam Budak. Er hat drei Editionen kuratiert und dadurch haben internationale Künstlerinnen und Kuratoren begonnen, die Biennale Gherdëina nicht mehr nur als „kleines regionales Projekt“, sondern als ernstzunehmende Plattform wahrzunehmen. Ebenso prägend war die zunehmende Einbindung ortsspezifischer Arbeiten im öffentlichen Raum. Dadurch wurde die Beziehung zwischen Kunst, Landschaft und Bevölkerung viel unmittelbarer. Diese Zusammenarbeiten haben die Perspektive der Biennale stark erweitert und ihr neue Netzwerke eröffnet.


Sehen Sie hier die Bilder der 10. Biennale Gherdëina „(Future) Paradise Gardens“:



Und welche Herausforderungen gab es auf dem Weg?
Ghetta: Die größte Herausforderung war wahrscheinlich, Kontinuität zu schaffen – finanziell, strukturell und institutionell. Eine Biennale, in einem alpinen Gebiet zu organisieren, bedeutet immer auch gegen geografische und infrastrukturelle Grenzen zu arbeiten. Hinzu kam, insbesondere anfangs, eine gewisse Skepsis gegenüber zeitgenössischer Kunst. Viele Menschen konnten sich schwer vorstellen, warum gerade hier eine internationale Biennale stattfinden sollte, wo bereits viele Touristinnen und Touristen sind. Genau deshalb ist es für die lokale Bevölkerung so wichtig, sich mit der großen Bedeutung von Kultur auseinanderzusetzen. Reibung ist letztlich produktiv und wichtig.

Allerdings. Nun hat sich die Biennale in diesen 20 Jahren von einer lokalen Initiative zu einer international anerkannten Plattform entwickelt – was war der Schlüssel zu diesem Wachstum?
Ghetta: Ich glaube, der Schlüssel war, dass die Biennale Gherdëina nie versucht hat, andere große internationale Formate zu imitieren. Ihre Stärke lag immer schon in ihrer spezifischen Identität. Die Verbindung zwischen lokaler Kultur, ladinischer Geschichte, Landschaft und globalen Fragestellungen macht die Biennale Gherdëina einzigartig. Gleichzeitig war es wichtig, konsequent auf Qualität zu setzen – sowohl bei den geladenen Künstlerinnen und Künstlern als auch bei den kuratorischen Konzepten.

Wenn Sie die Künstlerinnen und Künstler, die in all den Jahren mitgemacht haben, beobachten, wie hat sich deren Rolle verändert?
 Ghetta: Heute arbeiten viele stärker prozessbezogen und ortsspezifisch. Früher wurden Werke häufiger einfach „platziert“. Heute entsteht eine längere Auseinandersetzung mit dem Territorium, mit lokalen Geschichten und Gemeinschaften. Künstlerinnen und Künstler interessieren sich für soziale, ökologische und politische Zusammenhänge, und die Biennale Gherdëina bietet dafür einen sehr offenen Kontext.

Und wie hat sich der Zugang der Kuratoren oder Kuratorinnen gewandelt?
 Ghetta: Ich glaube, deren Rolle ist heute wesentlich „dialogischer“ geworden. Es geht weniger darum, eine starre Ausstellungsidee durchzusetzen, sondern vielmehr darum, Verbindungen herzustellen – zwischen Künstlerinnen und Künstlern, Orten, Themen und Publikum . Gerade in einem Kontext wie Gröden braucht es Sensibilität für lokale Dynamiken und gleichzeitig eine internationale Perspektive .

Wer hat das geschafft. Wer bleibt Ihnen besonders in Erinnerung?
Ghetta: Es gibt viele Begegnungen, die mich geprägt haben. Besonders in Erinnerung bleiben mir jene, die sich wirklich auf den Ort eingelassen haben – nicht oberflächlich, sondern mit echtem Interesse an Sprache, Geschichte und Menschen. Oft waren es genau diese Begegnungen, die gezeigt haben, dass zeitgenössische Kunst Brücken bauen kann, auch zwischen sehr unterschiedlichen kulturellen Welten.

„Nemo propheta in patria“: Das gilt auch für die Biennale Gherdëina. Nicht von Anfang an wurde die Kunstschau in Gröden von der Bevölkerung positiv aufgenommen. Welche Akzeptanz erfährt sie heute, nach 20 Jahren?
Ghetta: Die Akzeptanz hat sich stark verbessert: Natürlich gibt es weiterhin unterschiedliche Meinungen – und das ist auch gut so. Heute wird die Biennale Gherdëina viel stärker als Teil der kulturellen Identität des Tales wahrgenommen. Viele Menschen haben erlebt, dass die Biennale internationale Aufmerksamkeit nach Gröden bringt und gleichzeitig lokale Themen sichtbar macht. So ist über die Jahre Vertrauen entstanden.

Wie schaffen Sie die Vermittlung vor Ort bzw. in Südtirol?
Ghetta: Neben den klassischen Vermittlungsformen, die sich über Kommunikations- und Mediationsmaßnahmen erstrecken, haben sich über die Jahre vor allem die Kollaborationen mit lokalen Partnerinnen und Partnern als wirksam erwiesen. Das kulturelle Ökosystem in Südtirol ist zwar klein, aber vielseitig. Dadurch entstehen spannende Möglichkeiten der Zusammenarbeit: MUSEION, ARGE/Kunst, Bolzano Danza, MUSE, Fondazione dalle Nogare uvw. haben dazu beigetragen, dass sich die Reichweite der Biennale über das Grödnertal hinaus bewegt hat. Mittlerweile sind auch viele weitere internationale Partner dazu gekommen, dieses Jahr z.B. die Kaunas Biennale aus Litauen oder die Zusammenarbeit mit dem Italian Council.
Zudem schaffen Rankings einen Überblick im heutigen Dschungel der unterschiedlichsten Medien: Vor kurzem habe ich auf einer Kunstplattform gelesen, dass die Biennale Gherdëina zu den zehn spannendsten Schauen gehört, die man im Sommer nicht versäumen darf. Solche Anerkennungen freuen uns natürlich sehr, weil sie zeigen, dass die Biennale Gherdëina auch international wahrgenommen wird. Gleichzeitig war es nie unser Ziel, Trends zu folgen oder spektakulär zu sein. Entscheidend bleibt für uns die inhaltliche Qualität und die Authentizität des Projekts.

Vor Kurzem haben Sie die Sonderpublikation „BG1–10. Biennale Gherdëina Anniversary“ vorgestellt: Welche Rolle spielt die Publikation für die Aufarbeitung und Darstellung der Geschichte der Biennale?
 Ghetta: Sie ist für uns ein wichtiges Instrument der Erinnerung und Reflexion. Nach neun Ausgaben war es notwendig, die Entwicklung der Biennale Gherdëina sichtbar zu machen – nicht nur dokumentarisch, sondern auch kritisch und erzählerisch. Sie zeigt, wie sich Themen, künstlerische Ansätze und gesellschaftliche Fragestellungen im Laufe der Jahre verändert haben.

Wenn Sie nun zurückblicken: Welche Entwicklung hat die BiennaleGherdëina seit der Gründung 2008 durchlaufen? Wie Sie erklärten war und ist es Ihnen ein Hauptanliegen, den Dialog zwischen ladinischen Traditionen und internationalen künstlerischen Positionen zu fördern. Ist die Formel aufgegangen?
Ghetta: Ich denke schon. Gerade dieser Dialog hat die Biennale Gherdëina besonders gemacht. Die lokale Dimension wurde nie folkloristisch verstanden, sondern als lebendiger kultureller Kontext. Viele internationale Künstlerinnen und Künstler haben hier Themen entdeckt, die weit über die Region hinaus relevant sind: Fragen von Identität, Sprache, Erinnerung, Tourismus, Landschaft oder ökologischer Veränderung. Dadurch ist ein Austausch entstanden, der beide Seiten bereichern konnte.

Und umgekehrt: Inwiefern hat sich die Biennale Gherdëina zu einer international anerkannten Plattform entwickelt, ohne ihre lokale Verankerung in Gröden zu verlieren?
Ghetta: Indem sie nie versucht hat, ihre Herkunft zu verleugnen. Die Biennale Gherdëina ist gerade deshalb international interessant geworden, weil sie von einem sehr spezifischen Ort ausgehend denkt und agiert. Die lokale Verankerung war nie ein Hindernis, sondern immer die eigentliche Stärke des Projekts.

Grundsätzlich: Welche gesellschaftliche Bedeutung schreiben Sie der Biennale und der Kunst im Allgemeinen zu?
Ghetta: Kunst kann keine einfachen Lösungen liefern, aber Räume für neue Perspektiven öffnen. Sie kann Fragen stellen, Komplexität sichtbar machen und gesellschaftliche Prozesse sensibel begleiten. Gerade heute halte ich Orte des kulturellen Austauschs und der kritischen Reflexion für wichtiger denn je.

Am Samstag wird die 10. Ausgabe eröffnet. Alles steht bereit. Sind Sie schon am überlegen wohin der Weg der Biennale in Zukunft führen soll?
Ghetta: Ich wünsche mir, dass die Biennale Gherdëina weiterhin ein Ort des Experimentierens bleibt – offen, mutig und unabhängig. Gleichzeitig soll sie ihre Beziehung zum Territorium weiter vertiefen und verstärkt internationale Netzwerke aufbauen. Die Herausforderung wird sein, weiterhin relevant zu bleiben, ohne die eigene Identität zu verlieren. Genau darin liegt aber auch die große Chance der Biennale Gherdëina. Eva Bernhard

Teilnehmende: Chanelle Adams (1992, US) – Andrius Arutiunian (1991, ARM/LT) – Jacopo Belloni (1992, IT) – Alice Bucknell (1993, UK/US) – Leonardo Bürgi Tenorio (1994, MX/CH) – Giulia Cenci (1988, IT) – Sandra Knecht (1968, CH) – Dorota Gaweda & Eglè Kul- bokaitè (1987, LT, 1986, PL) – Ju- dith Neunhäuserer (1990, IT) – Walter Niedermayr (1952, IT) – Masatoshi Noguchi (1988, JP/IT) – Gabriela Oberkofler (1975, IT) – Lydia Ourahmane (1992, DZ) – Gregor Prugger & Leonora Prugger (1954, IT, 1995, IT) – Ana Prvacki (1976, YU/RO) – Augustas Serapinas (1990, LT) – Bas Smets + Eliane Le Roux (1975, BE, 1983, FR) – Bosco Sodi (1970, MX) – Con- stantin Thun Kelly Tissot (1995, FR) – Álvaro Urbano (1983, ESP) – Yuyan Wang (1989, CN) – Evelyn Taocheng Wang (1981, CN) – Pedro Abu Wirz & Michael Marder (1981, BR/CH, 1980, CA/PT).Eine ausführliche Besprechung der Biennale Gherdëina folgt.

Mehr zum Event:

(Future) Paradise Gardens vereint 24 Projekte von 28 lokalen und internationalen Künstlerinnen und erstreckt sich über drei zentrale Ausstellungsorte: die Ortszentren von St. Ulrich und St. Christina sowie den Hof Pilat.

Eröffnung , 30. Mai: 10-11 Uhr: Begrüßung und institutionelle Präsentation vor der Sala Trenker, Stetteneckplatz, St. Ulrich

11-13 Uhr: Kuratorenführung durch die Ausstellungen in St. Ulrich (getrennte Gruppen in Englisch, Deutsch und Italienisch)

13-14Uhr: Kulinarische Intervention des Biennale-Künstlers Leonardo Bürgi Tenorio , Piazza S. Antonio, St. Ulrich

14.27Uhr und 14.57 Uhr: Transfer nach St. Christina(individuell oder mit öffentlichen Verkehrsmitteln – Bus Nr. 350 oder 360 ab Piazza S. Antonio)1

5-16 Uhr: Kuratorenführung durch die Ausstellung in St. Christina (getrennte Gruppen in Englisch, Deutsch und Italienisch), Dorfplatz, St. Christina

16-16.30 Uhr: Applied Honey Proverbs. A folkloric dip into proverbs from around the world. Where ecology meets language, and wisdom accumulates, Live-Performance der Biennale-Künstlerin Ana Prvacki , Dorfplatz, St. ChristinaWanderung nach Pilat

18-19.30 Uhr: Treffpunkt Talstation Seiser-Alm-Bahn (St. Ulrich) – Pilat kann nur zu Fuß oder via Shuttle erreicht werden. Eine Zufahrt mit privaten Fahrzeugen ist nicht möglich.

18 Uhr: Kuratorische Führung zu den Kunstwerken am Pilat (verschiedene Gruppen für Deutsch, Italienisch und Englisch). Die Wanderung führt über den Weg Nr. 15 und dauert etwa 45 Minuten bergauf (geeignetes Schuhwerk tragen).Für Personen, die den Aufstieg nicht bewältigen können, steht zwischen 18 und 18.30 Uhr ein Shuttle-Service zur Verfügung. Anmeldung erforderlich, Transfer buchen; biennalegherdeina.org

19.30- 21.30 Uhr: Fest, Open-Air-Abend mit Essen, Getränken, Musik DJ Davide Piras

.21.30-22.30 Uhr: Rückfahrt mit Shuttletransfer für alle von Pilat nach St. Ulrich, zur Talstation Seiser-Alm-Bahn, da nachts der Weg nicht beleuchtet ist. Termin: 31.5 bis 13.9. ]]> Kultur Fri, 29 May 2026 17:33:00 +0200 Fri, 29 May 2026 18:27:33 +0200 1 1310547 1 Doris Ghetta hat die Schau vor 20 Jahren gegründet. Großes Interesse für die ORF-Generaldirektion https://www.stol.it/artikel/kultur/grosses-interesse-fuer-die-orf-generaldirektion https://www.stol.it/artikel/kultur/grosses-interesse-fuer-die-orf-generaldirektion Lange hat es gedauert, bis sich mit ORF-Magazinchefin Lisa Totzauer Mitte Mai eine erste Bewerberin für die ORF-Generaldirektion aus der Deckung gewagt hat. Bis Bewerbungsschluss in der Nacht auf Freitag haben sich laut APA-Informationen Dutzende Personen für den Spitzenjob beworben. Öffentlich kundgetan hatten dies bereits erfahrene Medienmanager wie APA-CEO Clemens Pig, Ex-ProSiebenSat.1Puls4-Chef Markus Breitenecker und Johannes Larcher, der schon bei HBO MAX Manager war. redaktion@stol.it (apa)
Clemens Pig wird schon seit Wochen als heißester Anwärter auf den Topposten im öffentlich-rechtlichen Medienhaus gehandelt. Der 51-jährige gebürtige Tiroler steht seit 2016 an der Spitze der APA - Austria Presse Agentur, die er wirtschaftlich erfolgreich führte. Er gilt als Verbinder, der mit beinahe allen größeren Medien im Land regelmäßig zu tun hat, ist die APA doch eine Genossenschaft im Eigentum des ORF und vieler österreichischer Tageszeitungen. Pig tritt zudem als vehementer Befürworter von Kooperationen am heimischen Medienmarkt auf, um mit sauberen Informationen gegen die Big-Tech-Giganten und deren Plattformen zu bestehen. In den vergangenen Wochen wurde kolportiert, dass Pig die Unterstützung der Regierung bzw. ihr nahestehender Stiftungsräte hat. In einem Interview mit dem „Standard“ zeigte er sich am Donnerstag „bass erstaunt, in welcher Geschwindigkeit man schubladisiert wird“. Das sei ihm in 30 Berufsjahren noch nie passiert. „Mein ganzes Berufsleben ist von Unabhängigkeit geprägt, und das wird auch so bleiben“, sagte Pig und stellte klar: „Ich habe keine Zusage für die Funktion des ORF-Generals. Weder von der Kanzlerpartei, noch von anderen Regierungsparteien, noch von einer Oppositionspartei, auch nicht vom lieben Gott.“

Viel Erfahrung aus dem Privatfernsehsektor bringt Markus Breitenecker mit. Er baute Österreichs größte Privatsendergruppe ProSiebenSat.1Puls4 maßgeblich mit auf und lieferte sich lange Zeit hitzige Debatten mit dem damaligen ORF-Chef Alexander Wrabetz. Vor etlichen Jahren schwenkte er aber um und betonte fortan die „Power of Cooperation“. Er ging auch immer wieder Kooperationen mit dem ORF ein und startete die Streamingplattform Joyn als Sammelbecken Dutzender Sender - darunter auch ORF und ServusTV. Breitenecker betätigte sich bis vor rund einem halben Jahr beim deutschen Mutterkonzern von ProSiebenSat.1Puls4 als Chief Operating Officer (COO), wobei er u.a. für den Entertainmentbereich zuständig war. Nach einer Machtübernahme durch den italienischen Medienkonzern MFE ging der 57-jährige Wiener allerdings von Bord und dockte seitdem bei keinem neuen Unternehmen an.

Lisa Totzauer hat schon Erfahrung mit Bewerbungen für die ORF-Generaldirektion. Die Mittfünfzigerin ritterte bereits 2021 um den Chefsessel und kam damals auf fünf der 35 Stimmen im ORF-Stiftungsrat. Monate später wurde sie zur ORF-TV-Magazinchefin bestellt. Zuvor betätigte sie sich in ihrer 30-jährigen ORF-Karriere u.a. als Channelmanagerin von ORF 1. Sie will bei den Stiftungsräten mit einem „tiefen Verständnis“ vom ORF sowie Reformdrang punkten und positioniert sich als unabhängige Kandidatin.

Johannes Larcher war vor seiner Bewerbung hierzulande nur absoluten Kennern ein Begriff. International managte er aber bereits einige gewichtige Unternehmen. Darunter die Streamingplattform Hulu und den arabischsprachigen Streamer Shahid. Von Gerhard Zeiler, Österreichs erfolgreichsten Medienmanager im Ausland, wurde er 2020 zu Warner Media geholt. Dort kümmerte sich Larcher für zwei Jahre als Head of HBO MAX Global darum, dass der Streamingdienst in weitere Teile der Welt ausgerollt wurde. Aber auch den ORF hat Larcher schon kennengelernt - wenn auch vor rund 35 Jahren: Er arbeitete als Produzent an der Sendung „Kunst-Stücke“.

Kathrin Zierhut-Kunz ist wohl ebenso für ein Hearing gesetzt. Die ORF III-Co-Geschäftsführerin betätigt sich seit über 15 Jahren im öffentlich-rechtlichen Medienhaus, wobei sie primär mit Finanzen und Personal zu tun hatte - etwa als Leiterin der ORF-Abteilung für Personalentwicklung oder seit 2022 als Kaufmännische Leiterin von ORF III. Sie kenne die Herausforderungen des Hauses und wolle nun für einen „modernen, effizienten und glaubwürdigen“ ORF sorgen, hielt sie zu ihrer Bewerbung fest. Vor rund 30 Jahren betätigte sie sich für die FPÖ als Bezirksrätin in Wien.

Überschaubare Chancen bei der Wahl werden Eva Schütz eingeräumt. Die 52-Jährige ist Herausgeberin des umstrittenen Online-Boulevardmediums „Exxpress“, das u.a. immer wieder mit Attacken gegen den ORF auffällt. Schütz hat sich vor dem Start von „Exxpress“ im Jahr 2021 etwa als Leichtathletin, Rechtsanwältin und im Kabinett des ÖVP-geführten Finanzministeriums der ÖVP-FPÖ-Regierung unter Sebastian Kurz betätigt.

Wohl auch in einer klaren Außenseiterposition befindet sich Robert Altenburger, der frühere Chefredakteur von ServusTV, der seit zehn Jahren nach eigenen Angaben als freiberuflicher Konsulent für verschiedene Programmdirektionen der ARD tätig ist. Dazu bringt er ein Vierteljahrhundert ORF-Erfahrung (Leitung Programmentwicklung und Programmplaner) mit. Als Vorhaben nennt Altenburger u.a. den Ausbau von Programmen aus den Bundesländern, einen verstärkten Online-Fokus und neue non-lineare Programmangebote für Unter-30-Jährige.

Ebenfalls bekannt, aber wohl chancenlos ist Sonja Sagmeister. Die Journalistin wurde vor mehreren Jahren vom ORF gekündigt und ging daraufhin gegen das öffentlich-rechtliche Medienhaus vor. Im Vorjahr stellte das Oberlandesgericht Wien (OLG) fest, dass die Kündigung unrechtmäßig erfolgte. Öffentlich gemacht hat seine Bewerbung auch Ernst Primosch. Der Unternehmensberater aus Klagenfurt führt gegenwärtig die Geschäfte der BOC Gruppe. Ob er zu einem Hearing eingeladen wird, ist fraglich.

Definitiv keine Stimmen wird die gegenwärtige ORF-Generaldirektorin Ingrid Thurnher am 11. Juni bei der Wahl erhalten. Sie reichte keine Bewerbung ein und begründete das damit, so bis Jahresende mehr Freiheit zu haben, um mit Missständen im ORF aufzuräumen.]]> Kultur Fri, 29 May 2026 14:55:39 +0200 Fri, 29 May 2026 14:55:46 +0200 0 1310469 0 Dutzende Personen haben sich für die ORF-Generaldirektion beworben. © APA/THEMENBILD / HARALD SCHNEIDER HARALD SCHNEIDER Scala beginnt ihre neue Ära unter Myung-Whun Chung https://www.stol.it/artikel/kultur/scala-beginnt-ihre-neue-aera-unter-myung-whun-chung https://www.stol.it/artikel/kultur/scala-beginnt-ihre-neue-aera-unter-myung-whun-chung Mit dem südkoreanischen Dirigenten Myung-Whun Chung beginnt an der Mailänder Scala eine neue Ära. Der Dirigent, der bis 2030 Musikdirektor des Opernhauses sein wird und den Mailänder Riccardo Chailly ersetzt, eröffnet die kommende Saison mit Verdis „Otello“ in einer Inszenierung von Regisseur Damiano Michieletto. Die Oper steht erstmals seit 37 Jahren wieder auf dem Spielplan der Scala, berichtete Intendant Fortunato Ortombina am Freitag bei der Vorstellung der neuen Saison. redaktion@stol.it (apa)
Intendant Ortombina betonte, große Werke des Repertoires dürften nicht jahrzehntelang aus dem Programm verschwinden, nur weil geeignete Stimmen fehlten. Als Beispiel nannte er Vincenzo Bellinis Oper „I Puritani“, die nach 60 Jahren an die Scala zurückkehrt. Das Opernhaus müsse junge Sänger stärker fördern und neue Stimmen aufbauen.

Musikdirektor Chung erinnerte an seine seit 37 Jahren bestehende Verbindung mit dem Scala-Orchester. Mit Blick auf seine Ernennung sagte der 73-Jährige, er verfüge heute zwar über weniger Energie als zu Beginn seiner Karriere, dafür aber über mehr Erfahrung. Er wolle dem Theater und den Musikern vor allem seine Liebe zur Musik und seine Unterstützung geben. Zudem kündigte er an, Italienisch lernen und künftig auch die Stadt Mailand besser kennenlernen zu wollen.

Die Scala erhöht für die kommende Saison die Preise für einige der teuersten Eintrittskarten, kündigte der Mailänder Bürgermeister Giuseppe Sala an, der zugleich Präsident des Opernhauses ist. Betroffen sind unter anderem die Karten für die traditionelle Saisoneröffnung am 7. Dezember. Der Preis für einen Platz im Parkett steigt dort von 3200 auf 3500 Euro, während die Preise für die Galerie unverändert bleiben. Auch die teuersten Karten für Ballett- und Sinfoniekonzerte werden angehoben. Zudem führt die Scala bei Opernaufführungen eine neue Premium-Kategorie für besonders gefragte Plätze ein.

Sala verteidigte die Maßnahme mit dem Hinweis, dass das Opernhaus zugleich an vergünstigten Angeboten festhalte. Von insgesamt rund 450.000 verkauften Karten seien 180.000 zu ermäßigten Preisen abgegeben worden. Diese soziale Preispolitik solle weiter ausgebaut werden.]]> Kultur Fri, 29 May 2026 13:12:01 +0200 Fri, 29 May 2026 13:12:14 +0200 0 1310451 0 Mit Myung-Whun Chung beginnt eine neue Ära an der Scala. © APA/AFP / PIERRE VERDY PIERRE VERDY Andrea Götsch: Die 360 Grad Musikerin https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/andrea-goetsch-die-360-grad-musikerin https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/andrea-goetsch-die-360-grad-musikerin Andrea Götsch ist im Moment eine der herausragendsten und vielfältigsten Musikerinnen unseres Landes. Seit Herbst 2019 ist sie als Klarinettistin Mitglied im Orchester der Wiener Staatsoper und seit 2022 fix bei den Wiener Philharmonikern. Sie ist Solistin, Orchestermusikerin, Dirigentin und Komponistin. Am Wochenende dirigiert sie das Orchester der Musikfreunde bei drei Konzerten. redaktion@stol.it (splus)
von Ferruccio Delle Cave




Schon im Alter von acht Jahren hat sie ihren ersten Klarinettenunterricht erhalten und schloss 2013 ihr Bachelorstudium am Konservatorium „Claudio Monteverdi“ bei Roberto Gander ab. Meisterkurse an der Musik- und Kunst-Privatuniversität Wien und ein Magisterstudium an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien rundeten ihre frühe Karriere ab.

Andrea Götsch ist Preisträgerin verschiedener nationaler und internationaler Wettbewerbe, so der „Yamaha Music Foundation of Europe“, mit ersten Preisen beim „Rising Stars Grand Prix International Music Competition“ Berlin, beim „International Music Competition 'Salzburg' Grand Prize Virtuoso“ und beim „Concorso Giovani talenti per la musica“. Bereits früh sammelte sie Orchestererfahrungen im „European Union Youth Orchestra“ EUYO sowie als Akademistin bei den Wiener Philharmonikern mit Bühnenmusikverträgen bei den Salzburger Festspielen und als Orchesterakademistin der Nürnberger Symphoniker. Namhafte Dirigenten haben ihren Weg als Orchestermusikerin und Solistin begleitet, etwa Christian Thielemann, Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Andris Neslons, Daniel Harding und Victor Petrenko.

Seit Jahren schon tritt sie auch als Dirigentin auf, so mit der „Ehrphilharmonie Wien“, dem „Wiener Mozartorchester“ und dem Frauenorchester „La Philharmonica“, das sie 2024 mitbegründet hat.

Mit dem „Orchester der Musikfreunde“ verbindet sie eine jahrelange intensive Zusammenarbeit, die nächstens von Algund aus nach Kaltern und St.Ulrich führen wird. Unter ihrer Stabführung werden Georges Bizets erste „Arlesienne-Suite“, Joseph Leopold Eyblers Klarinettenkonzert in B-Dur, HV 160, Samuel Barbers berühmtes „Adagio for Strings“ Op. 11 und Schuberts Dritte in D-Dur erklingen.




In den drei kommenden Konzerten der Musikfreunde wechseln Sie zwischen Ihrem Soloinstrument, der Klarinette, zum Dirigentinnenstab. Sie haben bereits eine beachtliche Erfahrung als Dirigentin gemacht. Wie fühlt sich das an, wenn man von den Orchesterreihen ans Pult wechselt?
Andrea Götsch: Im Herbst 2023 habe ich zum allerersten Mal ein Konzert dirigiert, das war beim Jubiläumskonzert des Orchesters der Musikfreunde. Vorher habe ich zwei Masterclasses zum Dirigieren besucht. Diese Erfahrung hat mir viel positive Energie und Freude gegeben. Deshalb habe ich beschlossen, dem Dirigieren mehr Zeit zu widmen. In den letzten zwei Jahren ist es mir gelungen, eine ganze Reihe von Konzerten zu dirigieren, hauptsächlich in Wien, aber auch in Deutschland und in Südkorea, wo ich das „Daegu Symphony Orchestra“ in einer Operngala und mit Beethovens „Siebter“ geleitet habe. Auch in Zukunft möchte ich dem Dirigieren mehr Platz einräumen. Dabei finde ich den Perspektivenwechsel total interessant, ich habe auch perspektivisch viel dazugelernt. Früher konnte ich gar nicht abschätzen, was eine Dirigentin alles zu leisten hat. Jetzt kann ich es genau nachvollziehen und genieße es, vor dem Orchester zu stehen und Inputs zu geben, die Musiker zu motivieren und Musik zu gestalten. Diese verschiedenen Rollen mag ich sehr, weil ich auch die zu spielenden Werke aus zwei verschiedenen Perspektiven erfahren darf. Und so entsteht für mich ein ganzheitlicher Aspekt von Musikinterpretation. Zu dieser Erfahrung gehören eben auch die Auftritte als Solistin und in kammermusikalischen Formationen.


Neben Musik von Schubert, Bizet und Samuel Barber werden Sie auch auf Ihrem Instrument ein Konzert des Mozart-Zeitgenossen Joseph Leopold Eybler im Konzert der Musikfreunde in Szene setzen. Eyblers Musik ist heute nahezu unbekannt. Wie kamen Sie auf diesen vergessenen Komponisten und auf sein Klarinettenkonzert?
Götsch: Bis vor zwei Jahren kannte ich Eyblers Werke überhaupt nicht. Ich wurde darauf angesprochen, ob ich nicht Lust hätte, dieses Konzert einzustudieren und zu spielen, und zwar mit dem ungarischen „Györ Philharmonic Orchestra“. Ich fand das Konzert total cool, weil es vor allem im letzten Satz etwas Tänzerisches in sich hat. Aber auch der zweite, langsame Satz ist sehr schön. Der erste ist sehr virtuos, ein Werk, das zu Unrecht kaum bekannt ist! Und so habe ich Eyblers Konzert auch den Musikfreunden vorgeschlagen, als Pendant zu Mozarts großartigem Klarinettenkonzert, das so viel gespielt wird und das ich selbstverständlich sehr liebe. Eybler war ja ein Mozartschüler und eng mit dem Musiker verbunden. Eigentlich hat Konstanze Mozart Eybler gebeten, Mozarts Requiem fertig zu schreiben. Er hat dann diese Aufgabe Süßmeier übergeben, weil er zu großen Respekt vor Mozart gehabt hat. Es fällt mir bei Eyblers Konzert auf, dass es sehr klassisch klingt, aber auch volksmusikalische Passagen beinhaltet, etwa Lockeres, Lustiges und Tänzerisches. Auch verwendet Eybler im Orchester Klarinetten, was für ein Klarinettenkonzert absolut unüblich war und ist. Und dann im Dezember werde ich Mozarts Klarinettenkonzert mit dem Haydn Orchester unter der Leitung von Ingo Metzmacher spielen.




Sie halten den Damen und Herren des Orchesters der Musikfreunde die Treue, obwohl Sie als feste Musikerin der Wiener Philharmoniker und Mitglied mehrerer Ensembles seit Jahren nunmehr ein übergroßes Pensum absolvieren. Was schätzen Sie an diesem Orchester?
Götsch: Ich kenne das Orchester selbst ja nicht so gut, aber meine allerersten Erfahrungen als Musikhörerin verdanke ich diesem Orchester. Meine Mutter war da noch als Geigerin dabei. Als kleines Mädchen war ich vom Streicherklang total begeistert. Dann habe ich das Orchester als Solistin kennen gelernt, als ich am Anfang meines Studiums stand und fand es sehr schön, mit den Musikerinnen und Musikern auftreten zu dürfen. Ich habe immer die freundliche Art und den respektvollen Umgang miteinander geschätzt. Ich bin auch wahnsinnig dankbar, dass ich das Orchester, neben seinem festen Dirigenten, Michael Hillebrand, leiten durfte. Schön fand ich, wie motiviert die Orchestermusiker ans Werk gehen. Sie bemühen sich sehr, schöne und bedeutende Konzerte zu verwirklichen. Das klassische Repertoire um Mozart, Haydn, Schubert und Beethoven liegt diesem Orchester, ist aber keinesfalls einfach, man muss da schon viel arbeiten und sich total auf diese Musik konzentrieren. Wir spannen ja in den kommenden Konzerten den musikalischen Bogen sehr weit, klassisch mit Eybler und Schubert, das 20. Jahrhundert mit Barber.


Und was werden die nächsten Etappen als Solistin und Orchestermitglied sein?
Götsch: Es steht noch Einiges als Dirigentin an, mit vielen schönen Konzerten vor allem in Deutschland. Außerdem sind wir sieben Frauen aus den Wiener Philharmonikern mit „La Philharmonica“ im Herbst auf Korea-Tournee. Und den Wienern werde ich in Luzern beim Festival und bei den Salzburger Festspielen dabei sein.


Termine:
29. Mai, 20.30 Uhr, Thalguterhaus Algund
30. Mai, 20.30 Uhr, Pfarrkirche Kaltern
31. Mai, 10 Uhr, Matinee in St. Ulrich in Gröden.

Das Orchester der Musikfreunde


Es ist das einzige Laienorchester Südtirols aus Algund mit regelmäßiger Probentätigkeit und mindestens zwei Konzertauftritte jährlich. Es umfasst ca. 50 Mitglieder aus allen Teilen der westlichen Landeshälfte und besteht etwas mehr als seit 60 Jahren. Musikschulabgänger (Streicher), begabte Bläser, und Absolventen des Konservatoriums sind im Orchester ebenso eingebunden wie verschiedenen Chöre. Vordergründig werden vernachlässigte Werke aus Barock und Klassik aufgeführt aber auch modernere Kompositionen und Werke der Romantik. Ein besonderer Schwerpunkt liegt zudem auf Werken mit Tirolbezug bzw. die Aufführung von Werken Tiroler Komponisten. Wichtig ist auch die Förderung junger Gesangs-, und Instrumentalsolisten. ]]> Kultur Thu, 28 May 2026 09:28:33 +0200 Thu, 28 May 2026 09:29:05 +0200 1 1310064 1 Wichtige erste Erfahrungen als junge Instrumentalsolistin hat Andrea Götsch bei Auftritten mit dem Orchester der Musikfreunde gesammelt. © privat privat Trento Film Festival: Die Bergwelt als Denkraum https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/die-bergwelt-als-denkraum https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/die-bergwelt-als-denkraum Unsere Berge und unsere Landschaft sind uns anvertraut worden. Diese Leihgabe zu schützen, bewahren und respektvoll zu behandeln sei unser aller Pflicht. Dafür stehen die Veranstalter des Trento Film Festivals als weltweit ältestes Bergfilmfestival seiner Art von Beginn an. 1952 vom Italienischen Alpenverein (CAI) sowie der Stadt Trient ins Leben gerufen findet es alljährlich im Frühjahr statt, und seit 1998 auch in der Bozen. redaktion@stol.it (eva)


Vom 8. bis 12. Juni verlagert sich das Geschehen erstmals in den Berloffa-Park Mitten in Bozen, ein urbaner öffentlicher Resonanzraum für Gesprächsrunden und Buchvorstellungen etwa.




Was der Präsident des Trento Film Festivals, Mauro Leveghi, als „verbindende Pfade“ beschreibt, wird dabei zum leitmotivischen Bild: Zwischen dem Trentino und Südtirol, zwei kulturell eng verwobenen Regionen, spannt sich ein narratives Netz aus Film, Literatur und Diskussion. Die Bergwelt fungiert darin weniger als Postkartenidylle denn als Projektionsfläche für Fragen der Gegenwart – von Klimawandel über Nachhaltigkeit bis hin zu sozialen und geschlechtsspezifischen Dynamiken im Alpinismus. Der Rekurs auf Franco de Battaglia verleiht dieser Perspektive philosophische Schärfe: Die Berge als radikale Alternative, als Gegenentwurf zur urbanen Zivilisation.

Dass das Festival dabei auch ökonomische und politische Dimensionen streift, überrascht kaum. In den Grußworten von Handelskammerpräsident Michl Ebner und Landesrat Marco Galateo wird die alpine Kultur zur Chiffre für nachhaltige Entwicklung und europäische Zusammenarbeit. Zwischen Kino, Umweltdebatte und regionaler Identität entsteht so ein Dreieck, das dem Festival eine deutlich programmatische Ausrichtung verleiht.

Auch die Ausgabe 2026 bleibt zweigeteilt. Während der Juni ganz im Zeichen von Literatur, Diskurs und Vermittlung steht, folgt der filmische Schwerpunkt erst im Oktober (19. bis 23.). Diese zeitliche Streckung schafft Luft für Vertiefung – und lässt den ersten Teil beinahe wie einen Prolog erscheinen, ein intellektuelles Einwärmen, bevor die Leinwand im Herbst die großen Bilder übernimmt.




Im Mittelpunkt dieses Prologs steht „MontagnaLibri“, die literarische Seele des Festivals. Hier treffen prominente Stimmen wie Tamara Lunger, die von ihren existenziellen Erfahrungen zwischen Mongolei und Hochgebirge erzählt, auf Enrico Brizzi, der das Gehen als kulturelle Praxis reflektiert, und Wafaa Amer, deren Biografie Fragen von Identität und Emanzipation in die alpine Erzählung einschreibt. Die Berge erscheinen dabei als unterschiedlich lesbare Texte: als Abenteuerraum, als spirituelle Herausforderung, als Ort der Selbstverortung.


„Parallel dazu setzt 'T4Future' deutliche Akzente in der kulturellen Bildung“, erklärte gestern die Direktorin des Trento Film Festivals, Luana Bisesti. Kinder und Jugendliche werden nicht nur als Publikum gedacht, sondern als Mitgestaltende einer zukünftigen Beziehung zur Natur. Workshops, Filmvorführungen und spielerische Formate im Grünen transformieren den Berloffa-Park in ein temporäres Labor für Umweltbewusstsein – niedrigschwellig, aber nicht banal.



Diskussionen über die Zukunft des Alpinismus, insbesondere aus weiblicher Perspektive, stehen neben offenen Formaten wie der „Drin Jam Session“, die Improvisation und künstlerische Freiheit feiert. Es ist diese Mischung aus Diskurs und Festivalstimmung, aus Reflexion und unmittelbarer Erfahrung, die der Veranstaltung ihren besonderen Ton verleiht.

Bemerkenswert ist schließlich die konsequente Verzahnung von Stadt und Natur: Ob beim Story Climbing mit Jacopo Larcher in den Tisner Auen, bei Fotoausstellungen oder Kinderprogrammen – das Festival verlässt immer wieder den symbolischen Raum der Berge, um ihn konkret erfahrbar zu machen. Die alpine Kultur wird hier nicht ausgestellt, sondern performativ gelebt.

So erscheint die Bozner Ausgabe des Trento Film Festivals als vielschichtige kulturelle Intervention: ein Versuch, den alten Mythos der Berge neu zu erzählen – als Ort der Begegnung, der Differenz und der gemeinsamen Zukunft.

Das Programm


ERÖFFNUNG

8.6., 17 Uhr: MontagnaLibri und T4Future im Alcide-Berloffa-Park in Bozen

18 Uhr:„Junge (Frauen) und Berge. Die Zukunft des Alpinismus zwischen Gemeinschaft und Leistung“ – Erfahrungsaustausch zwischen jungen Bergsteigerinnen und Bergsteigern des AVS, CAI, SAT, SOSAT.

19.30 Uhr: Drin Jam Session Open Air


AUSSTELLUNGEN

Die Schau „MontagnaLibri“ von Bergliteratur ist vom 9. bis 12. Juni von 10 bis 20 Uhr zugänglich. Die Kinderbuchsektion ist dienstags, mittwochs und freitags von 9-12 und 16-19 Uhr und donnerstags von 16-19 Uhr in der Bibliothek Terraferma am Don Bosco-Platz 21 zu finden.
„Lam Thuk Khamzang“, Fotografien von Stefan Plank über seine Bergsteigerexpedition im Rangtik-Tal in Indien sind ebenfalls vom 8.-12.6. im Berloffa-Park (kuratiert vom AVS) zu sehen.

PROGRAMMPUNKTE

9.6.: T4Future-Programm für Kinder am Vormittag mit Filmvorführungen im Filmclub und am Nachmittag mit Naturexperten im Berloffa-Park.

18 Uhr: Tamara Lunger stellt ihr Buch vor „Im Atem der Steppe. Mit meinem Kamel Tùje zu Fuß durch die Mongolei“ vor.

10.6.: T4Future-Programm für Kinder am Vormittag und Nachmittag




18 Uhr:Enrico Brizzi liest aus seinem Buch „Lezioni di cammino. Erzählungen im Lagerfeuer“ im Berloffa-Park.

19.30 Uhr: Der Chor Rosalpina ist zu hören mit „80 Jahre Emotionen“ im Berloffa-Park.

11.6.: T4Future-Programm für Kinder am Vormittag und Nachmittag




18 Uhr: Die ägyptische Klettererin Wafaa Amer stellt ihr Buch „Io sono Wafaa“ im Berloffa-Park vor.

20 Uhr: Im Costellazione Teater (Claudia-Augustastr.11) wird der Film „The North“ von Bart Schrijver (NL) gezeigt.

12.6.:Ab 14 Uhr gibt es ein Story Climbing mit Jacopo Larcher im Klettergarten Tisner Auen.

16.30: T4Future-Programm für Kinder im Berloffa-Park.

18 Uhr: Sylvia Rier stellt ihr Buch „Keep off the Grass – Ein Knigge für die Berge“ vor.

19.30 Uhr: Beat Coin Dj Set – Elektroklänge aus den Alpen.

Die Initiativen des Festivals werden im Juni im Kulturzentrum Meran und in der Mediathek OTTO in Terlan fortgesetzt sowie mit der Initiative „Kino im Freien“ im Kulturzentrum Via Vintola 18 in Bozen. ]]> Kultur Wed, 27 May 2026 19:20:21 +0200 Wed, 27 May 2026 19:21:06 +0200 1 1309851 1 Im Film „The North“ begeben sich Chris und Lluis auf eine 600 Kilometer lange Wanderung durch die schottischen Highlights... © veranstalter veranstalter 125 junge Südtiroler bei „prima la musica“ https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/125-suedtiroler-teilnehmende-bei-prima-la-musica https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/125-suedtiroler-teilnehmende-bei-prima-la-musica Der Bundeswettbewerb „prima la musica“ 2026 wurde am 22. Mai im Kultur Kongress Zentrum Eisenstadt feierlich eröffnet, und bis zum 6. Juni stellen sich insgesamt 1143 Teilnehmerinnen und Teilnehmer aus Österreich, Südtirol und Liechtenstein im Alter zwischen 10 und 21 Jahren dem Wettbewerb. Mit dabei sind 125 ausgewählte Südtiroler Musikschülerinnen und Musikschüler. redaktion@stol.it (lpa)
Auch Bildungsdirektor Gustav Tschenett zeigte sich beeindruckt vom Eröffnungskonzert und dem Auftakt des Bundesswettbewerbes: Es sei, betont er, „immer wieder erstaunlich, wie junge Menschen, wenn sie ihre 'Berufung' finden, über sich hinauswachsen.“

Die 125 Wettbewerbsteilnehmenden aus Südtirol, die sich beim Gesamttiroler Landeswettbewerb „prima la musica“ im März dieses Jahres dafür qualifiziert haben, gehen beim Bundeswettbewerb in verschiedenen Wertungskategorien ins Rennen und werden von fachkundigen und renommierten Jurys bewertet.

11 Teilnehmende in den Plus-Kategorien: Gesang, Klavier, Orgel, Violine, Violoncello und Zither;

19 Teilnehmende in den Solo-Wertungen Akkordeon, Gesang, Gitarre, Hackbrett, Harfe, Klavier, Orgel, Violine, Violoncello und Zither;

95 Teilnehmende in den Kammermusik-Wertungen: Ensemble Musik kreativ, Kammermusik für Blechblasinstrumente, Kammermusik für Blockflöten, Kammermusik für Holzblasinstrumente, Kammermusik für Schlagwerk.

Die Ausbildungsinstitutionen der Südtiroler Musizierenden sind: die Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule, das Konservatorium „Claudio Monteverdi“ Bozen, das Tiroler Landeskonservatorium, das Klassische, Sprachen- und Kunstgymnasium mit Landesschwerpunkt Musik „Walther von der Vogelweide“ Bozen, die Dommusikschule Bozen, das Sozialwissenschaftliches Gymnasium „Josef Gasser“ Brixen.

Der Live-Stream zum Bundeswettbewerb sowie weitere Informationen und auch die Ergebnisse aller Wertungskategorien finden Sie hier.]]> Kultur Wed, 27 May 2026 12:10:19 +0200 Wed, 27 May 2026 13:28:58 +0200 1 1309860 0 Erste Ergebnisse des Bundewettbewerbes, der noch bis zum 6. Juni dauert: Bundessiegerin Akkordeon 1 Maria Huber von der Musikschule Bozen, Wertungskategorie: Akkordeon Solo, Altersgruppe 1, 1. Preis Gold, Lehrperson Kathrin Thorack. © LPA/Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule/Karin Küstner LPA/Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule/Karin Küstner Saxofon-Koloss Sonny Rollins ist tot https://www.stol.it/artikel/kultur/saxofon-koloss-sonny-rollins-ist-tot https://www.stol.it/artikel/kultur/saxofon-koloss-sonny-rollins-ist-tot Der legendäre Saxofonist und Jazz-Komponist Sonny Rollins ist tot. Rollins starb im Alter von 95 Jahren in seinem Zuhause in Woodstock im US-Staat New York, wie es in einem Post auf seiner offiziellen Facebook-Seite heißt. Eine Todesursache wurde zunächst nicht bekanntgegeben. Von seinen Aufnahmen gehören unter anderem „Oleo“, „Doxy“ und „St. Thomas“ zum Jazzstandard. redaktion@stol.it (apa)
Lange war der Improvisationskünstler durch die Konzerthallen der Welt gezogen und hatte täglich stundenlang an seinem Instrument geübt. Dann zwangen ihn Atemwegserkrankungen in den Ruhestand. Eine „traumatische Erfahrung“, die der sehr spirituell geprägte Rollins aber irgendwann akzeptierte. „Ich habe realisiert, dass ich lieber dankbar sein sollte dafür, dass ich mein ganzes Leben lang Musik machen konnte, als mich zu beschweren und zu weinen.“

Schon nach dem Tod seiner Ehefrau Lucille Pearson 2004 nach rund 45 gemeinsamen Ehejahren hatte Rollins angefangen, sich aus der Öffentlichkeit zurückzuziehen. Er spendete sein Archiv dem New Yorker Schomburg Center, lebte alleine nördlich der Metropole und widmete sich hauptsächlich seiner Spiritualität. „“Glücklich„ ist nicht das richtige Wort“, sagte Rollins in dieser Zeit einmal der „New York Times“. „Aber ich bin so zufrieden wie nie zuvor.“

Frühe musikalische Laufbahn

Geboren wurde der Sohn karibischer Eltern 1930 im New Yorker Stadtteil Harlem. Seine Laufbahn begann er mit elf Jahren am Klavier. Inspiriert von Coleman Hawkins entschied er sich als 16-Jähriger dann für das Instrument, auf dem er zum Meister wurde. „Als meine Mutter mir ein Saxofon gab, das war damals die Great Depression“, erinnerte sich Rollins gegenüber dem Radiosender NPR. „Es hat eine Weile gedauert, bis ich sie überzeugen konnte, dass ich wirklich spielen will. Sie hat dann ein gebrauchtes Saxofon von meinem Onkel bekommen. Ich hatte dieses Instrument - ging in mein Zimmer, habe die Tür zugemacht und war im Himmel.“

Thelonious Monk wurde sein Freund und Mentor. Miles Davis, den Rollins in seinen Anfangsjahren in verschiedenen Gruppen begleitete, nannte ihn später „den größten Tenorsaxofonisten aller Zeiten“. In Chicago schloss sich Rollins dem Quintett des Schlagzeugers Max Roach und Trompeters Clifford Brown an. Nach Browns Tod 1956 begründete er seine Solokarriere, spielte seitdem immer wieder mit anderen Begleitern und komponierte. Von seinen Aufnahmen gehören unter anderem „Oleo“, „Doxy“ und „St. Thomas“ zum Jazzstandard. Rollins' Ton ist unverwechselbar - voll, robust, rau, zugleich aber subtil und nuanciert.

Dabei waren die Anfänge alles andere als einfach. Drogensucht, ein Raubüberfall, für den er zehn Monate hinter Gittern saß, und dann wegen eines Verstoßes gegen die Bewährungsauflagen erneut ins Gefängnis kam. Danach ging Rollins auf Heroinentzug - und legte schließlich ein erfolgreiches Comeback hin. In dieser Zeit spielte er oft auf der Williamsburg Bridge über New Yorks East River gegen den Verkehrslärm an. Seine Comeback-Platte hieß entsprechend „The Bridge“. Inzwischen gibt es sogar Bestrebungen von Fans, die Brücke nach ihm zu benennen - was Rollins selbst für ein wenig übertrieben hielt. „Ich habe doch nur nach einem Platz zum Üben gesucht. Ganz einfach. Punkt. Ende der Geschichte.“

Die Musik aber ließ Rollins bis zum Schluss nie los - und der Perfektionist war nicht mit sich zufrieden. „Ich habe mein Leben der Musik gewidmet - und ich habe sie nie dahin bekommen, wo ich sie haben wollte.“]]> Kultur Tue, 26 May 2026 16:42:28 +0200 Tue, 26 May 2026 16:43:05 +0200 0 1309644 0 Rollins bei einem Auftritt 1989. © APA/AFP / GABRIEL BOUYS GABRIEL BOUYS Stadträtin Bettina Kerer: „Kultur ist kein Luxus und lebt von der Vielfalt“ https://www.stol.it/artikel/kultur/stadtraetin-bettina-kerer-kultur-ist-kein-luxus-und-lebt-von-der-vielfalt https://www.stol.it/artikel/kultur/stadtraetin-bettina-kerer-kultur-ist-kein-luxus-und-lebt-von-der-vielfalt Zwischen Tradition und Aufbruch: Stadträtin Bettina Kerer spricht im Interview über die Bedeutung von Kultur, Ehrenamt und Vereinen für Brixen. Warum kulturelle Vielfalt die Stadt stärkt, welche Projekte geplant sind und weshalb Kultur kein Luxus ist. redaktion@stol.it (jp)
Stadträtin Bettina Kerer sprüht förmlich, wenn sie über Kultur und über „ihre“ Vereine spricht: „Kultur ist kein Luxus – ganz im Gegenteil“, sagt Kerer, die seit 2015 im Gemeinderat sitzt. Seit 2020 ist sie Brixner Stadträtin, seit 2024 als solche auch für die Bereiche Ehrenamt und deutsche Kultur verantwortlich.

Sie sprechen mit Begeisterung über Kultur und Vereine. Was bedeutet Kultur für Brixen?
Bettina Kerer: Kultur ist für Brixen kein Luxus, sondern zentraler Bestandteil des gesellschaftlichen Lebens. Für die älteste Stadt Tirols gehört Kulturarbeit seit jeher zur DNA. Die Vereine mit ihren Ehrenamtlichen sind enorm wichtig. Das zeigt sich nicht nur in der finanziellen Unterstützung von Seiten der Gemeinde, sondern auch im regelmäßigen Austausch mit den Vereinsverantwortlichen. Diese Treffen werden sehr geschätzt.

Brixen gilt als traditionsreiche Bischofsstadt. Wie gelingt der Spagat zwischen Tradition und moderner Kultur?
Kerer: Brixen ist historisch stark von seiner klerikalen Geschichte geprägt. Gleichzeitig wollen wir auch den Mut haben, Neues zuzulassen. Als offene Stadt möchten wir eine Kulturarbeit betreiben, die auch experimentierfreudig ist. Natürlich kann nicht jeder mit allen Formaten etwas anfangen, aber genau diese Vielfalt braucht es.

Die Ausgaben für Kultur sind gestiegen. Steigen die Kosten oder die Nachfrage?
Kerer: Beides würde ich sagen – der generelle Kostenanstieg spielt sicher eine Rolle, aber die Vereine sind auch sehr aktiv. Zudem haben wir zwei, drei neue Vereine dazubekommen. Aber der Fokus wurde nochmals verstärkt: Vor zehn Jahren lagen die Jahresbeiträge für Kulturvereine bei rund 196.000 Euro, heuer sind es 302.000 Euro. Wer Kultur fördert, stärkt auch das soziale Leben. Dieser Aspekt muss immer mitgedacht werden. Kultur ist ein Bindeglied.

Brixen hat sich als Kulturstadt einen Namen gemacht. Worin sehen Sie die Gründe dafür?
Kerer: Ja, mit Stolz dürfen wir sagen, dass Brixen bei Kulturschaffenden beliebt ist. Das hat viel mit Netzwerkarbeit im Hintergrund zu tun. Wichtig ist für uns vor allem die Vernetzung mit der Stadt und ihren Menschen. Wir wollen dem Kulturbetrieb nichts überstülpen, sondern etwas entwickeln, was zu Brixen passt.

Welche kulturellen Einrichtungen und Veranstaltungen prägen Kultur in Brixen besonders?
Kerer: Es gibt viele Träger und Initiativen, die das kulturelle Leben enorm bereichern – etwa Musik und Kirche, das Südtiroler Kulturinstitut oder das Teatro Stabile. Mit dem Astra bietet Brixen zudem eine Plattform für junge Kultur, außerdem bietet der Tschumpus für die Brixner ein tolles Programm. Gleichzeitig zeigt sich die Kraft der Kultur aber auch bei einem Chorkonzert, bei den vielen Veranstaltungen in der Stadtbibliothek, bei einer Theateraufführung in Afers oder beim Altstadtfest.

Welche Rolle spielt Nachwuchsförderung?
Kerer: Ein Anliegen ist uns die gute Zusammenarbeit mit der Musikschule Brixen. Mit rund 1.300 Schülern leistet sie eine ausgezeichnete Jugendförderung und trägt wesentlich dazu bei, junge Menschen für Musik und Kultur zu begeistern.

Was fehlt in Brixens Kulturlandschaft?
Kerer: Eine Freilichtbühne für große Konzerte etwa. Hierfür könnte künftig ein neuer Stadtpark am Priel eine Alternative sein. Der Domplatz ist nicht geeignet für größere Konzerte; er strahlt an und für sich und soll kein Eventpark – wohl aber ein Treffpunkt – sein. Wir haben sehr viele Anfragen für Veranstaltungen am Domplatz. Hier gilt es jedes Mal abzuwägen, schließlich wollen auch die Leute ins Herz der Stadt einladen. Diesen Spagat zu schaffen, ist nicht immer einfach.

Über welche kulturellen Veranstaltungen dürfen sich heuer noch Kulturbegeisterte freuen?
Kerer: Da steht jede Menge auf dem Programm. Etwa ein Konzert der Bürgerkapelle in der Hofburg mit der „Banda Musicale dell'Aeronautica Militare“ Ende Juli, ein Konzert der Regensburger Domspatzen im Dom, ein Konzert der Bürgerkapelle Brixen mit dem Indie-Pop-Duo Anger oder der Tschumpus Kultursommer.

Stichwort Stadtgalerie: Wie soll sie sich weiterentwickeln?
Kerer: Die Stadtgalerie mit ihrer zeitgenössischen Kunst wird aktuell im Auftrag der Gemeinde vom Südtiroler Künstlerbund betrieben, der Auftrag wird jährlich neu vergeben. Aktuell sind wir dabei, über die weitere Zukunft der Galerie im Stadtrat zu beraten. Klar ist: Die zeitgenössische Ausrichtung wird bestehen bleiben. Kunst kann gefallen oder auch nicht. Unser Auftrag als Gemeinde ist es, auch eine andere – zeitgenössische Sicht der Kultur – zu fördern. Wir erhoffen uns da auch eine gewisse Offenheit von Seiten der Einheimischen – wenn man sich einlässt, kommt viel zurück.

Wie sieht es mit der finanziellen Förderung aus?

Im Vereinsverzeichnis der Gemeinde Brixen sind 71 Vereine eingetragen, die im kulturellen Bereich tätig sind. Dazu zählen unter anderem sechs Bildungsausschüsse, zahlreiche Chöre und Theatervereine, sechs Musikkapellen, verschiedene Musikvereine, Vereinigungen zur Traditionspflege sowie Museumsvereine. Der Stadtrat der Gemeinde Brixen hat eine Reihe von Jahresbeiträgen für kulturelle Tätigkeiten und Projekte genehmigt. Für die Kulturarbeit stellt die Gemeinde im Jahr 2026 insgesamt 530.000 Euro zur Verfügung. Anfang Mai bewilligte der Stadtrat 263.200 Euro für die kulturelle Jahrestätigkeit der Vereine. Darüber hinaus gewährt die Gemeinde Geld für Kulturprojekte im laufenden Jahr. Dafür sind bisher 82.500 Euro vorgesehen. Weitere projektbezogene Beiträge sollen folgen. Für 2026 sind für ausgewiesene Kulturvorhaben in der Gemeinde 269.000 Euro vorgesehen. ]]> Kultur Mon, 25 May 2026 10:58:49 +0200 Mon, 25 May 2026 10:59:05 +0200 1 1308927 1 Stadträtin Bettina Kerer: „Wir wollen dem Kulturbetrieb nichts überstülpen, sondern etwas entwickeln, was zu Brixen passt.“ jp © jp jp Friaul-Julisch Venetien startet deutsch-italienische Schulklassen https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/friaul-julisch-venetien-startet-deutsch-italienische-schulklassen https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/friaul-julisch-venetien-startet-deutsch-italienische-schulklassen In der Region Friaul-Julisch Venetien startet ab September ein Modellversuch mit bilingualen Schulklassen in Italienisch und Deutsch. Geplant ist eine Testphase in den Gemeinden Paluzza, Sappada und Sauris. Das Projekt beginnt zunächst in Kindergärten und Grundschulen und soll später auch auf die höheren Klassen ausgeweitet werden, teilte die Bildungsbeauftragte der Region, Alessia Rosolen, mit. redaktion@stol.it (apa) Zusammenarbeit mit Schulaufsicht in Bozen und mit Bildungsdirektion der SteiermarkNach Angaben der Regionalregierung soll langfristig Lehrpersonal für den deutschsprachigen Unterricht ausgebildet werden. Dazu arbeitet die Region bereits mit den Universitäten Udine und Triest an speziellen Ausbildungsprogrammen für angehende Lehrerinnen und Lehrer zusammen.

Für den Start des Projekts im kommenden Schuljahr kooperiert die Region zudem mit der Schulaufsicht in Bozen sowie mit der Bildungsdirektion der Steiermark. Geplant ist der Einsatz deutschsprachiger Hochschulabsolventen und Lehramtsstudierender, die den Unterricht gemeinsam mit den regulären Lehrkräften gestalten sollen. Außerdem ist ein Treffen mit der Pädagogischen Hochschule in Klagenfurt vorgesehen, die Interesse an dem Projekt signalisiert habe, schloss Rosolen.]]> Kultur Sun, 24 May 2026 09:17:27 +0200 Sun, 24 May 2026 09:17:36 +0200 0 1309206 0 Zunächst soll das Projekt in Kindergärten und Grundschulen umgesetzt werden. © dpa-tmn / Mascha Brichta Mascha Brichta Goldene Palme für Fjord von Regisseur Cristian Mungiu https://www.stol.it/artikel/kultur/goldene-palme-fuer-fjord-von-regisseur-cristian-mungiu https://www.stol.it/artikel/kultur/goldene-palme-fuer-fjord-von-regisseur-cristian-mungiu Die Goldene Palme der Filmfestspiele Cannes geht heuer an den rumänischen Regisseur Cristian Mungiu für seinen Film „Fjord“. Das gab die Jury am Samstagabend bekannt. Der Film setzte sich gegen 21 andere Wettbewerbsfilme durch. Für Mungiu ist es bereits die zweite Goldene Palme. 2007 hatte sein Film „4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage“ die Auszeichnung erhalten. Keine Ehrungen gab es indes für den österreichischen Wettbewerbsbeitrag „Gentle Monster“ von Marie Kreutzer. redaktion@stol.it (apa)
Der Große Preis der Jury, die zweitwichtigste Auszeichnung des Festivals, ging an den russischen Regisseur Andrej Swjaginzew für seinen gesellschaftskritischen Thriller „Minotaur“. Der Film erzählt von einem russischen Geschäftsmann, der in seiner Firma vor große Herausforderungen gestellt wird und eine Affäre seiner Frau aufdeckt. Swjaginzew verwebt die Geschichte mit der Allgegenwärtigkeit des russischen Angriffskriegs gegen die Ukraine.

Den Preis für die beste Regie teilten sich direkt drei Regisseure: die Spanier Javier Calvo und Javier Ambrossi für das Drama „The Black Ball“ („La bola negra“) und der polnische Filmemacher Pawel Pawlikowski für „Vaterland“. Der Film mit Sandra Hüller erzählt von einem gemeinsamen Roadtrip von Thomas Mann und Erika Mann durch das zerstörte Nachkriegsdeutschland im Jahr 1949.

Als beste Schauspieler wurden Emmanuel Macchia und Valentin Campagne für ihre Rollen in dem Film „Coward“ des belgischen Regisseurs Lukas Dhont ausgezeichnet. Darin spielen sie zwei Soldaten im Ersten Weltkrieg, die sich ineinander verlieben.

Virginie Efira und Tao Okamoto wurden als beste Schauspielerinnen für das Drama „All of a Sudden“ („Soudain“) geehrt. In dem Film entwirft der Japaner Ryūsuke Hamaguchi ein leises, aber eindringliches Drama über zwei Frauen, deren Begegnung ihr Leben auf unerwartete Weise verschiebt.

Der Preis für das beste Drehbuch ging an den Franzosen Emmanuel Marre für „A Man of His Time“ („Notre Salut“). In dem Film verarbeitet der Regisseur einen Teil seiner Familiengeschichte während des Zweiten Weltkriegs in Frankreich.

Die deutsche Regisseurin Valeska Grisebach ist für ihren Film „Das geträumte Abenteuer“ mit dem Preis der Jury ausgezeichnet worden. Grisebach erzählt in „Das geträumte Abenteuer“ von einer Archäologin, die in einer bulgarischen Grenzstadt an einer Ausgrabungsstätte arbeitet. Als sie einem alten Bekannten helfen will, gerät sie zunehmend in ein Umfeld aus Kriminalität.

„Europa steht für mich für die Zusammenarbeit zwischen den Ländern“, sagte die 58-Jährige in ihrer Dankesrede. Grisebach feierte mit „Das geträumte Abenteuer“ ihr Debüt im Cannes-Wettbewerb. Ihr Vorgängerfilm „Western“ lief 2017 bei den Filmfestspielen in der Reihe „Un Certain Regard“.

Die französische Schauspielerin Isabelle Huppert würdigte die US-Schauspielerin Barbra Streisand, die mit einer Goldenen Ehrenpalme ausgezeichnet wurde, den Preis aber wegen einer Knieverletzung nicht persönlich entgegennehmen konnte. Streisand bedankte sich per Videobotschaft und sagte, Filme hätten „diese magische Fähigkeit“, Menschen zu vereinen.

Leer ging hingegen der Wettbewerbsbeitrag „Gentle Monster“ von Marie Kreutzer aus, in dem sich die österreichische Regisseurin mit Stars wie Léa Seydoux, Laurence Rupp oder Catherine Deneuve dem schweren Thema Kindesmissbrauch annähert.]]> Kultur Sat, 23 May 2026 22:34:59 +0200 Sat, 23 May 2026 22:35:03 +0200 0 1309173 0 Regisseur Cristian Mungiu mit seiner Goldenen Palme. © APA/AFP / SAMEER AL-DOUMY SAMEER AL-DOUMY Bühne frei für Nathan der Nice https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/buehne-frei-fuer-nathan-der-nice https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/buehne-frei-fuer-nathan-der-nice Können Sie sich noch erinnern, wovon Sie mit 20 Jahren geträumt haben? Und wenn ja, würden Sie sagen, dass diese Träume in Erfüllung gegangen sind? Einer, der sich wohl auch noch in vielen Jahren daran erinnern wird, welche seiner Träume in diesem jungen Alter aber sowas von Wirklichkeit wurden, sitzt vor mir: Nathan Laimer, alias Nathan der Nice. redaktion@stol.it (splus) Von Lene Morgenstern





Er zieht von dannen, um zu werden, was er sein will. Er geht für längere Zeit – genauer gesagt vorerst für acht Semester. Mit zwei Koffern und mit einem Che Guevara-Poster. Vor wenigen Wochen hat er die Aufnahmeprüfung in die Hochschule für Musik, Theater und Medien in jener Stadt, der man das reinste Hochdeutsch nachsagt, bestanden, als einer der Jüngsten von insgesamt neun Personen. Probiert haben es in etwa fünfhundert. Ich habe eine Million Fragen.

Von der Bühne träumt er seit mindestens drei Jahren. Auf der Bühne steht er regelmäßig seit ebenso drei Jahren. Zuletzt war er im Theaterstück der Vereinigten Bühnen Bozen „Möglichkeitsmenschen“ (Regie: Peter Lorenz) im Stadttheater Bozen zu sehen. Insgesamt hat er bis dato – er zählt und zählt und zählt und kommt nach minutenlanger Rechnerei zu einem beachtlichen Ergebnis – 50 Auftritte absolviert. Vor allem als Poetry Slammer. Und als solcher von Anfang an in den vorderen Reihen. Die bisher größte Zuschauerschaft applaudierte ihm bei einer Performance vor dem Südtiroler Landtag anlässlich einer Demonstration gegen die Mitte-Rechts-Koalition im Südtiroler Winter 2023/2024. Er hatte sich durchaus als politischer Aktivist bezeichnet, jetzt nennt er sich politischer Beobachter. Ich denke an das Che Guevara Poster.



Das größte Haus bespielte er im Stadttheater Graz beim Finale des Ö-Slam 2024. Die für ihn prägendsten Erfahrungen machte er in Wien, der Stadt seiner eigenen Wahl nach seinem impulsiven Schulabbruch. „Es war zu früh, nach Wien zu gehen,“ sagt er, „ich wollte direkt ans Max Reinhardt-Seminar, und das hat nicht geklappt.“ Gleichzeitig wurde er Südtiroler Poetry Slam-Landesmeister 2024 und ein Jahr später gleich noch einmal. „Ja,“ sagt er, „Poetry Slam war und ist sehr wichtig. Ich habe viel über Bühnenpräsenz gelernt. Ich weiß jetzt, was Timing ist. Ich habe experimentiert, wie Bewegung wirkt und vor allem habe ich erfahren, was auf der Bühne funktioniert.“

Und heute, nach einer Handvoll weiterer Aufnahmeprüfungen an anerkannten Schauspielschulen in diversen deutschen Städten, kommt er seinem vielleicht größten Traum mit einer beginnenden und soliden Ausbildung konkret näher. Er will und wird Schauspieler werden. Ich habe zwei Millionen Fragen.

„...ich bin ein neuer Mensch“


Er heißt Nathan Laimer, auf Poetry Slam-Bühnen Nathan der Nice, wir rühren beide im Kaffee, und dann schalte ich auf Sprachaufnahme und höre einfach nur zu. „Als ich die E-Mail mit der Zusage bekam,“ sagt Laimer, „o.k., es war eigentlich komplizierter, es gab ein Feedback-Gespräch, in welchem die Zusage in Aussicht gestellt wurde, und dann erst kam die Zusage, also da dachte ich, hey, ich bin ein neuer Mensch.“



Er schaut mich an. Und dann sinniert er: „Tatsächlich bin ich natürlich noch derselbe.“ Er erzählt von der langen Zeit der Vorbereitung: „In meinen Anfängen hat mich meine Großtante Magdalena Schwellensattel vorbereitet (Die Theater-Regisseurin, Schauspielerin und Moderatorin ist 2025 gestorben, Anm. der Autorin), später dann Markus Westphal. Ich habe gelernt, vom Vortragen eines Textes zum Erleben eines Textes zu gelangen, in einen Flow-Zustand zu kommen.“

Er schwärmt: „Das Publikum will die fertige Rolle sehen. Dazu braucht es Regiearbeit. Es geht auch um das Textverständnis. Es geht darum, die richtige Haltung zu finden und wirklich zu verstehen, warum man etwas sagt.“

Er hat an sich gearbeitet. „Als ich in Hannover dann für 5 Minuten 'die Robbe’'aus dem Stück ,Gegen den Fortschritt’ von Esteve Soler gespielt habe, war ich im Flow und hatte meinen bisher wohl stärksten Auftritt.“

Wir befinden uns in Runde 1 bei der Aufnahmeprüfung in Hannover. „In Runde 2 habe ich dann nochmals 'die Robbe' gespielt.“ Laimer bemerkt meinen fragenden Blick. „Die elf Personen in der Jury wollten wissen, ob ich den Text reproduzieren kann, deswegen habe ich dieselbe Szene nochmals gespielt. Genau gleich. Das ist durchaus so gewollt. 'Der Romeo', den ich zusätzlich vorgetragen habe, war dann aber, glaube ich, nicht so wirklich überzeugend. Ich bekam eine Hausaufgabe. Ich sollte 'am Romeo' arbeiten. Und tags darauf, in der dritten und letzten Runde, hatte ich 'den Romeo’'also überarbeitet. Und was ist dann passiert? Ich musste – böse Überraschung – den Amokläufer’ (von Stefan Zweig) vorspielen, also etwas ganz anderes.“

Er schweigt und seufzt. „Ich habe improvisiert. Und es ist gut gegangen.“

So eine Aufnahmeprüfung ist nicht weniger spannend als ein Poetry Slam. Und auch das Ergattern von Rollen im Real Life scheint nicht einfach zu sein. „Meine bisherigen Auftritte in Südtirol verdanke ich dem Küken-Privileg. Es gibt weniger Schauspieler als Schauspielerinnen.“ Die Macher sind aber schon oft Männer, oder? „Ja,“nickt Laimer, „und auch die Stars.“

Traumrollen




Wir schweifen ab in die Politik und zum Papst und kehren dann wieder ins Theater zurück und landen bei den Traumrollen. „Ich möchte böse Rollen spielen. Da gibt es mehr Innenleben. Aber ich werde mit Handkuss jede Rolle annehmen.“

Wir reden über das Hineinschlüpfen in Rollen. „Ich habe Rituale,“ erklärt mein Gesprächspartner. „Bevor ich auf die Bühne gehe, sage ich ,Auf geht’s!’ zu mir – o.k., in einer etwas anderen Wortwahl.“

Er schmunzelt. „Bei einem Poetry Slam drehe ich das Mikrofon ein Stück zu weit nach oben, dann korrigiere ich es nach unten und so bringe ich mich in meine Rolle. Im Theater hilft das Kostüm. Danach begebe ich mich in die Haltung der Person, die ich spiele und bevor ich auf die Bühne starte, wiederhole ich den Namen meiner Rolle immer wieder und wieder.“

Nach Aufführungsende legt Laimer das Kostüm ab und damit auch die Rolle. Nach einem Poetry Slam ist das ein bisschen anders. Kostüme sind schließlich nicht erlaubt. „Ich liebe den Austausch nach meinen Slam-Auftritten“ erklärt Laimer, „aber ich mag keine Komplimente.“ Ich überlege kurz, und dann mach ich ihm ein Kompliment. Ich bin schließlich stolz auf ihn. Und wir sind ja auch gerade überhaupt nicht bei einem Poetry Slam.


Die Kaffeetassen sind verräumt. Laimer muss in den Backstage-Bereich des Theaters. Die Welt ist ein schöner Ort mit Drama, Baby. Er sagt Tschüss, und ich sage: „Nathan,“ Pause, Timing, „ich verabschiede mich mit den folgenden drei Worten – Pause, Timing: ,Ich (Pause, Timing) verabschiede dich.’“ (frei zitiert nach Andreas in der Au). Ende da. Aber danach haben wir laut gelacht.

Zur Person

Nathan Laimer alias Nathan der Nice besuchte das Sprachengymnasium in Meran. 2023 erhält der heute 20-jährige Meraner beim „70. Österreichischen Jugendredewettbewerb“ in Innsbruck in der Kategorie „Sprachrohr“ den ersten Preis und wird „Österreichischer U20 Poetry Slam-Champion“. Er war Landesmeister im Poetry Slam 2024 und 2025 und steht als Schauspieler auf verschiedenen Bühnen Südtirols. Jetzt beginnt er seine Schauspielausbildung.

Termin

Wer Nathan der Nice wiedersehen will, ist zum Finale der LM26 eingeladen, am 14. August in der UFO Arena in Bruneck. Der Eintritt ist frei, es bedarf keiner Reservierung. Und wer Hannover kennenlernen will, möge zu den Deutschsprachigen Poetry Slam-Meisterschaften 2026 fahren. Sie finden ebenda statt, vom 23.-26. September. ]]> Kultur Thu, 21 May 2026 16:32:32 +0200 Thu, 21 May 2026 18:06:06 +0200 1 1308669 1 Erst vor Kurzem feierte das Stück „Möglichkeitsmenschen“ bei den Vereinigten Bühnen Premiere. Nathan Laimer verkörperte darin verschieden Rollen: Sie, Schimpanse, Saunagast, Reinigungskraft, Erbse, Elsa. © Anna Cerrato Anna Cerrato „Im weißen Rössl“: Und das Karussell dreht und dreht sich https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/im-weissen-roessl-und-das-karussell-dreht-und-dreht-sich https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/im-weissen-roessl-und-das-karussell-dreht-und-dreht-sich Ach, der arme Leopold. Verzehrt sich vor Liebe zu seiner Chefin, zu Josepha Amalia Vogelhuber, geborene Steinlechner, Wirtin im weißen Rössl am Wolfgangsee. Sie drückt seine roten Rosen ans Herz, sprich in den Dirndlausschnitt, im Glauben, die Blumen stammten vom angehimmelten Stammgast. redaktion@stol.it (splus)



Der Zahlkellner Leopold muss sich schnippisch abweisen lassen. „Es muss was Wunderbares sein“ träumt und singt er weiter. Erwin Belakowitsch singt von der Sehnsucht des Leopold so herzzerreißend ehrlich schön, dass es außer dem schnippischen Grantscherben Josepha allen im Saal zu Herzen geht. Ein ausgezeichneter Schauspieler ist er zudem.




Die Inszenierung von „Im weißen Rössl“ von Ruth Brauer-Kvam fürchtet sich nicht vor Gefühlen. „Love is in the air“ – die Leuchtschrift auf der Bühne ist Programm. Cupido, eine von der Regie neu eingeführte zweite Rolle für den Piccolo, hat alle Hände voll zu tun, bis am Ende drei glückliche Paare um die Wette strahlen. Rote Herzen leuchten, große und kleine, ersetzen die vertrockneten Lebkuchenherzen, die sich eine spröde (wunderbar jodelnde) Nadine Zeintl in der Rolle der Josepha um den Hals hängt. Die eigennützigen Versprechen verflossener Verehrer an die Peppi, Josi und mit weiteren Kosenamen Bedachte. Sentimental? Ja. Kitschig? Ja. Jedoch dermaßen stimmig und präzise gemacht, dass man sich gar nicht sattsehen kann an den Details im Bühnenbild, in den Kostümen, den Bewegungen.



Die Bühnenbildnerin Monika Rovan schafft mit sparsamen Mitteln, suggestivem Licht (Micha Beyerman) eine überaus gekonnte Künstlichkeit. Farbige Spiegelungen am Himmel und im See kräuseln sich sanft. Violette Augentäuschungen, wie sie die Schlager- und Operettenmusik aufs Gemüt zu legen vermag. Gasthaus und See, Konturen der Berge und Wälder, Alm, Kühe und Schwäne: alles Kulisse für die rosarote Brille der Touristen. Wenige, strategisch platzierte und bewegte Requisiten setzen fröhliche Signale. Die Tischdecken flugs umgedreht und „die ganze Welt ist himmelblau“. Ein rot-weiß-roter Zug fährt über die Bühne, die Beine des frisch verliebten Paars Karlchen und Sigismund (Johannes Hut und Philip Leonhard Kelz mit viel komödiantischem Esprit) ragen aus dem Heißluftballon. Badehäuschen für die in den Augen der Nationalsozialisten „entartete“ Badeszene der 1930 uraufgeführten Operette finden ebenso Platz wie der große Chor der Touristen in knallgelben Regenmänteln. Wie die Bühne sind die Kostüme von Alfred Mayerhofer und die Choreografie von Damian Czarnecki der Koproduktion mit dem Tiroler Landestheater zu danken. Die Verkleidungen sprechen detailreich und witzig wie die Kulissen vom Landaufenthalt der Städter, markieren Rollen und Figuren.



Die vielen von vier Komponisten geschriebenen Tänze, vom Walzer bis zum Foxtrott, wollen choreografiert sein. Die Kellnerinnen schrubben im Takt, Besen werden zu Windflügeln. Die Szene um das gelüftete Geheimnis des Kaiserschmarrn-Rezepts ist dermaßen hübsch gemacht, dass sie hier einfach erwähnt werden muss.



Es liegt im Wesen der Operette, dass die Ausstattung, das Drumherum, so zentral am Erzählen der Geschichte beteiligt ist. Das soll keineswegs die Leistung der Sängerschauspieler schmälern. Die Akteure der Handlung geben ihren Figuren Profil durch verschiedene Härte- oder Weichheitsgrade des jeweiligen Dialekts, durch klar unterschiedene Stimmlagen. Bis hin zum Jodler zeichnen sie Gefühle und Lokalkolorit mal derber, mal feiner. Krachledern Thomas Hochkoflers Textilfabrikant Giesecke, still vergnügt der von Johann Nikolussi gespielte Privatgelehrte, augenzwinkernd der Kaiser Franz Joseph von Lukas Lobis. Mit geschmeidigem Tenor umgarnt Martin Lechleitners Anwalt Dr. Siedler die angebetete, stimmlich strahlende Cinzia Zanovello/Ottilie. Während sich das Karussell weiterdreht, bricht Leopold aus Kummer endgültig zusammen, bevor er sich zum Abschied aufrappelt. Da wird es plötzlich still auf der Bühne. Unter der operettenhaften Oberfläche wird einen Augenblick die Tiefe spürbar.



Wie im Kabarett oder im Couplet des Wiener Volkstheaters wendet sich die Operette mit sprachspielerischen Klischees, mit ironischen Pointen direkt ans Publikum. Valentina Insko Fink in der pfiffig und souverän gesungenen und gespielten Rolle des Piccolos/Cupido gibt dafür gleich am Beginn ein klares Signal. Sie geht durch die Zuschauerreihen, um Bestellungen aufzunehmen und stimmt mit einem Gstanzel auf gute Laune ein. Die gute Laune ist Sinn und Zweck des für Bozner Verhältnisse riesigen Spektakels. Alle Beteiligten, die 50 Musiker des Haydn Orchesters, das Zither-Gitarre-Akkordeon Trio, die Bürgerkapelle Gries, der Chor „Flat Caps“ stellen sich samt den Sängerschauspielerinnen mit sicht- und hörbar Engagement in den Dienst des fröhlichen musikalischen Mischmaschs. Der musikalische Leiter Christoph Huber lässt den Sound des Broadways anklingen. Das Publikum spendet viel Szenenapplaus, klatscht die flotten Rhythmen mit und bedankt sich begeistert für die professionelle musikalische Theaterunterhaltung.


Termine:
20., 10 Uhr, Schulvorstellung
21., 19.30 Uhr samt Dirndl & Lederhosen Contest während der Pause 22., 18.45 Uhr, Stückeinführung und 19.30 Uhr Vorstellung
23.5., 19.30 Uhr Dernière, Stadttheater Bozen]]> Kultur Tue, 19 May 2026 20:41:34 +0200 Tue, 19 May 2026 20:42:04 +0200 1 1308075 1 Energisch ist die Frau Wirtin (Nadine Zeintl). Das Muss sie auch sein, um ihren Zahlkellner Leopold (Erwin Belakowitsch) und den Piccolo (Valentina Inzko Fink) im Zaum zu halten (von rechts). © Marco Sommer Marco Sommer Musikschule Gadertal feiert 50-jähriges Bestehen https://www.stol.it/artikel/kultur/musikschule-gadertal-feiert-50-jaehriges-bestehen https://www.stol.it/artikel/kultur/musikschule-gadertal-feiert-50-jaehriges-bestehen 50 Jahre Musikschule Gadertal: Beim Festkonzert in Stern vergangenen Samstag wurde nicht nur die bewegte Geschichte der Musikschule gefeiert – Schüler, Lehrpersonen und Ehrengäste machten auch deutlich, welchen Stellenwert die musikalische Bildung heute hat. redaktion@stol.it (lpa)
Moderiert wurde die Veranstaltung vom Vizedirektor der Musikschule Renzo Huber. Mit Stolz, hieß es, blicke die Musikschule Gadertal auf ein halbes Jahrhundert zurück, in dem sie Generationen von Musikbegeisterten inspiriert und gefördert hat.

Musikalische Bildung als wichtiger Bestandteil

Der Direktor für ladinische Bildung und Kultur André Comploi verwies in seiner Rede auf die exzellente Zusammenarbeit zwischen dem ladinischen Bildungsbereich und der Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule und hob die Wichtigkeit der musikalischen Bildung für die Jugend hervor.

Lois Ellecosta, von 1976 bis 1987 erster Direktor der Musikschule, erzählte von den schwierigen Anfängen und den Herausforderungen der ersten Jahre. Er nannte auch viele Lehrpersonen, die sich in den ersten Jahren besonders verdient gemacht haben.

In einem Klavierduo mit Schülern der ersten Jahre der Musikschule war der heutige Direktor der Musikschule Raimund Pitscheider zu hören. Der Schulchor und das Orchester unter der Leitung von Bruno Rives trugen ein Revival eines Liedes aus den ersten Jahren der Musikschule und zwei für den Anlass arrangierte ladinische Lieder vor. Die aktuellen Lehrpersonen traten mit einem Lehrerchor mit einem ladinischen Lied, einem Klaviertrio und einem Bläseroktett auf die Bühne.

Inklusion spielt auch in der Musikschule Gadertal eine zentrale Rolle: Schüler mit besonderen Bedürfnissen spielten im Blockflötenensemble gemeinsam mit anderen Blockflötenschülern Beethovens Ode an die Freude. Gitarrenschüler Mark Planischeck überraschte mit der Fantasie 5th Symphony Untitled Solo von Beethoven/Patrzalek; es folgten Darbietungen der Perkussionsschüler und eine Gruppe mit Steirischer Harmonika.]]> Kultur Mon, 18 May 2026 14:40:37 +0200 Mon, 18 May 2026 14:40:45 +0200 1 1307922 0 Schulchor und Orchester unter der Leitung von Bruno Rives. © LPA/Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule/Freddy Planinschek LPA/Landesdirektion Deutsche und ladinische Musikschule/Freddy Planinschek Südtiroler Musik in Österreich: Öfter mal Max von Milland statt Ed Sheeran https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/suedtiroler-musik-in-oesterreich-oefter-mal-max-von-milland-statt-ed-sheeran https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/suedtiroler-musik-in-oesterreich-oefter-mal-max-von-milland-statt-ed-sheeran Musik aus Südtirol soll in österreichischen Medien stärker zum Zug kommen. Die dafür notwendigen Voraussetzungen seien laut Kulturlandesrat Philipp Achammer allemal gegeben, auch Peter Schorn und Simon Gamper von der Vereinigung PERFAS glauben an eine baldige Umsetzung. redaktion@stol.it (az)
Die Vergleiche mögen zwar hinken, jedoch lässt sich damit ein aktuelles Vorhaben von Kulturlandesrat Philipp Achammer veranschaulichen: Musik aus Südtirol soll in Österreich weit stärker als bisher zur Geltung kommen.

„Die Grundlagen für eine prioritäre Förderung bestehen bereits, nach den Gesprächen mit Andreas Babler bin ich zuversichtlich, dass es mit diesem Vorhaben klappt“, lässt Achammer wissen. Österreichs Vizekanzler Babler habe er am Rande des Eurovision Song Contest (ESC) in Wien getroffen, dabei wurde die Thematik erörtert. Achammer weiter: „Andreas Babler zeigte sich offen für das Anliegen, das zunächst auf technischer Ebene geprüft werden muss, ehe weitere Gespräche anstehen.“

Als Grundlage für eine Art Vorzugsschiene Südtiroler Musik in Österreich nennt Achammer das Pariser Abkommen sowie das Kulturabkommen zwischen Italien und Österreich aus dem Jahr 1952. In ähnlichen Bereichen wie etwa beim österreichischen Jugendmusikwettbewerb „Prima la Musica“ würde die Zusammenarbeit bereits funktionieren.

Erhöhung der „Österreich-Quote“ gefordert

In einem größeren Kontext geht es im spezifischen Fall um den Anteil von österreichischer Musik in österreichischen Radiosendern. Immer wieder war eine „Österreich-Quote“ gefordert worden, ehe sich der ORF mit der heimischen Musikwirtschaft auf eine Selbstverpflichtung einigte, den Anteil österreichischer Musik schrittweise auf 18 Prozent zu steigern. Mittlerweile ist man bei den größten österreichischen Sendern bei einer Quote zwischen 15 und 18 Prozent angelangt, letzthin pochten Branchenverbände auf einen verbindlichen Anteil von 30 Prozent.

Südtiroler Musikschaffende blieben bisher sowieso außen vor, weil sie gemäß Vorgaben auch nicht als „österreichische Musik“ berücksichtigt werden konnten. Genau das soll sich nun eben ändern, laut Achammer müsste hierfür lediglich ein Passus in Bezug auf die Staatsbürgerschaft geändert werden. Falls notwendig, könne er sich durchaus vorstellen, finanzielle Mittel für mehr Sichtbarkeit für Musik aus Südtirol bereitzustellen.

Peter Schorn und Simon Gamper zuversichtlich

Auch Peter Schorn und Simon Gamper, respektive Präsident sowie musikalischer Sprecher der Berufsvereinigung PERFAS, erachten die Initiative als vielversprechendes Vorhaben. „Die Hürden für die Umsetzung sind nicht groß, deshalb bin ich zuversichtlich, dass Südtiroler Musiker in Österreich stärker berücksichtigt werden“, bekräftigt Gamper. Zusätzlich zu Musikern und Bands sei die Förderung von zeitgenössischen Komponisten ein logischer nächster Schritt. Peter Schorn ist der Auffassung, dass die Südtiroler Kulturschaffenden grundsätzlich eine breitere Öffentlichkeit im deutschsprachigen Ausland verdienen würden – sie bräuchten keinen Vergleich zu scheuen.]]> Kultur Mon, 18 May 2026 12:54:57 +0200 Mon, 18 May 2026 12:55:06 +0200 1 1307886 1 Südtiroler Musik – im Bild ein Liveauftritt im Zuge des Nordpark-Festivals ins Sterzing – soll in Österreich künftig stärkere Berücksichtigung erhalten. Die Voraussetzungen seien bereits gegeben. © NADJA THALER NADJA THALER 500 ernst zu nehmende Cyberangriffe bei ESC https://www.stol.it/artikel/kultur/500-ernst-zu-nehmende-cyberangriffe-bei-esc https://www.stol.it/artikel/kultur/500-ernst-zu-nehmende-cyberangriffe-bei-esc Der 70. Eurovision Song Contest war vor allem für die Sicherheitsbehörden eine große Herausforderung. Allein 500 „ernst zu nehmende“ Cyberangriffe gab es, die alle abgewehrt werden konnten, zog die österreichische Polizei am Montag in einer Pressekonferenz erfolgreich Bilanz. 22.000 Personen wurden sicherheitsbehördlich überprüft, 74 Anzeigen erstellt und 16 Personen festgenommen, resümierte Österreichs Innenminister Gerhard Karner (ÖVP). redaktion@stol.it (apa)
Eine Person wurde am Finaltag dabei erwischt, wie sie versuchte, in die abgesperrte Stadthalle zu gelangen. Eine weitere Person befindet sich wegen anderer Delikte, die nicht ursächlich im Zusammenhang mit dem ESC stehen, in Gewahrsam.

Es gab keinen einzigen minder gefährlichen Waffengebrauch, was bedeutet, dass es keinen einzigen Vorfall gab, wo die Polizei eine Dienstwaffe einsetzen musste. Für den ESC waren insgesamt 5.000 Beamtinnen und Beamte im Einsatz. Die österreichischen Polizisten bekamen dazu Unterstützung aus Bayern. Zudem wurden 500 private Securitys herangezogen, sagte ORF-Generaldirektorin Ingrid Thurnher.

Diese konnten zum Beispiel eine Person, die zwar ein gültiges Ticket für eine ESC-Veranstaltung hatte, jedoch mit einem gefälschten Backstage-Ausweis in den VIP-Bereich gelangte, anhalten. Nach Informationen der APA handelte es sich dabei um einen Influencer, der im Backstage-Bereich Fotos machen wollte.]]> Kultur Mon, 18 May 2026 11:11:51 +0200 Tue, 19 May 2026 10:04:50 +0200 0 1307850 0 Sicherheitsbehörden und ORF zogen Bilanz. © APA/TOBIAS STEINMAURER / TOBIAS STEINMAURER TOBIAS STEINMAURER Italien will UNESCO-Kulturerbe für neapolitanisches Liedgut https://www.stol.it/artikel/kultur/italien-will-unesco-kulturerbe-fuer-neapolitanisches-liedgut https://www.stol.it/artikel/kultur/italien-will-unesco-kulturerbe-fuer-neapolitanisches-liedgut Italien will das neapolitanische Liedgut als immaterielles UNESCO-Kulturerbe anerkennen lassen. Die Regierung um Ministerpräsidentin Giorgia Meloni arbeite an der Vorbereitung eines entsprechenden Dossiers, das bei der UNESCO eingereicht werden solle, kündigte Italiens Tourismusminister Gianmarco Mazzi. Die offizielle Kandidatur soll demnach 2027 eingereicht werden. redaktion@stol.it (apa)
Auf der Bühne stehen sollen unter anderem die Opernsänger Vittorio Grigolo und Plácido Domingo sowie die US-Musikerin Patti Smith. Geplant sind Interpretationen klassischer neapolitanischer Lieder. Auch der aus Neapel stammende Sal Da Vinci, der Italien beim Eurovision Song Contest vertreten hatte und den fünften Platz belegte, soll auftreten.

Mazzi verknüpfte das Projekt mit der Strategie des sogenannten „Wurzeltourismus“. Weltweit gebe es rund 80 Millionen Menschen italienischer Abstammung, viele von ihnen sprächen noch den neapolitanischen Dialekt ihrer Vorfahren. Ziel sei es, mehr Nachfahren italienischer Auswanderer für Reisen in kleinere Orte und ländliche Regionen Italiens zu gewinnen. Derzeit liege deren Anteil bei etwa acht Prozent, sagte der Minister.

Mazzi hatte am Wochenende anlässlich des Finales des Eurovision Song Contest in Wien Sal Da Vinci bei dem Musikwettbewerb unterstützt und die Italo-Gemeinschaft begleitet. Mazzi traf in Wien Kulturdelegationen und Vertreter der Unterhaltungsbranche.]]> Kultur Mon, 18 May 2026 10:43:03 +0200 Mon, 18 May 2026 10:43:07 +0200 0 1307841 0 Auch ESC-Kandidat Sal Da Vinci unterstützt Bewerbung. © APA/GEORG HOCHMUTH / GEORG HOCHMUTH GEORG HOCHMUTH Südtiroler Theaterverband feiert 75 Jahre Theaterkultur https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/suedtiroler-theaterverband-feiert-75-jahre-theaterkultur https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/suedtiroler-theaterverband-feiert-75-jahre-theaterkultur Mit zahlreichen Aufführungen, begeistertem Publikum und vielen Begegnungen ist am Sonntagabend das Theaterfestival „Akt 75“ des Südtiroler Theaterverbandes (STV) in der Messe Bozen erfolgreich zu Ende gegangen. Anlässlich des 75-jährigen Bestehens des Verbandes wurde die Messe an zwei Tagen zum Treffpunkt der Südtiroler Theaterszene. Zahlreiche Zuschauerinnen und Zuschauer besuchten das Jubiläumsfestival an beiden Tagen. redaktion@stol.it (stol)


Ein besonderer Höhepunkt des Festivals war der Festakt am Samstagabend. Durch den Abend führte Moderatorin Christine Rabanser. Mit dabei waren unter anderem STV-Präsident Rene Mair, Jonas Prieth, Sonja Ellemund, die Schauspielerinnen Krista Posch und Christine Mayr Mayn, Schauspieler Stefan Drassl sowie Figurenspieler Gernot Nagelschmied. Auch zahlreiche Ehrengäste aus Politik und Kultur nahmen am Jubiläumsabend teil, darunter Rosmarie Pamer, Landeshauptmannstellvertreterin und Landesrätin für Soziales sowie Angelika Gasser, Amtsdirektorin für Amt für Kultur sowie Klaus Runer, STV Ehrenpräsident und Robert Pöder, Ehemaliger STV Präsident.

Auch international stieß das Jubiläumsfestival auf großes Interesse. Zu den Ehrengästen zählten Gerhard Koller, Präsident des Österreichischen Bundesverbandes für außerberufliches Theater (ÖBV), Sepp Käser, Präsident des Bayerischen Amateurtheaterverbandes, Frank Grünert, Vizepräsident des Bundes Deutscher Amateurtheater (BDAT), Norbert Radermacher, Ehrenpräsident des BDAT, Lukas Lewicki, Präsident des Zentralverbandes Schweizer Volkstheater (ZSV), sowie Ingrid Alber-Pahle, Obfrau-Stellvertreterin des Theater Verbandes Tirol. Der zahlreiche Besuch aus dem Ausland unterstrich die Bedeutung des Festivals weit über Südtirol hinaus und bot zusätzlichen Raum für Austausch und Vernetzung innerhalb der deutschsprachigen Theaterlandschaft.

Gelegenheit zum Austausch

Neben den Aufführungen stand vor allem der Austausch innerhalb der Theaterszene im Mittelpunkt des Festivals. Schauspieler, Regieführende, Funktionäre sowie Theaterbegeisterte aus ganz Südtirol kamen miteinander ins Gespräch, knüpften neue Kontakte und nutzten das Festival als Plattform für Begegnung und Vernetzung.

Auch das umfangreiche Rahmenprogramm wurde von den Besuchern intensiv genutzt. An beiden Tagen gab es für Kinder und Jugendliche ein eigenes Angebot mit Schminkstation, Leseecke und Kostümwerkstatt. Besonders großen Anklang fand das historische Jubiläumsmuseum, kuratiert von Walter Granuzzo und Sieglinde Michaeler. Zu sehen waren rund 600 Fotos und 400 Plakate aus ganz Südtirol, die alte und neue Theaterproduktionen dokumentierten und eindrucksvolle Einblicke in die 75-jährige Geschichte des Südtiroler Theaterverbandes ermöglichten. Historische Kostüme, Requisiten und weitere Erinnerungsstücke machten die Entwicklung des Südtiroler Amateurtheaters zusätzlich erlebbar.



Auch musikalisch wurde das Jubiläum begleitet: Am Samstagabend sorgte die Partyband „The Snoops“ für Stimmung bis in die Nacht, während am Sonntag die Pustertaler Folkgruppe Titlà das musikalische Rahmenprogramm gestaltete. Zahlreiche Food-Trucks und eine Kuchentheke rundeten das Festival kulinarisch ab.

Mit „Akt 75“ setzte der Südtiroler Theaterverband ein starkes Zeichen für die Bedeutung des ehrenamtlichen Kulturengagements und für die verbindende Kraft des Theaters über Generationen hinweg.

„Dieses Festival hat gezeigt, wie lebendig und vielfältig das Theater in Südtirol ist. Besonders wertvoll war es zu sehen, wie Menschen aus allen Teilen des Landes zusammengekommen sind, um Theater gemeinsam zu erleben“, zog STV-Präsident René Mair sein Résumé.]]> Kultur Sun, 17 May 2026 17:30:00 +0200 Sun, 17 May 2026 17:30:04 +0200 1 1307718 0 Mit einem Festakt und einer großen Torte wurde das 75-Jahr-Jubiläum des Südtiroler Theaterverbandes gefeiert. © Südtiroler Theaterverband Südtiroler Theaterverband Bulgarien gewinnt überraschend den ESC in Wien https://www.stol.it/artikel/kultur/bulgarien-gewinnt-ueberraschend-den-esc-in-wien https://www.stol.it/artikel/kultur/bulgarien-gewinnt-ueberraschend-den-esc-in-wien Das war kein Sieg mit Ansage, sondern ein Durchstart aus dem Windschatten, den Bulgariens ESC-Vertreterin Dara Samstagnacht in Wien beim 70. Eurovision Song Contest hinlegte. Lange Zeit war die 27-jährige Sängerin mit ihrem Partystampfer „Bangaranga“ unter ferner liefen beim größten Musikbewerb der Welt gereiht worden – bis zum Juryfinale am Freitag. Ab diesem Zeitpunkt setzte die Künstlerin auch bei den Wettbüros an, das Feld von hinten aufzurollen. redaktion@stol.it (apa)
„Haben wir heute Geschichte geschrieben, oder was?!“, zeigte sich Dara nach ihrem Triumph vor den Medien entsprechend perplex. Dabei könne sie jetzt schon sagen, dass sie die ESC-Bubble in Wien nicht leicht hinter sich lassen werde: „Heute Morgen bin ich aufgewacht und musste fast weinen, weil ich Euch alle so vermissen werde.“

Auf Platz 2 in der Endwertung kam indes Israels Vertreter Noam Bettan mit seinem rauchig gesungenen „Michelle“ zum Liegen, der ebenfalls lange zwar unter den Top Ten, aber keinesfalls auf dem 2. Platz gesehen worden war. Das Stockerl komplettierte Rumäniens harte Rockröhre Alexandra Căpitănescu mit ihrem „Choke Me“ - ebenfalls letztlich eine Überraschung, die sämtliche Prognosen der Buchmacher Lügen strafte.



Die lange Zeit als absolute Topfavoriten gesehenen Finnen Linda Lampenius & Pete Parkkonen erreichten am Ende „nur“ Platz 6, ihre vermeintlich schärfste Gegnerin Delta Goodrem aus Australien kam auf den 4. Platz und der griechische Publikumsliebling Akylas schaffte gar nur Platz 10.

Für Italien stand Sal Da Vinci, bürgerlich Salvatore Michael Sorrentino, auf der Bühne. Der neapolitanischer Künstler, der 1969 in New York während einer Tournee seines Vaters Mario Da Vinci geboren wurde – einem bekannten Sänger und Schauspieler – erreichte mit 281 Punkten den fünften Platz.

Und Österreichs Kandidat Cosmó kam als Vertreter des Gastgebers mit einem blauen Auge davon, hatte er doch lange als Kandidat für den letzten Platz gegolten, den nun die alte Popnation Großbritannien für sich reklamieren musste. Der 19-Jährige kam hingegen mit 6 Punkten am Ende immerhin auf den vorletzten Platz - und damit auf denselben, den beim letzten Heim-ESC 2015 die Makemakes erreicht hatten.

„Wir konnten unser Bestes geben“, zeigte sich der Künstler nach dem Auftritt vor Medien zufrieden: „Es ist nicht der letzte Platz - was auch in Ordnung gewesen wäre.“

Der ESC-Tross zieht somit 2027 nach Bulgarien weiter, womit zugleich eine bunte ESC-Woche in Wien endete. Auch wenn das oftmals kühle und regnerische Wetter manch Feierstimmung auf die Probe stellte, ließen sich Tausende ESC-Fans seit der großen Eröffnung des Events am Wiener Rathausplatz am vergangenen Sonntag nicht abhalten, die zahlreichen Public-Viewing-Areale in der ganzen Stadt und am Finalabend auch in ganz Österreich zu besuchen.

Die indes für den Vortag des Finales und den Finaltag selbst angesetzten Gegendemonstrationen von pro-palästinensischen Aktivisten wegen der Teilnahme Israels am ESC fielen mit einigen Hundert Teilnehmern weit kleiner aus als zwischenzeitlich erwartet. Auch die aus den vorangegangenen ESC bekannten lautstarken Proteste gegen den israelischen Act vielen in der Wiener Stadthalle sehr moderat aus.]]> Kultur Sun, 17 May 2026 07:10:00 +0200 Sun, 17 May 2026 08:00:31 +0200 0 1307619 0 Dara holte sich in Wien die ESC-Trophäe. © APA/GEORG HOCHMUTH / GEORG HOCHMUTH GEORG HOCHMUTH Punk-Ikone Billy Idol wird für Lebenswerk geehrt https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/punk-ikone-billy-idol-wird-fuer-lebenswerk-geehrt https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/punk-ikone-billy-idol-wird-fuer-lebenswerk-geehrt Der britische Rocksänger Billy Idol soll bei den diesjährigen American Music Awards für sein Lebenswerk ausgezeichnet werden. Es sei eine „Anerkennung seiner unvergleichlichen Karriere, seines Gesamtwerks und seiner beispiellosen Beiträge zur Musik“, teilte der Veranstalter am Donnerstag (Ortszeit) mit. „Idols außergewöhnliche Karriere“ habe Musiker und Fans jahrzehntelang geprägt, hieß es weiter. redaktion@stol.it (dpa) Inbegriff des Mainstream-PunkDie Preise werden in Sparten wie Pop, Country, Hip-Hop, Rock und R&B vergeben. Die Nominierungen basieren auf Albumverkaufszahlen der Musiker, über die Gewinner können Fans im Internet abstimmen. In der Vergangenheit sind Musiker wie Diana Ross oder Rod Stewart für ihr Lebenswerk ausgezeichnet worden.

In den 80er Jahren galt Idol als Inbegriff des Mainstream-Punk. Mit seiner strohblonden Stachelfrisur und der hochgezogenen Oberlippe zählte er zu den bekanntesten Gesichtern im MTV-Zeitalter und lieferte zahlreiche Welthits wie „White Wedding“, „Rebel Yell“ oder „Sweet Sixteen“.]]> Kultur Fri, 15 May 2026 12:17:04 +0200 Fri, 15 May 2026 12:23:52 +0200 0 1307301 0 Billy Idol habe die Fans jahrzehntelang geprägt, hieß es. Zweites ESC-Halbfinale mit Schachteln und Schiffbruch https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/zweites-esc-halbfinale-mit-schachteln-und-schiffbruch https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/zweites-esc-halbfinale-mit-schachteln-und-schiffbruch Mehr Witz, mehr Bühnenaufbauten und mehr Finaltickets: Am Donnerstag ging die Song-Contest-Party in der Wiener Stadthalle in ihre zweite Runde und offenbarte neben zehn Acts wie Dänemark oder Australien, die ins Finale einzogen, auch eine größere Bandbreite an Showelementen. So wirkte das Moderationsduo Victoria Swarovski und Michael Ostrowski schon besser eingespielt, Vorjahressieger JJ durfte einen neuen Song performen und auch Cosmó erlebte sein ESC-Debüt. redaktion@stol.it (apa)
Selbes galt auch für Delta Goodrem aus Australien, deren radiotauglicher Popsong „Eclipse“ nicht nur ob der aufwendigen Inszenierung an ein Bond-Titelstück erinnerte. Da fuhr kurzerhand eine Hebebühne aus dem Klavier und bescherte der Sängerin einen würdigen und auch finaltauglichen Höhepunkt. Ein Knaller war auch der bulgarische Opener des Abends: Sängerin Dara absolvierte mit ihren Tänzerinnen und Tänzern eine schräg-intensive Wartezimmersitzung mit sehr kleinteiliger, aber ungemein mitreißender Choreografie.

Schon hier wurde deutlich: Das zweite Semifinale ist jenes der Schachteln. Gut ein Drittel der Acts setzte auf Inszenierungen, die zwar dem Publikum in der Halle ob aufgebauter Boxen teils die Sicht verstellten, aber tolle Fernsehbilder garantierten. Tschechiens Daniel Zizka unternahm etwa einen melancholischen Ausflug ins Spiegelkabinett („Crossroads“), während Aidan aus Malta den von pulsierenden Lichtstelen eingekreisten Romantiker gab („Bella“). Beide werden ihre gelungenen Shows im Finale wiederholen dürfen.

Energetisch ganz am anderen Ende der Skala hatte es sich Alexandra Capitanescu bequem gemacht, sorgte die Rumänin mit ihrer Band bei „Choke Me“ doch für harsche Töne zwischen Metal und Oper, was von einer düsteren Inszenierung mit Lack und Leder unterstrichen wurde. Für sie ging es ebenso ins Finale wie für Leléka aus der Ukraine, die dank „Ridnym“ barfuß und mit mystischen Klängen ein Ticket ersang.

Dass Rock'n'Roll heuer einen guten Stand hat, durfte Norwegens Jonas Lovv am eigenen, stark tätowierten Leib erfahren, versammelte sein gleichermaßen druckvolles wie simples „Ya Ya Ya“ doch genügend Jury- und Publikumsstimmen auf sich. Komplettiert wurden die Aufsteiger am Donnerstag von sommerlichem Mittelmeerpop aus Zypern (Antigoni lieferte bei „Jalla“ eine feurige Show ab) und Balkanbombast von Alis aus Albanien, der mit „Nân“ die Mütter in den Mittelpunkt rückte.

Aus für die Schweiz

So groß hier die Freude, so groß auf der anderen Seite die Enttäuschung bei jenen Acts, für die es nicht reichte. Schade war es um Veronica Fusaro aus der Schweiz, die mit „Alice“ eine coole Rocknummer inklusive Gitarrensolo in petto hatte, aber trotzdem nicht genügend Stimmen in ihrem Bühnennetz verfangen konnte. Der energetische Abgesang auf den Büroalltag von Simón aus Armenien („Paloma Rumba“) blieb genauso im Lift stecken wie Jivas einschläfernde Herzschmerzballade „Just Go“, für die die Aserbaidschanerin auf eine Inszenierung quasi verzichtete. Leider nicht hilfreich war das ätherisch-liebliche „Mother Nature“ für Luxemburgs Eva Marija, und Lettlands Atvara litt in „Ena“ trotz toller Stimme umsonst mit ihrem imaginierten jüngeren Ich.

Stichwort jung: Erst 17 Jahre zählt Frankreichs Monroe, womit sie die jüngste Teilnehmerin im diesjährigen Wettbewerb ist. Ungeachtet dessen wird ihr hervorragend intoniertes „Regarde“ sehr hoch eingeschätzt, was auch die Performance am Donnerstag unterstrich. In erster Linie durch Skurrilität sticht hingegen Look Mum No Computer hervor, ist der britische Beitrag „Eins, Zwei, Drei“ heuer doch eher in der Witzkiste verortet. Im Finale dabei ist er trotzdem.

Ebenjenes brachte JJ durch seinen Triumph in Basel im Vorjahr nach Wien. Nun durfte er auch erstmals bei seinem Heimspiel eingreifen und präsentierte mit der Ballade „Unknown“ einen neuen Song, der nicht nur seine bekannte Melange aus Pop und Oper offerierte, sondern zudem eine üppige Anzahl an Tänzern und Seilartistinnen. Diese standen auch dem Moderationsduo zur Seite, als sich Swarovski und Ostrowski zur Überbrückung der Stimmabgabe durch das ohne ESC-Kontext daherkommende „I'm so excited“ sangen und tanzten. Da wirkten ihre schunkelnde Walzereinlage oder die eingangs gesetzte Parodie auf „Wasted Love“ schon deutlich gelungener. Wenn schon Schiffbruch erleiden, dann lieber so. Die Segel für Samstag sind also gesetzt.]]> Kultur Fri, 15 May 2026 09:16:39 +0200 Fri, 15 May 2026 09:16:45 +0200 0 1307214 0 Er steigt für das Gastgeberland in den Ring: Cosmó mit seinem „Tanzschein“. © APA/HELMUT FOHRINGER / HELMUT FOHRINGER HELMUT FOHRINGER Isabella Rossellini wird beim Locarno Film Festival geehrt https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/isabella-rossellini-wird-beim-locarno-film-festival-geehrt https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/isabella-rossellini-wird-beim-locarno-film-festival-geehrt Die italienisch-US-amerikanische Schauspielikone Isabella Rossellini (73) wird am 79. Locarno Film Festival mit dem Excellence Award gewürdigt und die Auszeichnung am Eröffnungsabend auf der Piazza Grande entgegennehmen. „Sie ist eine visionäre und unvergleichliche Darstellerin und ein selbstironisches Genie“, schrieb der Künstlerische Festivalleiter Giona A. Nazzaro in einer Aussendung vom Donnerstag. redaktion@stol.it (apa)
Zu den Regisseuren, mit denen Rossellini zusammenarbeitete, zählen weiters Robert Zemeckis, David O. Russell oder die Taviani-Brüder. „Über eine außerordentliche, vielschichtige und jahrzehntelange Karriere hat Rossellini die technische Brillanz Hollywoods mit dem europäischen Geist künstlerischer Furchtlosigkeit vereint“, heißt es in der Aussendung. Vor ihrer Filmkarriere hatte sich Rossellini als Model einen großen Namen gemacht.

Den Excellence Award gibt es am Locarno Film Festival für Persönlichkeiten, deren Beiträge das zeitgenössische Kino geprägt haben. Zu den bisherigen Preisträgerinnen und Preisträgern gehören unter anderem Susan Sarandon, John Malkovich oder Willem Dafoe. Das 79. Locarno Film Festival findet vom 5. bis 15. August 2026 statt.]]> Kultur Thu, 14 May 2026 13:10:50 +0200 Thu, 14 May 2026 13:11:04 +0200 0 1307040 0 Isabella Rossellini wird in der Schweiz geehrt. © APA/AFP / ANGELA WEISS ANGELA WEISS Jüdisches ESC-Public Viewing als Kundgebung https://www.stol.it/artikel/kultur/juedisches-esc-public-viewing-als-kundgebung https://www.stol.it/artikel/kultur/juedisches-esc-public-viewing-als-kundgebung Die Jüdischen österreichischen HochschülerInnen (JöH) sehen sich gezwungen, ihre Public Viewing-Veranstaltung am Samstag anlässlich des Finales des Eurovision Song Contest (ESC) am Wiener Universitätscampus im Alten AKH als Kundgebung durchzuführen, um so vermehrten Polizeischutz zu erhalten. Hintergrund seien Drohungen gegen jüdische und israelische ESC-Fans, teilte die Organisation am Mittwoch in einer Aussendung mit. redaktion@stol.it (apa)
Trotz wochenlanger Bemühungen habe die Organisation von unterschiedlichen Stellen die Rückmeldung erhalten, dass es keine ausreichenden Kapazitäten gebe, um ein sicheres Public Viewing für jüdische Studierende abzusichern. „Das bedeutet im Klartext: Jüdische Studierende können aufgrund massiver Sicherheitsbedrohungen kein gewöhnliches ESC-Public-Viewing ausrichten, sondern sollen sich angesichts des Hasses hinter geschlossenen Türen verstecken“, hieß es. Dies sei „eine Schande und in Österreich im Jahr 2026 vollkommen inakzeptabel“

Die Jüdischen Hochschülerinnen und Hochschüler wollten sich aber „nicht einschüchtern und erst recht nicht aus der Öffentlichkeit verdrängen“ lassen. „Wir rufen alle solidarischen Menschen dazu auf, sich unserer Kundgebung gegen diese untragbare Situation lautstark anzuschließen und gemeinsam mit uns beim Protest-Public-Viewing das Finale des Eurovision Songcontest 2026 anzusehen“, so die JoH.]]> Kultur Wed, 13 May 2026 12:21:32 +0200 Wed, 13 May 2026 12:21:45 +0200 0 1306734 0 Jüdische HochschülerInnen warnen vor aufgeheizter Stimmung. © APA/AFP / TOBIAS SCHWARZ TOBIAS SCHWARZ Favoritensiege im ersten ESC-Halbfinale https://www.stol.it/artikel/kultur/favoritensiege-im-ersten-esc-halbfinale https://www.stol.it/artikel/kultur/favoritensiege-im-ersten-esc-halbfinale Die erste Schlacht des 70. Eurovision Song Contest von Wien ist geschlagen - und die prognostizierten gehören überwiegend auch zu den realen Gewinnern. redaktion@stol.it (apa)
Aber auch Israel schaffte es in die nächste Runde, während Belgien die Buchmacher Lügen strafte und sich überraschend, aber zu Recht den Aufstieg sicherte.


Eröffnet wurde der erstmals vom Duo Victoria Swarovski/Michael Ostrowski moderierte Musikreigen standesgemäß von Moldaus Pop-Rapper Satoshi und seinem Partykracher „Viva, Moldova!“ mit tanzenden Playmobil-Figuren als Hintergrundanimation. Damit war die Stimmung für den Abend gesetzt, die unmittelbar von der Schwedin Felicia aufgenommen wurde, die sich mit elektronischer Härte und wackelnder Stimme und „My System“ ihr Systemupgrade sicherte.


Die nach wie vor als Spitzenreiter gesehene finnische Combo aus Violine und Stimme, Linda Lampenius & Pete Parkkonen, löste wie fix erwartet mit ihrer Melange aus elektronischem Dramapop und klassischen Violineinsprengseln sowie minimalistischer Inszenierung bei „Liekinheitin“ das Finalticket.

Ohne Violine, dafür mit einer der besten Stimmen des Bewerbs, überzeugte Israels Kandidat Noam Bettan. Rau, markant und erotisch intoniert brachte „Michelle“ einen Platz unter den Top Ten - ungeachtet der aufgeheizten Diskussion um Israels Teilnahme trotz des Gazakrieges und vereinzelter Zwischenrufe in der Halle.


Der letzte Startplatz bedeutete für die serbische Düsterrockband Lavina durchaus Glück oder zumindest einen Platz im Finale, auch wenn das depressivere „Kraj mene“ nicht nach Glück klingt. Entgegen der Wettquoten wurde für Belgiens Kandidatin Essyla, die mit hartem Beat Pop modernen Zuschnitts lieferte, ihr „Dancing on the Ice“ keine Rutschpartie, sondern ein sanftes Gleiten ins Finale.


Litauens Lion Ceccah kam bei „Sólo quiero más“ mit seiner Mischung aus technoider Ästhetik und hoher Dramatik nach langen Probentagen zwar an das Ende seiner Stimme, aber noch nicht an jenes seiner ESC-Reise. Vor allem mit ihrer Stimme überzeugte hingegen wohl Polens Alicja, deren „Pray“ anfangs einer souligen Gebetsstunde gleicht, die dann in undefinierbaren Rap abbiegt, aber dennoch genügend Stimmen auf sich vereinte.


Und schließlich erbrachte der protofeministisch-mystische Folklorebombast des kroatischen Frauenquintetts Lelek bei „Andromeda“ am Ende ein Aufstiegsticket - während das Pendant der Balkan-Damen, das portugiesische Männerquintett Bandidos do Cante mit „Rosa“, in Opas alter Joppe und mit Fado-Fadesse nicht genügend Stimmen auf sich vereinte.


Georgiens als Gelbe Engel verkleidetes Trio Bzikebi verkündete zwar „On Replay“, bekam aber kein Replay, sondern muss trotz guter Nummer aber mutmaßlich dank fehlender Stimmen die Heimreise antreten. Und auch Estlands Trio Vanilla Ninja brachte die Dreieinigkeit kein Glück. „Too Epic To Be True“ hieß bei den Damen am Ende „Too Epic To Be In The Final“.


Keinen Hit landete Senhit aus San Marino, obwohl sie bei „Superstar“ einen ebensolchen an Bord hatte, nämlich 80er-Ikone Boy George. Für die sympathische Disconummer gab es kein Foto - äh Finalticket. Und unter den Elektronummern des Abends musste letztlich Tamara Živković aus Montenegro mit „Nova zora“ das Tal der Tränen beschreiten.]]> Kultur Wed, 13 May 2026 06:53:00 +0200 Wed, 13 May 2026 08:06:09 +0200 0 1306641 0 Die nach wie vor als Spitzenreiter gesehene finnische Combo aus Violine und Stimme, Linda Lampenius & Pete Parkkonen. © APA / GEORG HOCHMUTH GEORG HOCHMUTH Über Stille, Allergien gegen Fehlpässe und die Unsterblichkeit von Steinen https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/ueber-stille-allergien-gegen-fehlpaesse-und-die-unsterblichkeit-von-steinen https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/ueber-stille-allergien-gegen-fehlpaesse-und-die-unsterblichkeit-von-steinen Leider kommt die Höflichkeitsform zunehmend aus der Mode. In der Arbeitswelt, in der Freizeit, im Privaten sowieso. Wenn sich zwei Fußballspieler von Real Madrid aber zufällig im Wald treffen, wo sie als zwei zarte Pflanzen aus dem Kunstrasen wachsen, dann Siezen sie sich, obwohl sie in derselben Mannschaft – der eine als Stürmer, der andere im Mittelfeld – spielen. Georg Aichner rezensiert das Stück „Zwei Herren von Real Madrid“. redaktion@stol.it (splus)



Die beiden Männer konterkarieren die testosteronschwangere Fußballerwelt, indem sie ausgesprochen höflich miteinander sprechen. Mit Fliege und weißem Sakko – Real Madrid, das „Weiße Ballett“ – erinnern sie eher an Opernsänger als an Sportler. Sobald die kurz behosten Beine sichtbar werden, weisen sie diese dann doch als Fußballer aus. Wie der Stürmer (Olivier Günter) und der Mittefeldspieler (Ludwig Wendelin Weißenberger) aber ansonsten miteinander reden und vor allem worüber, dürfte auf Fußballplätzen und in Spielerkabinen wohl eher die Ausnahme sein: über die Stille, das Zusammen-schweigen-Können, über den Film „Drei Nüsse für Aschenbrödel“ und – über das Sterben.


„Hätten Sie Lust zu Weihnachten zu uns zu kommen?“, fragt der Stürmer schließlich zwischen Waldgesprächen und schwungvollem Training, welches Kratzer die beiden auf dem schiefen Kunstrasen mit Wembley-Stadion-Bogen (Bühnenbild von Thomas Garvie) absolvieren lässt. Doppelpässe, Flanken, Torschüsse und Kopfbälle sind ein lustiges Feuerwerk an guten Einfällen und gleichzeitig ein vorsichtiges Sich-näher-Kommen. Der Weihnachstabend in Glitzergarderobe und Moon Boots gerät zum launigen Fest, mit der Mutter (unglaublich witzig: Christiane Warnecke) als größtem Fan des neuen Freundes ihres Sohnes: „Wenn jemand so gute Pässe spielt, braucht er nicht den Plural von Espresso zu kennen.“ Als die Mutter schließlich wegen einer Bananenallergie an einem Bananenbrot stirbt, und die Schauspielerin Warnecke gleich darauf als Scientology-Priesterin erscheint, um sich gewissermaßen selbst zu begraben, ist das zum Brüllen wie die Beerdigungsszene insgesamt. Für die Handlung erschließt sich der Friedhofs-Klamauk erst später, wenn es nochmals ums Sterben geht.




Während sich die Mannschaftskameraden mehr und mehr annähern, indem sie zusammen „Killing me softly“ hören und sich gegenseitig Komplimente machen: „Sie haben schöne Augen, vor allem, wenn Sie mich ansehen“, und es zu einem ersten Kuss kommt („Was war zuerst da? Der Geschlechtsverkehr oder die Romantik“?), steuert die Handlung dem eigentlichen Höhepunkt entgegen: einer Pressekonferenz. Hier zeigt sich Kratzers Ideenreichtum, die Vielseitigkeit der Schauspielerinnen (Warnecke als Reporterin und Karoline Breschar als Moderatorin und Fluglinieninfluenzerin), die Absurdität des Fußballbetriebes in seiner übertriebenen Bedeutung für unsere Gesellschaft und vor allem zeigt sich, dass der Fußballer Sergio Ramos ein Philosoph ist. Zusammen mit den beiden anderen Fußballern stellt er sich den Fragen der Presse, die sich zunächst in erster Linie für das junge queere Paar interessiert: „Werden Sie sich nach einem Tor küssen?“


Bis schließlich Sergio Ramos mit seinem Monolog über das Sterben übernimmt. Der Welt- und Europameister und langjährige Kapitän von Real Madrid hat sich vor allem mit seiner Härte, die zuweilen an Brutalität grenzte, einen Namen gemacht. Nachdem er mit seiner Familie auf Urlaub in Athen!!! war und auf der Akropolis einen Stein berührte, wird ihm, dem „Galaktischen“, auf einmal seine eigene Sterblichkeit bewusst. Die Schlussfolgerung, dass er im Gegensatz zu Stein, Akropolis und Sonne sterblich sei, weil die schon viel länger da sind, und er eben kein Stein sei, bringt ihn zum Weinen. Mehr kindliche Naivität über die Erkenntnis sterben zu müssen, geht nicht. Markus Weitschacher als Ramos ist einfach nur herzerweichend köstlich! Dass er ein Bild der Akropolis als Tattoo auf der Stirn trägt, tut ein Übriges, hat doch der richtige Sergio Ramos sämtliche Tätowierungen aller Matrosen dieser Welt auf seinem Körper vereinigt.




Der Wechsel des Stürmers nach Paris gerät angesichts solch philosophischer Gedanken fast zur Nebensache. Für die Beziehung mit dem Mittelfeldspieler ist sie natürlich eine Belastung. Ebenfalls rührend ist der schüchterne Abschied am Flughafen, in der die beiden Fußballer noch Geschenke austauschen: eine Stange Zigaretten, Blumen, eine Nagelschere. „Beim Nägelschneiden werde ich an Sie denken.“Auf die Frage nach der Ablösesumme des Freundes, die 150 Millionen Euro beträgt, kommt ein süßes: „Für mich sind Sie unbezahlbar!“
Die Idee, die Zartheit zweier Seelen in die harte Fußballerwelt zu verpflanzen, ist großartig. Vor allem weil es der Inszenierung gelingt, hinter all der Absurdität Menschliches zu zeigen. Ob sich die Oberflächlichkeit des Profifußballs so viel Tiefgründigkeit verdient, ist allerdings eine andere Frage.


Termine: 14., 15., 17., 20., 23., 24. und 27. Mai –
Beginn: 20 Uhr, sonntags 18 Uhr – Stadttheater Bruneck]]> Kultur Tue, 12 May 2026 17:20:51 +0200 Tue, 12 May 2026 17:21:04 +0200 1 1306569 1 Zwei Herren begegnen sich im Wald. Beide sind Profifußballer bei Real Madrid – der eine spielt im Mittelfeld, der andere im Sturm... © erika Mayer erika Mayer Kuba wird zum „Vorposten des Kreml“ https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/kuba-wird-zum-vorposten-des-kreml https://www.stol.it/artikel/kultur/bildung/kuba-wird-zum-vorposten-des-kreml Frühjahr 1961: Nachdem Kuba sich mit der Sowjetunion arrangiert hatte, müssen die USA eingreifen. Präsident Kennedy zögert, aber die CIA drängt auf eine Invasion. Das Desaster in der Schweinebucht nimmt seinen lauf, die Welt hält den Atem an... redaktion@stol.it (eva)
Zwischen Kuba, jener Insel, die nur etwa 150 km vor Florida liegt, und den USA hat es immer besondere Beziehungen gegeben. Mit der „Befreiung“ im amerikanisch-spanischen Krieg 1898 war Kuba in völlige Abhängigkeit von Washington geraten.




Präsident war von 1940 bis 1949 und wieder seit 1952 – nach einem Militärputsch – Fulgencio Batista. Seine einzige Stütze war die Armee, die von den USA ausgerüstet wurde. Ein erster Versuch Fidel Castros, Batista am 26. Juli 1953 zu stürzen, scheiterte zwar, aber als Mitte der fünfziger Jahre erkennbar wurde, dass Batista mehr und mehr zu einem sich selbst bereichernden und korrupten Diktator wurde, ließen die USA ihn fallen. Wenig später war alles zu Ende. Nach einem Generalstreik flüchtete Batista Neujahr 1959; am 2. Januar wurden Havanna und Santiago eingenommen, am 8. Januar zog Fidel Castro in Havanna ein und wurde dort von einer großen Menschenmenge jubelnd empfangen. Ein langer Kampf war siegreich beendet worden.



Anfangs genoss der „Maximo Lider“ Castro sogar in der amerikanischen Öffentlichkeit ein gewisses Ansehen; für viele Amerikaner war er eine romantische Figur. Das änderte sich, als amerikanischer Besitz entschädigungslos enteignet wurde.

In gleichem Maße, wie das Misstrauen in Washington mit Blick auf Kuba stieg, zeigte Moskau Interesse an der Insel. Am 4. Februar 1960 wurde ein sowjetisch-kubanisches Handelsabkommen unterzeichnet, und Sowjetführer Chruschtschow erklärte die von US-Präsident Monroe 1821 verkündete Doktrin – „Amerika den Amerikanern“ – öffentlich für tot. So schaukelten sich die Dinge zwischen Havanna, Washington und Moskau langsam, aber sicher hoch.

Im Mai 1960 nahmen Kuba und die Sowjetunion offizielle diplomatische Beziehungen auf. Die USA reagierten mit einem Handelsembargo, stoppten den Import von kubanischem Zucker und die Lieferung von Öl. Die Sowjetunion sprang ein, verpflichtete sich zum Kauf von 700.000 Tonnen Zucker jährlich bis hin zur gesamten Zuckerernte Kubas; sowjetische Tanker brachten Öl nach Kuba. Als die Firmen Shell, Esso und Texaco sich weigerten, dieses Öl zu raffinieren, verstaatlichte Castro die Raffinerien. Bis Oktober 1960 wurde dann der gesamte amerikanische Besitz auf der Insel in Höhe von etwa 850 Millionen Dollar – nach heutiger Rechnung etwa 7 Milliarden Dollar – entschädigungslos enteignet.

Am 2. Januar 1961 brachen die USA die diplomatischen Beziehungen mit Kuba ab. Aus dem „Hinterhof der USA“ war ein Vorposten des Kreml geworden, für Washington eine unerträgliche Situation, die beseitigt werden musste.

Invasionsplan der CIA


Bereits am 17. März 1960 hatte Präsident Eisenhower die geheime CIA-Operation „Zapata“ – benannt nach der Halbinsel auf Kuba (mit der Schweinebucht) – für eine Invasion Kubas gebilligt. Der Plan sah die Eroberung eines Strandabschnitts in der Nähe der Stadt Trinidad an der Südküste Kubas vor. B-26 Bomber sollten die Luftherrschaft in diesem Bereich gewinnen und die Nachschub- und Operationswege der Kubaner zerstören. Eine in Miami gebildete Exilregierung sollte eingeflogen werden und die USA dann offiziell um Hilfe bitten. Die CIA, die dafür in Guatemala Exilkubaner ausbildete, war davon überzeugt, dass bei einer Landung ein Aufstand der Bevölkerung gegen Castro beginnen werde.

Kennedy zögert – und gibt dann grünes Licht


Nur zehn Tage nach der Amtseinführung des neuen Präsidenten John F. Kennedy am 20. Januar 1961 drängte CIA-Direktor Allen Dulles auf schnellen Beginn der Operation.



Würde man weiter zögern, könnte sich Castro besser gegen eine Invasion und einen Aufstand im Inneren vorbereiten. Kennedy zögerte. Würde er das Unternehmen abblasen, würde er öffentlich als „appeaser“ dastehen, der ein bereits von Eisenhower initiiertes Unternehmen abgelehnt hätte. Würde er auf der anderen Seite einer groß angelegten Operation unter Beteiligung der USA zustimmen, würde dies zu massiven Protesten in ganz Lateinamerika, Europa und Asien führen; die neue Administration wäre mit einem Schlag diskreditiert. Andererseits faszinierte ihn die Idee, das Castro-Regime zu beseitigen.


Am liebsten hätte er eine Aktion der Exilkubaner in der Form gesehen, dass sie sich zunächst in den Bergen verschanzt hätten und dann öffentlich als kubanische Gruppe in Kuba zu erkennen gewesen wären, „und nicht als eine Invasionstruppe, die die Yankees geschickt haben“. Der CIA-Plan war ihm „zu spektakulär“; er ließ ihn zur Prüfung den Militärs vorlegen. Die waren an den CIA-Planungen nicht beteiligt worden, sprachen denn auch nur von einer „fairen Erfolgschance“. In deren Verständnis hieß das „weniger als 50 Prozent“– was Kennedy allerdings verschwiegen wurde.




Kennedy wies die CIA dann an, die Sache mit etwas weniger Aufwand anzugehen, worauf die CIA einen etwas modifizierten Plan vorlegte: Landung am frühen Morgen in der abgelegenen Schweinebucht (bay of pigs) mitten in den Zapata-Sümpfen rund 130 Kilometer westlich von Trinidad. Kennedy war immer noch nicht überzeugt. Er akzeptierte die Grundidee dieses neuen Plans, allerdings hielt er nichts von einer Landung am frühen Morgen: „Damit die Sache wie eine Guerillaaktion aussieht, sollen die Schiffe am frühen Morgen verschwunden sein.“

Fehler und Versäumnisse: die Invasion scheitert


Zur Vorbereitung der Invasion bombardierten am Samstag, dem 15. April 1961, acht amerikanische B-26-Flugzeuge drei kubanische Flugplätze. Es war der Beginn eines perfekten Fehlschlages. Die Bomber waren mit kubanischen Hoheitszeichen versehen worden, um so den Anschein einer kubanischen Gegenrevolution zu erwecken. Die B-26 zerstörten nur fünf der 36 kubanischen Kampfflugzeuge, die Castro zur Verfügung hatte. Die wiederum reichten aus, um die etwa 1.500 Exilkubaner der Brigade 2506 zu vernichten, die am 17. April von ihren Ausgangslagern in Guatemala kommend in der Schweinebucht unter dem Kommando von zwei CIA-Agenten landeten. Ihre beiden Munitionsschiffe wurden aus der Luft versenkt.


Ursprünglich sollte die Landung am 17. April mit einem zweiten B-26-Luftangriff unterstützt werden. Doch Kennedy sagte Nein. Die B-26 der Exilkubaner sollten erst ins Geschehen eingreifen, wenn die Brigade eine Start- und Landebahn auf Kuba unter ihre Kontrolle gebracht habe. Auf diese Weise würde die Beteiligung der USA weniger offensichtlich sein.


Am 18. April wurde Kennedy über die kritische Situation in der Schweinebucht informiert. Als er vorschlug, die Guerillakämpfer sollten sich in die Berge im Hinterland zurückziehen, erfuhr er erstmals, dass das wegen der undurchdringlichen Sümpfe nicht möglich war. Daraufhin autorisierte er, dass zwei amerikanische Jets – nach Entfernung der Markierung US Air Force – die B-26 bei ihrem Angriff unterstützen sollten. Die amerikanischen Jets tauchten dann allerdings eine Stunde vor Eintreffen der B-26 auf: Deren Piloten hatten nicht berücksichtigt, dass Guatemala und Kuba in verschiedenen Zeitzonen liegen. Die B-26 wurden dann von Castros Luftwaffe und Luftabwehr abgeschossen.


Am Mittag des 19. April 1961 war alles vorbei. 104 Exilkubaner waren tot, nur 14 wurden von der US-Marine gerettet. Einen Aufstand gegen Castro gab es nicht.



Ein Jahr später legte der CIA-Generalinspekteur Lyman Kirkpatrick einen bis 1998 geheim gehaltenen Bericht über das Desaster vor.
Kirkpatrick kam zu dem Schluss, dass die Aktion „lächerlich oder tragisch oder beides“ gewesen sei. Dann zählte er eine fast endlose Reihe von Fehlern und Versäumnissen auf: die CIA-Agenten, die die Aktion leiteten, sprachen nur zu einem geringen Teil spanisch, behandelten aber gleichzeitig die ihnen untergebenen Freiwilligen „wie Dreck“. Ein Aufstand in Kuba sei „reines Wunschdenken“ gewesen. Es sei Pflicht der CIA und der Militärs gewesen, dem Präsidenten zur Absage der Aktion zu raten.


Die etwa 1.200 Exilkubaner, die gefangen genommen wurden, wurden später zu 30 Jahren Haft verurteilt und erst im Dezember 1962 im Austausch gegen Nahrungsmittel und Medikamente freigelassen. Das Geld dafür stellten ihre Angehörigen zur Verfügung, nicht etwa die US-Regierung.

Vorbereitungen für eine erneute Invasion


Kennedy war ein Mann, der Niederlagen nicht so einfach akzeptierte; sein Bruder Robert noch weniger. Denn trotz – oder wegen – des Desasters in der Schweinebucht war Kennedy jetzt mehr denn je entschlossen, das Castro-Regime zu beseitigen. So genehmigte er im November 1961 die von seinem Bruder geleitete Operation „Mongoose“ (Mungo): verdeckte Operationen zur Vorbereitung eines Aufstandes gegen Castro, gegebenenfalls auch seine Ermordung. „Mongoose“ war nicht die Angelegenheit einiger rechter Extremisten, wie uns Oliver Stone in seinem Film über Kennedy weismachen will, im Gegenteil: Es wurde die bis dahin größte Geheimoperation in der Geschichte der CIA mit etwa 400 Agenten und einem Jahresbudget von über 50 Millionen Dollar. In Moskau und Havanna verstärkte sich der richtige Eindruck, dass es früher oder später zu einer Invasion Kubas durch die USA kommen werde.

Die Kubakrise 1962 und neue Invasionspläne


Im Oktober 1962 entdeckten die Amerikaner dann sowjetische Atomraketen auf der Insel. Anschließend stand die Welt 13 Tage am atomaren Abgrund. Am Ende bauten die Sowjets die Raketen wieder ab – gegen die amerikanische Zusage: keine Invasion. Die sollte allerdings nicht für alle Zeiten gelten. Als Castro 1975 60.000 Soldaten in den Bürgerkrieg nach Angola und Mosambik schickte, meinte US-Außenminister Henry Kissinger: „Wir können nicht dulden, dass eine kubanische Armee quer durch Afrika marschiert.“


Und zu Präsident Gerald Ford im Beisein von Verteidigungsminister Donald Rumsfeld: „Ich denke, wir müssen Castro erledigen.“ Ford stimmte zu. („I agree.“) Entsprechende Invasionspläne wurden dann allerdings durch den Wahlsieg von Jimmy Carter gestoppt.

Kuba blieb für die USA das, was der Sprecher des außenpolitischen Senatsausschusses, J. William Fulbright, 1961 zu Kennedy gesagt hatte: „Ein Stachel im Fleisch, aber kein Dolch im Herzen“. Versuche der CIA, Castro zu töten, scheiterten allerdings. Mit 90 Jahren starb er 2016 eines natürlichen Todes. Seit einigen Wochen steht Kuba jetzt auf der „Wunschliste“ von Donald Trump. Da weiß man nie was kommt.




Buchtipp:
Rolf Steininger, Die Kubakrise, München 2011, 173 Seiten (oder Kurzfassung der Landeszentrale für politische Bildung, Erfurt 2017, 47 Seiten)]]> Kultur Tue, 12 May 2026 14:18:03 +0200 Tue, 12 May 2026 14:18:04 +0200 0 1306500 1 Fidel Castro warf Kennedy am 16. April 1961 Flugzeugangriffe auf drei kubanische Städte im Morgengrauen vor. Tags darauf begann die Invasion in der Schweinebucht. © wikipedia Commons wikipedia Commons 150 Jahre MGV Bozen: „Ein Unikum mit Tradition“ https://www.stol.it/artikel/kultur/150-jahre-mgv-bozen-ein-unikum-mit-tradition https://www.stol.it/artikel/kultur/150-jahre-mgv-bozen-ein-unikum-mit-tradition Vor genau 150 Jahren gegründet, feiert der Männergesangverein Bozen am heutigen 12. Mai sein 150-jähriges Bestehen. Heute ist der Verein ein völlig anderer „und ein Unikum“, wie Obmann Andreas Albarello sagt. Aber auch wenn die musikalischen Ansprüche gestiegen sind und die Anzahl der Sänger gesunken ist, ist eines doch gleich geblieben: die Freude, gemeinsam Spaß zu haben und gute Musik zu machen. redaktion@stol.it (em) Der MGV Bozen feiert heuer sein 150-Jahr-Jubiläum. Ist so viel Tradition Bürde oder Freude?
Andreas Albarello: Es überwiegt die Freude. Sicher ist ein Jubiläumsjahr immer auch zeit- und arbeitsintensiv für Mitglieder und Vorstand. Aber es ist ein positiver Stress für alle Beteiligten. Ich habe bei den Proben zu unseren Jubiläumskonzerten nur freudige und erwartungsfrohe Gesichter gesehen.



Frohe Gesichter, die es am Gründungstag des Männergesangvereins auch gegeben hat?
Albarello: Über das genaue Gründungsdatum gehen die Meinungen auseinander. Fest steht, dass sich am 11. Mai 1876 die Mitglieder der damaligen Bozner Liedertafel im ehemaligen Gasthof „Schgraffer“ zusammengesetzt und den Männergesangverein Bozen aus der Taufe gehoben haben. Ob die Entscheidung vor oder nach Mitternacht gefallen ist, ist offen. Offiziell wurde der Gründungsakt am 12. Mai 1876 hinterlegt. Insofern ist laut Archiv dieser Tag die offizielle Geburtsstunde des MGV.

Heute sorgt der MGV immer wieder für Verwirrung beim Publikum, wenn, wie am Wochenende bei den Konzerten, Frauen auftreten.
Albarello: Diesbezüglich ist der MGV zweifelsohne ein Unikum im Land. Dass es im MGV einen Frauenchor gibt, hat geschichtliche Gründe. In den 1970er-Jahren gründete der MGV Bozen eine der ersten Musikschulen in der Stadt Bozen. Aus dieser entstand ein Mädchenchor, der immer auch bei den Konzerten des Männergesangvereins auftrat. Aus den Mädchen sind Frauen geworden. Seit rund zehn Jahren treten Männer und Frauen so gut wie nur mehr in gemischter Formation auf.


Fehlt es dem MGV mittlerweile an Männern?
Albarello: In den vergangenen 20 Jahren ist es immer schwieriger geworden, Männer zum Singen zu animieren. Die Freizeitaktivitäten haben sich stark verändert und v.a. Männer stark in ihren Bann gezogen. Zudem will sich kaum mehr jemand zur wöchentlichen Chorprobe verpflichten – unabhängig ob Mann oder Frau.

Und früher wurde wohl allgemein mehr gesungen – auch außerhalb eines Chores.
Albarello: Fakt ist, dass bei den Chören im Land eine starke Professionalisierung stattgefunden hat. In den vergangenen 15 Jahren ist in den allermeisten Chören die Musik zur Haupt-, das Vereinswesen zur Nebensache geworden. Dadurch fühlen sich wohl vermehrt nur jene Menschen angesprochen, die ernsthaft Musik machen wollen. Einfach singen um des Singens Lust, egal wie es klingt, ist in den Hintergrund getreten.


Das heißt, auch der MGV ist heute ein völlig anderer Chor als bei seiner Gründung?
Albarello: Absolut. Er hat sich musikalisch gesteigert und weiterentwickelt. Dadurch sind natürlich auch Sängerinnen und Sänger ausgestiegen.

Muss man umdenken, um wieder neue Sängerinnen und Sänger zu gewinnen?
Albarello: Nicht unbedingt. Im Vordergrund soll der Spaß stehen. Wenn es nur mehr darum geht, Noten und Takte zu pauken, geht die Freude verloren. Niemand will sich das nach einem strengen Arbeitstag auch in der Freizeit noch antun. Den Spagat zwischen klanglicher Qualität bei gleichzeitigem Spaß zu schaffen, ist sicher eine Herausforderung. Ich bin aber zuversichtlich, dass immer wieder Menschen den Weg zu uns finden, denen es darum geht, gemeinsam gute Musik zu machen – und sich nach Probe oder Konzert in geselliger Runde zusammenzusetzen. Denn auch das gehört nach wie vor zur guten Tradition des MGV Bozen.]]> Kultur Tue, 12 May 2026 13:17:02 +0200 Tue, 12 May 2026 13:20:50 +0200 1 1306503 0 Mit dem „Lobgesang“ von Felix Mendelssohn Bartholdy hat der MGV Bozen zusammen mit VocalArt Brixen und dem Amarida Ensemble am Wochenende den ersten Akt im Jubiläumsjahr gefeiert (im Bild das Konzert am Sonntag in der Stiftspfarrkirche von Gries). Heinz Peter Geißler: „Ich schreibe, ohne zu wissen, was am Ende herauskommt“ https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/heinz-peter-geissler-ich-schreibe-ohne-zu-wissen-was-am-ende-herauskommt https://www.stol.it/artikel/kultur/literatur/heinz-peter-geissler-ich-schreibe-ohne-zu-wissen-was-am-ende-herauskommt Am Wochende ging die 18. Ausgabe des traditionsreichen Lyrikpreises Meran zu Ende. Aus den über 300 Einsendungen, nach den Lesungen der neun Finalistinnen und Finalisten und den spannungsvollen Gesprächen zum zeitgenössischen Gedicht wurden die drei Preise vergeben: der Hauptpreis ging an Heinz Peter Geißler (D), der Alfred-Gruber-Preis an Verica Trickovic (Mazedonien, D) und der RAI Medien-Preis an Hartwig Mauritz (A). redaktion@stol.it (splus) „wie ein Haus eine Maus“ und der an einer Stelle schreibt: „Es gibt Sätze, die ich gar nicht erst sag“ hatte etwas zu sagen...Von Ferruccio Delle Cave




Herr Geißler, Sie sind nun Träger des Meraner Lyrikpreises 2026. Bei der Preisverleihung habe ich Sie beobachtet und es schien mir, dass Sie von der Entscheidung der Jury überrascht worden seien?
Heinz Peter Geißler: Insgeheim habe ich es schon erwartet, in Meran einen Preis davontragen zu können. Auch die Rückmeldung eines Jurors zu meiner Lesung und zu meinen Gedichten war für mich mehr als ermunternd. Da fing ich an die Sache zu glauben, beruhigte mich aber gleich wieder und sagte zu mir, wart mal ab.


Werden Sie im Segment Lyrik weiterarbeiten? Oder changieren Sie zwischen Lyrik und Prosa?
Geißler: Interessant ist, dass, wenn ich mir vornehme ein Gedicht zu schreiben, das wäre für mich viel zu pathetisch, viel zu viel! So funktioniert es bei mir auch nicht. Ich schreibe, ohne zu wissen, was am Ende herauskommt. Auch diese Gedichte sind im Laufe mehrerer Jahre entstanden, zuerst als Prosa, dann als Gedicht. Dann redigiere ich den Text und schau, was kann ich damit machen. Die Texte kommen aus der Prosa und sind aber dann eindeutig Gedichte. Als ich 2022 den Schwäbischen Literaturpreis bekam, war es tatsächlich andersherum. Da schrieb ich ein langes Gedicht und daraus entstand dann am Ende Prosa. So ist es bei mir tatsächlich oft.


Eine letzte Frage: Wie lange arbeiten Sie schon mit Literatur? Von der Literatur leben zu könne, ist so einfach nicht?
Geißler: Es fing schon seit Jugendzeiten bei mir an. Ich habe als Kind schon Romane und Kurzerzählungen geschrieben, die zum Teil, wenn ich sie wieder anschaue, wunderschön sind. So begann meine literarische Tätigkeit, die ich auf jeden Fall auch so weiterführen will.

Zur Person Heinz Peter Geißler

Er studierte Philosophie an der Hochschule für Philosophie München mit Abschluss M. A. Er lebt in München und Cormoret/Schweiz und ist freiberuflich als Lektorats- und Redaktionsmitarbeiter für verschiedene Verlage tätig; unter der Namensvariante Peter Geißler veröffentlichte er Kinderbücher. 1997 erhielt er das Literaturstipendium der Landeshauptstadt München. 2022 gewann er mit seiner Kurzerzählung Unsere berühmte argentinische Stille den Schwäbischen Literaturpreis zum Thema „Lost Places. Verlorene Orte“.

Lyrik und Prosa (Auswahl)

Ich geh mir einen Vogel fangen. u. a. Engeler, Schupfart 2021;
grüne Tiefe. Engeler, Schupfart 2022,
schwarz das Fell die Schuppen die Haut. Engeler, Schupfart 2024;
ich lieg in deiner Hand drin. Klingental, Basel 2025. ]]> Kultur Mon, 11 May 2026 14:34:41 +0200 Mon, 11 May 2026 14:35:06 +0200 1 1306272 1 Heinz Peter Geißler hoffte insgeheim auf den Preis. © Lyricpreis Meran Lyricpreis Meran Nobelpreisträger fordert Sanktionen gegen Regime in Belarus https://www.stol.it/artikel/kultur/nobelpreistraeger-fordert-sanktionen-gegen-regime-in-belarus https://www.stol.it/artikel/kultur/nobelpreistraeger-fordert-sanktionen-gegen-regime-in-belarus Der belarussische Friedensnobelpreisträger Ales Bialiatski hat sich für die Beibehaltung von EU-Sanktionen gegen das Regime von Alexander Lukaschenko ausgesprochen. Diese seien das zentrale Druckmittel, sagte der seit Dezember in Oslo im Exil lebende Menschenrechtler im APA-Gespräch am Rande des Journalismusfestes Innsbruck. Zugleich verwies er auf weiterhin tausende politische Gefangene in Belarus. redaktion@stol.it (apa)
Die Freilassung politischer Gefangener sei zwar positiv zu bewerten, ändere aber nicht die politische Lage in Belarus. „Auch wenn es mich freut, frei zu sein, sollte weiterhin versucht werden, durch Sanktionen eine Demokratisierung des Regimes anzustreben“, erklärte der Literaturwissenschaftler. Die Freilassung von Gefangenen zu erwirken, ohne eine strukturelle Veränderung herbeizuführen, bringe jedenfalls wenig. Belarus solle dabei nicht mit Russland gleichgesetzt werden, betonte er. Es handle sich um ein eigenes Land und eine eigene Politik, auch wenn das Lukaschenko-Regime stark von Moskau abhängig sei.

„System, in dem es nichts Demokratisches mehr gibt“

Bialiatski sprach von einem autoritären System, in dem es „nichts Demokratisches mehr“ gebe. Lukaschenko habe Russland im Krieg gegen die Ukraine zudem immer unterstützt und auch die belarussische Industrie arbeite für entsprechende militärische Zwecke. Selbst Gefangene müssten für den Krieg arbeiten, berichtete der Menschenrechtler. Die EU müsse daher weiter Druck ausüben und zugleich darauf achten, dass Sanktionen nicht die belarussische Bevölkerung, sondern Lukaschenko und sein Regime treffen.

Wichtig sei, dass Belarussinnen und Belarussen weiterhin Visa erhalten und in die EU reisen könnten, sagte Bialiatski. Auch Studienmöglichkeiten in Europa und Unterstützung für demokratische Kräfte im Exil seien notwendig. Viele Regimegegnerinnen und Regimegegner lebten heute in Litauen, Polen oder anderen europäischen Ländern. Er selbst arbeite derzeit zwischen Oslo, Vilnius und Warschau und suche Gespräche mit belarussischen Aktivisten, politischen Akteuren und internationalen Organisationen.

Für junge Menschen in Belarus sah Bialiatski kaum Möglichkeiten zu offenem politischem Engagement. „Die jungen Leute in Belarus befinden sich natürlich unter Druck. Es gibt auch Angst“, sagte er. Sichtbare Aktivität könne Haft zur Folge haben. Zudem verwies er darauf, dass in Belarus derzeit rund 30 Journalisten inhaftiert seien. Bereits ein falsches „Like“ in sozialen Medien könne indes zu ein bis zwei Jahren Gefängnis führen, betonte Bialiatski.

Nach seiner Freilassung müsse er sich weiterhin an ein normales Leben gewöhnen, berichtete der 63-Jährige. In den ersten Monaten sei schon ein Supermarktbesuch in Oslo ungewohnt gewesen. Er habe alle Lebensmittel im Supermarkt haben wollen, weil sie ihm in der Haft gefehlt hätten. Seine Frau habe ihn jedenfalls bremsen müssen, scherzte Bialiatski. Auch Auftritte vor großem Publikum - wie am Samstag am Journalismusfest in Innsbruck - seien nach Monaten der Isolation eine Herausforderung.

In der Haft habe er lange kaum Kontakt zu anderen Menschen gehabt, sagte er. Während er bei seiner ersten Haftzeit von 2011 bis 2014 noch viele Briefe erhalten habe, sei beim zweiten Mal nur ein Brief seiner Frau zu ihm durchgedrungen. Dennoch habe er seinen Weg nicht infrage gestellt, sagte Bialiatski: „Ich war immer guter Dinge und habe nie an meinem Weg gezweifelt - ab und zu war ich aber traurig.“

Anwaltschaft für die Menschenrechte und Demokratie

Der langjährige Aktivist kündigte an, seine Arbeit für Menschenrechte und Demokratie fortzusetzen. „Ich betreibe sozusagen eine Anwaltschaft für die Menschenrechte und Demokratie in Belarus“, sagte er. Darüber hinaus wolle er horizontale Verbindungen zwischen demokratischen Aktivisten und Menschenrechtsorganisationen in Europa stärken. Internationale Unterstützung sei wichtig, den Wandel müssten schlussendlich aber die Belarussen selbst herbeiführen.

Bialiatski erhielt 2022 den Friedensnobelpreis, nachdem er bereits im Jahr zuvor festgenommen worden war. Kurz darauf wurde er in Minsk zu zehn Jahren Haft verurteilt. Ende 2025 begnadigte der belarussische Präsident Lukaschenko nach Verhandlungen mit dem US-Gesandten John Coale, der in wenigen Tagen wieder in Belarus erwartet werde, 123 Oppositionelle. Darunter war auch Bialiatski. Im Gegenzug wurde die Aufhebung US-amerikanischer Handelssperren gegenüber Belarus erreicht.]]> Kultur Mon, 11 May 2026 08:19:22 +0200 Mon, 11 May 2026 08:19:36 +0200 0 1306161 0 Ales Bialiatski spricht kurz nach seiner Entlassung mit Journalisten. © APA/AFP / PETRAS MALUKAS PETRAS MALUKAS Katharina Gschnell – Neue Perspektiven für ein junges Publikum https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/katharina-gschnell-neue-perspektiven-fuer-ein-junges-publikum https://www.stol.it/artikel/kultur/theater/katharina-gschnell-neue-perspektiven-fuer-ein-junges-publikum Katharina Gschnell ist Schauspielerin und Regisseurin in einem, die seit 2012 in Theater, Film und Fernsehen tätig ist. Nach ihrer Ausbildung an der Schauspielschule Innsbruck mit staatlichem Abschluss in Wien arbeitete sie vor allem als Schauspielerin in Südtirol und allgemein im deutschsprachigen Raum freischaffend. Nun ist Gschnell die neue Künstlerischen Leiterin der Freilichtspiele Südtiroler Unterland“ und vom „Theater an der Etsch“. redaktion@stol.it (splus) von Ferruccio Delle Cave

Katharina Gschnell ist Schauspielerin und Regisseurin in einem, die seit 2012 in Theater, Film und Fernsehen tätig ist. Nach ihrer Ausbildung an der Schauspielschule Innsbruck mit staatlichem Abschluss in Wien arbeitete sie vor allem als Schauspielerin in Südtirol und allgemein im deutschsprachigen Raum freischaffend. Neben zahlreichen Engagements auf renommierten Bühnen sowie in Film- und TV-Produktionen ist sie Mitbegründerin des Schauspielerinnenkollektivs „binnen-I“.

Seit einigen Jahren ist Katharina Gschnell auch als Regisseurin tätig, so fürs „Theater an der Etsch“ in „Fräulein Braun“ und „Alte Liebe“. Seit diesem Jahr hat sie die künstlerische Leitung der traditionsreichen „Freilichtspiele Südtiroler Unterland“ übernommen. Katharina Gschnell setzt sich in ihrer künstlerischen Tätigkeit besonders für zeitgenössische Zugänge, neue Perspektiven und die Öffnung des Theaters für ein breites, junges Publikum ein.

Sie haben kürzlich die künstlerische Leitung der „Südtiroler Freilichtspiele Unterland“ und des „Theater an der Etsch“ übernommen. Was bedeutet Ihnen diese Aufgabe und welche Herausforderungen sehen Sie dabei?
Katharina Gschnell: Ich fühle mich den Freilichtspielen schon länger sehr verbunden. Bereits während der Schauspielausbildung hat mich mein erster Weg zu den FSU und zu Roland Selva geführt, weil ich einfach in Berührung mit Theater sein und Erfahrungen sammeln wollte und die Freilichtspiele sind, neben den Heimatbühnen, das Theater, das für das Unterland steht. Roland Selva hat mir schon bald nach der Ausbildung größere Rollen anvertraut, wodurch ich viel gelernt habe und wofür ich sehr dankbar bin. Seit 2015 bin ich auch Teil des Vereinsvorstandes. Der Verein fühlt sich also ein bisschen wie meine „Theaterheimat“ an und von dem her erfüllt mich der Schritt in die Leitung natürlich mit Freude und Stolz, aber auch mit Respekt. Es ist eine lange Theatertradition, der man hier gerecht werden darf, und dabei gleichzeitig seine eigene Richtung zu finden, wird, denk' ich, eine der großen Herausforderungen. Diese Balance zu schaffen zwischen Vertrautem und Neuem. Und im Weiteren besteht der Verein ja aus Menschen, deren Liebe zum Theater und ehrenamtliche Tätigkeit die Freilichtspiele am Leben halten und da wünsche ich mir auch sehr, dass es mir und uns weiterhin gelingt, eine so schöne Gemeinschaft zu bleiben, die Freude am Entstehenlassen von Kultur hat.

Beide in Neumarkt angesiedelten Theaterunternehmungen sind kulturell im regionalen Kontext entstanden und immer noch verankert. Sehen Sie dies in Ihrer Arbeit als Problem oder als Chance?
Gschnell: Wo Theater- und Kulturräume, auch im regionalen Kontext, entstehen und sich dann auch noch für so lange Zeit erfolgreich halten können, sehe ich immer eine Chance. Es bedeutet ja, dass die Nachfrage danach vorhanden ist und auch der Wille der Menschen und Institutionen, die es mittragen, es weiterhin zu erhalten. Letzten Endes tragen ja auch die kleiner strukturierten und regional geführten Kultureinrichtungen einen wesentlichen Teil zu dieser Kulturdichte und -vielfalt in Südtirol bei und das ist ja etwas Schönes. Aus der regionalen Prägung und dem unmittelbaren Umfeld von Neumarkt und dem restlichen Unterland sind die Freilichtspielen ja auch entstanden, und es ist demnach auch identitätsstiftend für uns und dieser Geist darf und soll auch weiterhin bestehen. Sei es in Form von unseren Laienspielerinnen und -spielern vor Ort, oder in Form von sprachlichen oder textlichen Anpassungen oder einfach nur durch den Unterlandler Charme, den wir hoffentlich mitbringen!

Sie haben seit Ihrem Beginn allein auf dem Theater in mehr als 30 Stücken als Schauspielerin mitgewirkt. Nun sind sie auch Regisseurin. Wie beeinflusst diese Doppelrolle Ihre Arbeit als Intendantin?
Gschnell: Aus der künstlerischen Perspektive erhält man durch die Regie schon diesen Blick von Außen auf eine Inszenierung und spürt eine Art Gesamtverantwortung, die ich als Schauspielerin in dieser Form noch nicht kannte. Diese Verantwortungsebene und der Überblick übers große Ganze ist natürlich etwas, was ich in der Tätigkeit als künstlerische Leitung nun wiedererkenne und das mir jetzt hilft. Was die Vereinbarkeit dieser drei Aufgaben, Regie, Schauspiel und künstlerische Leitung angeht, bin ich selbst noch gespannt, wie es sich in den nächsten Jahren entwickeln wird. Bis jetzt habe ich bei den Winterproduktionen des Theaters an der Etsch Regie geführt; gerne möchte ich mich in den kommenden Jahren auch in der Inszenierung der größeren Sommerproduktion versuchen. Bis dahin freu' ich mich über die Mitarbeit externer Regisseurinnen und Regisseure und vielleicht ergibt sich da ja auch mal eine passende Konstellation, um auch als Schauspielerin mitzuwirken. Außerhalb des FSU-Kontextes möchte ich auf jeden Fall, insofern es die Zeit zwischen der künstlerischen Leitung und meiner Familie zulässt, auch weiterhin als Schauspielerin arbeiten.

Ihre Regiearbeiten fürs „Theater an der Etsch“ zeichnen sich durch eine emotionale Dichte aus. Was ist Ihnen in der Regie besonders wichtig?
Gschnell: In der zwischenmenschlichen Arbeit mit dem Team ist es mir besonders wichtig, dass ein offenes, vertrauensvolles Umfeld geschaffen wird, sodass sich jeder wohl fühlt und der Boden gegeben ist für ein freies, kreatives Arbeiten. Inhaltlich oder künstlerisch gefällt es mir, Geschichten aussuchen zu können, die ich für erzählenswert halte oder deren Essenz ich anderen Menschen mitgeben möchte. Vielleicht spielt emotionale Dichte da tatsächlich eine Rolle, ja. In der Inszenierung selbst bin ich dann auf der Suche nach Authentizität, Ehrlichkeit und manchmal auch Verrücktheit. Ich möchte durch Stimmungen, in Bildern oder durch Formen das Publikum erreichen und ihm etwas mitgeben, sei es Identifikation, oder Freude, aber es kann auch Unwohlsein oder Befremdlichkeit sein. Wenn es gelingt, die Menschen im Zuschauerraum in irgendeiner Form mitzunehmen oder zu berühren – das ist das Schönste an Theaterberufen.

Freilichtspiele gehören im gesamten deutschsprachigen Raum zu Höhepunkten des regionalen Theaterlebens, in dem, neben Profis immer auch Laienschauspieler auftreten. Sehen Sie in dieser Mischung eine besondere Chancen und Herausforderung?
Gschnell: In der eigener Erfahrung als Schauspielerin fand ich es immer eine enorme Bereicherung, wenn es Teams gab, in denen Laien und Profis gemeinsam spielen. Man kann in beide Richtungen so viel voneinander lernen. Was ich bei Laienschauspielerinnen und -schauspielern oft bewundere ist z.B. die anhaltende Begeisterung fürs Theater, die Direktheit in der Sprache, vor allem im Dialekt oder deren Mut im Spiel. Aber da gibt es noch Vieles mehr, und umgekehrt macht es Laien hoffentlich auch Spaß, mit Profis zu arbeiten. Aus Sicht der Regie ist es vielleicht schon nochmals eine andere Herausforderung, weil verschiedenste Spielstile oder Herangehensweisen aufeinander treffen, die man innerhalb einer Produktion im besten Fall auf einen gemeinsamen Nenner bringen muss. Allgemein sehen wir aber diese Mischung zwischen Laien und Profis ja bei allen größeren Freilichtspielen in Südtirol: Es ist über die Jahre so gewachsen und hat meines Erachtens totale Berechtigung, einen besonderen Charme und ist eine Chance auf Berührung auch zwischen den Künstlerinnen und Künstlern.

Verraten Sie unseren Lesern und Leserinnen den Titel des diesjährigen Theaterstücks für die Freilichtspiele und das nächste fürs „Theater an der Etsch?
Gschnell: Das würde ich sehr gerne, aber für Mai 2026 ist wieder die jährliche Pressekonferenz gemeinsam mit den zwei anderen ältesten Freilichtspielen Südtirols – den Freilichtspielen Lana und den Rittner Sommerspielen – geplant und wir alle freuen uns im Zuge der Konferenz unsere Sommerstücke bekannt zu geben. Die Zuschauenden dürfen sich auf jeden Fall auf ein bunt gemischtes, abwechslungsreiches Sommerprogramm freuen!

Infos: www.fsu-neumarkt.com]]> Kultur Sun, 10 May 2026 11:59:59 +0200 Sun, 10 May 2026 12:00:05 +0200 1 1305888 1 Katharina Geschnell leitet die Freilichtspiele Südtiroler Unterland: Sie möchte mit den Geschichten Emotionen auslösen. © ROBERT VON AUFSCHNAITER ROBERT VON AUFSCHNAITER „Wir erkennen uns wieder“ https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/wir-erkennen-uns-wieder https://www.stol.it/artikel/kultur/kino-tv/wir-erkennen-uns-wieder „My Boyfriend El Fascista“ von Matthias Lintner gewann im vergangenen Jahr am Filmfestival in Bozen den Publikumspreis. Der Film bewegt sich zwischen Intimität und Politik und folgt der Beziehung von Matthias und Sadiel. Vor heimischer Kulisse prallen ihre Überzeugungen aufeinander: Während Sadiel, enttäuscht von der Realität in Kuba, zunehmend rechte Positionen entwickelt, bleibt Matthias seinen progressiven Idealen treu. redaktion@stol.it (splus) Von Ida Walder





Wann hat sich für dich der Moment ergeben, euer privates Leben filmisch zu bearbeiten, bzw. war das Projekt von Anfang an als Film gedacht oder hat sich dies erst im Prozess entwickelt?
Matthias Lintner: Ganz ehrlich: Ich habe einfach angefangen zu filmen, weil mich Sadiels Energie total fasziniert hat. Er kam in mein Leben wie ein kleiner Sturm. Erst nach und nach habe ich gemerkt, dass da mehr drin steckt. Dass diese Beziehung nicht nur privat ist, sondern auch etwas Größeres erzählt. So ist der Film eigentlich im Prozess entstanden, Schritt für Schritt, fast wie eine Art Tagebuch, das sich irgendwann verselbstständigt hat. Mich hat erstaunt, dass die Doku manchmal wie ein Spielfilm wahrgenommen wird – viele Leute verstehen also gar nicht, dass es sich um eine wahre Geschichte handelt.


Der Film kreist stark um die politische Spannung zwischen euch. Wie hat sich aus diesem persönlichen Projekt auch ein politischer Film entwickelt?
Lintner: Das kam relativ früh, aber ich habe es zuerst nicht ganz ernst genommen. Ich dachte: Ja gut, wir haben einfach unterschiedliche Meinungen. Aber dann wurde mir klar, dass es nicht nur um unsere Meinungen geht, sondern um ganz unterschiedliche Sichtweisen auf Gerechtigkeit, Freiheit, aber auch Politik, Wirtschaft etc... Spätestens als in Italien jemand wie Giorgia Meloni an die Macht kam, habe ich gemerkt, dass das, was bei uns zu Hause passiert, eigentlich überall passiert. Da wurde aus einem Beziehungsfilm plötzlich auch ein politischer Film.





Sadiels politische Entwicklung ist stark mit seiner Biografie in Kuba verbunden. Wie bist du als Filmemacher damit umgegangen, eine Realität zu zeigen, die deiner eigenen politischen Perspektive widerspricht?
Lintner: Das war wahrscheinlich die größte Herausforderung. Man hat ja immer den Impuls, Recht haben zu wollen. Aber ich habe gemerkt: Wenn ich wirklich verstehen will, muss ich erst mal zuhören. Nicht um zuzustimmen, sondern um den anderen nicht sofort in eine Schublade zu stecken. Ich habe dabei auch gemerkt, wie schnell man selbst in so einer politischen Blase lebt. Der Film war für mich eine gute Übung, diese eigenen Gewissheiten mal anzuzweifeln.


Inwiefern hat sich dein Blick auf die Beziehung durch den Akt des Filmens verändert? Gab es Momente, in denen die Kamera Dinge sichtbar gemacht hat, die dir vorher nicht klar waren?
Lintner: Ja, absolut. Die Kamera war irgendwann wie eine dritte Person im Raum. Sie hat Dinge sichtbar gemacht, die man im Alltag gerne übersieht oder verschiebt. Plötzlich konnte man nicht mehr so leicht ausweichen. Manchmal schaut man sich später Material an und denkt: Ah, so hat sich das also wirklich angefühlt. In dem Moment selbst ist man oft viel zu sehr drin, um das klar zu sehen.


Wie sah der gemeinsame Entscheidungsprozess mit Sadiel aus, wenn es darum ging, was im Film gezeigt wird und was nicht? Gab es Grenzen, die ihr klar definiert habt?
Lintner: Wir haben viel darüber gesprochen, auch gestritten. Das gehört dazu. Es gab keine festen Regeln von Anfang an, aber eine wichtige gemeinsame Linie: Der Film sollte ehrlich sein, aber nicht verletzend. Also nichts zeigen, nur um jemanden bloßzustellen. Am Ende war es ein Vertrauensprozess. Und auch ein Prozess von Mut, weil man natürlich nie ganz kontrollieren kann, wie so etwas später beim Publikum ankommt.


Der Film wurde auf Festivals rund um die Welt gezeigt, auch beim Filmfestival in Bozen, wo er den Publikumspreis gewonnen hat. Welche Bedeutung hatte es für dich – mit einer queeren Geschichte – den Publikumspreis in Bozen zu gewinnen?
Lintner: Das hat mich ehrlich gesagt ziemlich berührt. Gerade weil es kein klassisches Großstadtfestival ist, sondern ein Publikum, das vielleicht nicht jeden Tag mit solchen Themen konfrontiert ist. Dass so viele Menschen gesagt haben: „Wir erkennen uns da wieder“, das war für mich das Schönste. Und es zeigt vielleicht auch, dass es am Ende gar nicht nur um eine queere Geschichte geht. Sondern um etwas sehr Grundsätzliches: Wie wir miteinander umgehen, wenn wir unterschiedlich denken. Und vielleicht auch darum, dass man sich nicht sofort einig sein muss, um sich trotzdem ernst zu nehmen.


Der Titel des Films ist provokant: „My Boyfriend el Fascista“. Warum hast du so einen starken Namen gewählt?
Lintner: Weil es ein Wort ist, das sofort die Tür zuschlägt. Sobald man es hört, hört man auf zuzuhören. Ich wollte das Gegenteil. Einen Raum öffnen. Heute geht uns das Wort „Faschist“ erstaunlich schnell über die Lippen. Aber selten fragen wir uns wirklich, wer da vor uns steht. Der Titel ist eine Provokation. Aber eine, die dich zwingt, genauer hinzusehen.


Termin: Der Film ist derzeit im Filmclub Bozen zu sehen.

Drei Fragen an Sadiel Gonzalez





Wie war es für dich, deine persönliche Geschichte, die auch eine starke politische Komponente hat, in einem so intimen Film zu erzählen?
Sadiel Gonzalez: In Kuba ist Politik keine Meinung, sondern die Luft, die man atmet. Deshalb waren für mich das Persönliche und das Politische schon immer ein und dasselbe. Als ich nach Europa kam, fiel mir das Gegenteil auf: Politik schien etwas Optionales zu sein. Und Kuba wurde wie eine Postkarte dargestellt: schön, exotisch, fast in der Zeit stehen geblieben. Aber für mich war es nie eine Postkarte. Der schwierigste Teil des Films war es, mich ungeschützt zu zeigen. In den Momenten, in denen ich Fehler machte, in denen ich falsch reagierte. Aber genau dort wird der Film echt. Ich habe Matthias vertraut, und dieses Vertrauen hat es mir ermöglicht, zu bleiben, auch wenn es einfacher gewesen wäre, mich zu verstecken.


Deine politischen Ansichten sind stark von deinen Erfahrungen in Kuba geprägt. Welche konkreten Erfahrungen oder Beobachtungen haben dein politisches Denken am stärksten beeinflusst?
Gonzalez: Was mich am meisten geprägt hat, war das Aufwachsen an einem Ort, an dem ständig von Gleichheit und Gerechtigkeit gesprochen wurde, während im wirklichen Leben viele Menschen in Angst, Not und unfrei lebten. Ich habe die Doppelmoral gesehen: Das, was man in der Öffentlichkeit sagt, und das, was man zu Hause denkt. Kontrolle wurde als Schutz dargestellt, und die Menschen passten sich an, um zu überleben. Das hat mich sehr sensibel gegenüber jeder Ideologie gemacht, die im Namen des Guten Gehorsam fordert. Wenn mir jemand sagt: „Du musst so denken“, geht bei mir innerlich ein Licht an. Für mich ist Freiheit kein Slogan. Es ist die Möglichkeit, atmen zu können, ohne um Erlaubnis zu fragen.


Kannst du einige konkrete Erfahrungen aus deinem Alltag in Kuba schildern, die diese Überzeugungen bestärkt haben?
Gonzalez: Ich bin in großer Armut aufgewachsen. Ich erinnere mich, wie meine Mutter sich jeden Tag fragte, was wir essen könnten. Die staatlich subventionierten Lebensmittel reichten nur für wenige Tage, dann begann der Kampf, um über die Runden zu kommen. Ich habe die Angst vor der Polizei wegen Kleinigkeiten erlebt, wie zum Beispiel dem Verkauf kleiner Waren, um zu überleben. Ich habe gesehen, wie Menschen alles verloren haben, weil der Handel vom Staat kontrolliert wurde. Auch die Bauern riskierten, ihre Ernte beschlagnahmt zu bekommen. In der Schule lernt man früh, die Dinge „richtig“ zu sagen, um keine Probleme zu bekommen. Auch in meiner Familie habe ich Widersprüche erlebt: Mein Großvater hatte an die Revolution geglaubt, starb aber arm. Das hat mir eine Frage hinterlassen: War die Gleichheit real oder nur ein Wort? Lange Zeit hatte ich Angst zu sprechen, selbst als ich im Ausland lebte, weil ich befürchtete, meine Mutter nicht wiedersehen zu können. Erst als sie hierherkam, ist diese Angst verschwunden.]]> Kultur Sat, 09 May 2026 13:48:41 +0200 Sat, 09 May 2026 14:30:43 +0200 1 1305867 1 Ihre politische Ansichten driften auseinander, doch sie achten sich: Matthias Lintner und Sadiel Gonzalez (v.l.). © verleih verleih Start ohne Party: Nach Eklat eröffnet die Venedig-Biennale https://www.stol.it/artikel/kultur/start-ohne-party-nach-eklat-eroeffnet-die-venedig-biennale https://www.stol.it/artikel/kultur/start-ohne-party-nach-eklat-eroeffnet-die-venedig-biennale Nach all dem Ärger um die Teilnahme Russlands und Israels startet die 61. Kunstbiennale in Venedig ohne Zeremoniell. Wenn eine der wichtigsten internationalen Kunstveranstaltungen um 11 Uhr ihre Tore für ein breites Publikum öffnet, geschieht das ohne Eröffnungsfeier. Da die Jury im Streit zurückgetreten ist, wird es Preise erst zum Abschluss im November geben, dann vergeben durch das Publikum. redaktion@stol.it (apa)
Buttafuoco reagiert mit Unverständnis auf seine Kritiker, beklagt Intoleranz und Zensurvorwürfe. Die Biennale sei kein Gericht. „Dies ist ein Garten des Friedens, ein Ort, an dem ausgestellt wird, ein Ort, an dem diskutiert wird, ein Ort, wo man sich zuhört“, sagte er.

Russland, das heute den Tag des Sieges im Zweiten Weltkrieg feiert, sieht die erste Teilnahme seit Beginn seiner Invasion in der Ukraine als Ende seiner kulturellen Isolation im Westen. Rund 50 vom russischen Staat handverlesene Künstler, darunter Musiker, Dichter und Philosophen, arbeiteten an dem Musik- und Performanceprojekt „Der Baum ist im Himmel verwurzelt“.

Zwar bleibt der Pavillon, der Eigentum des russischen Staates ist, ab heute für ein breites Publikum geschlossen. Besucher sehen aber draußen die Installation auf einem großen Bildschirm. Das sei von Anfang an so geplant gewesen, sagt die umstrittene Kuratorin Anastassija Karnejewa, Tochter eines beim Staatskonzern Rostec tätigen Rüstungsmanagers im Rang eines Geheimdienstgenerals.

Kritiker verurteilen die russische Kulturoffensive als Teil von Moskaus „hybrider Kriegsführung“. Während Russland töte, öffne die Biennale ihre Türen für Kremlchef Wladimir Putins Funktionäre und Propagandisten, sagt Nadja Tolokonnikowa, Frontfrau der in Russland verbotenen Punkband Pussy Riot.

Die Biennale hätte nach ihrer Darstellung von „Putins Regime“ verfolgte russische Künstler einladen können. „Kunst ist niemals neutral“, betonte sie bei einer Protestaktion am Pavillon gemeinsam mit ukrainischen Aktivistinnen der Gruppe Femen.

Die Ukraine protestierte auch gegen Russlands Rückkehr zur Biennale, weil im Zuge des Moskauer Krieges nach offiziellen Angaben Kiews mittlerweile Tausende Kulturdenkmäler und andere kulturelle Einrichtungen zerstört oder beschädigt wurden. Zehntausende für die Identität des Landes wichtige Kulturobjekte seien verschleppt worden – und 346 Künstler im Zuge der russischen Invasion getötet worden, heißt es in Kiew.

Das von Russlands Krieg geschundene Land bringt das Projekt „Sicherheitsgarantien“ nach Venedig. Dazu bildet die ukrainische Künstlerin Schanna Kadyrowa ihre Skulptur „Origami-Hirsch“ aus Papier nach – das Kunstwerk wurde 2024 in den Kriegswirren aus der Stadt Pokrowsk im Gebiet Donezk in Sicherheit gebracht.

Viele Länderpavillons auf der Kunstbiennale von Venedig hatten am Freitag, dem letzten Preview-Tag vor der allgemeinen Öffnung, ihre Tore nicht geöffnet. Auch der von Florentina Holzinger bespielte Österreich-Pavillon, der zuletzt die Massen anzog, blieb zu. Grund war ein breit angelegter Protest gegen die Teilnahme Israels. Organisiert wurde der Streik von der Aktivistengruppe „Art Not Genocide Alliance (ANGA)“.

Und Israel? Immerhin wollte die Jury das Land gemeinsam mit Russland von der Preisvergabe ausschließen, bevor sie geschlossen zurücktrat. Über diesen Rücktritt habe er sich gefreut, sagte der rumänisch-israelische Bildhauer Belu-Simion Fainaru, der Zeitung „Welt“. Doch in Venedig sei er „völlig isoliert“, berichtete der Gestalter des israelischen Pavillons. „Mit keinem einzigen Künstler und Kurator auf der Biennale gibt es Interaktion.“

Für die Politik der israelischen Regierung, gegen dessen Chef Benjamin Netanjahu ein Haftbefehl des Internationalen Strafgerichtshofs (IStGH) wegen Kriegsverbrechen im Gazastreifen vorliegt, will Fainaru nicht verantwortlich gemacht werden. „Ich jedenfalls bin als Künstler nach Venedig gekommen, und nicht, um meine politische Haltung oder diejenige meines Landes zu vertreten oder um mich zu Vorwürfen gegen einen Regierungschef zu äußern“, sagte er der „Jüdischen Allgemeinen“. „Das würde ich sehr gerne den Politikern überlassen.“

Demonstranten ruft die Teilnahme Israels dennoch auf den Plan: Am Vorabend der Eröffnung gingen in Venedig etwa 2.000 Menschen auf die Straße. Die Polizei drängte sie mit Schildern und Schlagstöcken zurück.]]> Kultur Sat, 09 May 2026 07:17:34 +0200 Sat, 09 May 2026 07:17:38 +0200 0 1305828 0 Russischer Pavillon bleibt geschlossen. © APA/AFP / MARCO BERTORELLO MARCO BERTORELLO „Bei Festivals habe ich fast die eindrucksvollsten Erfahrungen gemacht“ https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/bei-festivals-habe-ich-fast-die-eindrucksvollsten-erfahrungen-gemacht https://www.stol.it/artikel/kultur/musik/bei-festivals-habe-ich-fast-die-eindrucksvollsten-erfahrungen-gemacht Mehr, als er zugeben sollte, freut sich Volker Jacobsen auf das bevorstehende Kammermusikfestival in Völs am Schlern, an dem er nicht zum ersten Mal teilnimmt. Seine Gastspiele in Südtirol, auch beim Originalklang Project der Mahler Academy im Sommer, liegen dem deutschen Bratschisten, der zu den Gründungsmitgliedern des Artemis Quartetts zählt, spürbar am Herzen. redaktion@stol.it (eva)

Herr Jacobsen, die Konzerte in Völs finden außerhalb „seriöser“ Konzertsäle statt, in Scheunen, Buschenschänken und Tischlereien. Für das Publikum ist das immer reizvoll – ist es für die Musiker eigentlich auch so toll oder eher eine Zumutung?
Volker Jacobsen (lacht): Wir können frei reden? Das ist immer unterschiedlich, es hat natürlich so einen leichten Werkstattcharakter, ist ein Experiment. Und manchmal entsteht etwas Besonderes und manchmal eben auch nicht.

Als Musiker hätte man doch lieber die perfekte Akustik?
Jacobsen: Am Ende geht es ja eigentlich um etwas ganz anderes, nämlich um diese Stücke, die man da spielt. Und wenn es gut läuft, fängt man an, so ein Mozart-Quintett zu spielen, was zum Wichtigsten gehört, was man spielen kann, und nach den ersten paar Takten ist man vielleicht etwas verblüfft, wie es klingt. Aber die Herausforderung ist, das so schnell wie möglich zu vergessen und vor allen Dingen vergessen zu lassen, weil es eigentlich um etwas völlig anderes geht. Gerade in Festivalzusammenhängen habe ich fast die eindrucksvollsten Erfahrungen gemacht. Dass es unabhängig vom Kontext schlicht um Wahrheit geht. Und die Wahrheit hat zu tun mit dem Stück, mit der Begegnung mit dem Publikum, das Publikum daran teilhaben zu lassen. Für mich ist es fast ein Qualitätskriterium auch für die Kolleginnen und Kollegen, mit denen ich da zusammensitze, ob die dazu in der Lage sind, diesen Schritt gemeinsam zu gehen oder eben nicht.




Erreicht man ein anderes Publikum, das den Schritt in den Konzertsaal nicht machen würde?
Jacobsen: Das glaube ich durchaus. Natürlich, wenn man heutzutage als junger Musiker „Karriere“ machen will, dann will man natürlich in die großen Säle und Konzertreihen. Aber manchmal ist das dann ein Galakonzert oder ein Fundraiser, und man denkt: „Wow, was für ein Ritterschlag, in diesem Saal gespielt zu haben!“ – aber am Ende des Abends war das Musizieren gar nicht befriedigend. Die A-Prominenz in der Klassik erlebt das vielleicht gar nicht. In einer Tischlerei zu spielen und ihr Publikum zu sehen, zu spüren und zu erreichen.

Sie sprachen von der besonderen Wichtigkeit der Mozart-Streichquintette, in Völs sind derer gleich zwei auf dem Programm. Ist es angebracht, hier von unterschätztem Repertoire zu sprechen?
Jacobsen: Im Kanon der Quintettbesetzungen sind Streichquintette mit zweiter Bratsche, wie die von Mozart, tatsächlich eher unterrepräsentiert. Und in der Praxis sieht es natürlich so aus, dass sich ein bestehendes Quartett zur Anspielprobe auf der Bühne mit einem prominenten Bratscher oder einer Bratscherin trifft, dann spielt man das anderthalbmal durch und dann ist das Konzert. Aber dass man sich für diese Stücke Zeit nimmt und sie von Grund auf gemeinsam zusammensetzt, wird ihrer außergewöhnlichen Qualität erst wirklich gerecht.

Neben Ihnen werden Veronika Hagen, eine weitere legendäre Kammermusikerin, und Noga Shaham, eine Newcomerin, als Bratschistinnen zu Gast sein – kennen Sie sich?
Veronika kenne ich sehr lange. Wir hatten nicht wahnsinnig viel miteinander zu tun, aber über die vielen, vielen Jahre immer wieder. Noga kenne ich persönlich noch überhaupt nicht, aber sie gehört wirklich zu den jungen Kolleginnen, die ich aus der Entfernung sehr genau wahrnehme, und alles, was ich sehe und höre, ist ganz toll.




Diese luxuriöse Besetzung mit gleich drei exzellenten BratschistInnen spiegelt sich im Repertoire bei den Mozart- Quintetten und den Brahms-Sextetten wider. Was passiert hier durch die erweiterte Besetzung?
Jacobsen: Wenn zum Streichquartett ein oder zwei Instrumente dazukommen, bedeutet das erst mal natürlich mehr Klang und Fülle. Und es ist erstaunlich, wie groß der Unterschied ist. Bei Mozart würde ich sagen, er braucht die zweite Bratsche, denn gerade bei ihm ist in den Quartetten der Anspruch, sich am Übervater Haydn abzuarbeiten, sehr deutlich spürbar. Also, da hat er sich einfach ganz „besonders große Mühe“ gegeben. Und diese zusätzliche Stimme im Quintett gestattet ihm, die Komplexität etwas zu reduzieren, ein bisschen loszulassen, was dem musikalischen Ausdruck unglaublich gut tut. Die Quintette gehen leichter von der Hand, dem Komponisten offensichtlich wie auch dem Spieler.

Bei Brahms kommt dann noch ein tiefes Instrument dazu, das macht die Sache nochmal voller, orchestraler – das wäre für mich das entscheidende Stichwort. Da geht der Schritt schon Richtung Kammerorchester. Aber die Struktur wird viel lichter, das sieht man sofort, wenn man in die Partitur schaut. Und es bieten sich natürlich mehr Möglichkeiten, Paarungen gegenüberzustellen. Bei Mozart werden erste Bratsche und erste Geige oft dialogisierend gegenübergestellt. Und Brahms hat mit den zwei Celli noch mehr Spielraum, die Stimmen zu verteilen. Es wird also orchestraler, aber die solistischen Aufgaben werden auch ein bisschen munterer durch die Gruppe gereicht.

Die Bratsche hat also auch deutlich andere Aufgaben als die einer Füllstimme?
Das Wunderbare am Bratschespielen, gerade in der Kammermusik, ist, dass wir alles dürfen. Wir haben Soloparts, spielen Harmoniestimmen und übernehmen auch immer wieder den Bass. Und die Vielseitigkeit dieser Aufgabe steigt eigentlich mit der Größe der Besetzung. Wenn das Cello zum Beispiel als Solist einsetzt, dann springen wir an den Bratschen ein und übernehmen die Bassstimme. Ich bin natürlich jemand, der sehr von der Mitte her denkt. Vielleicht auch politisch. Aber wenn ich das Radio anstelle und es läuft ein Streichquartett, identifiziere ich Quartette aus der Mitte heraus. Diese Mitte prägt den Charakter einer Gruppe, die können den Primarius auswechseln, so oft sie wollen, ich erkenne das Quartett aus der Mitte. Das hat der zweite Geiger Siegmund Nissel vom Amadeus Quartett so schön gesagt: Ein Quartett sei wie eine alte Flasche Wein. Der Primarius oder die Primaria, also die erste Geige, ist das Etikett, muss gut aussehen und beschreiben, was drin ist. Das Cello ist die Flasche, das Gefäß. Aber die Mittelstimmen, die sind der Inhalt. Ich bin da natürlich ganz unvoreingenommen!

Schlern Music

13 MusikerInnen, fünf Konzerte und ein Talk: Vom 13. bis 17. Mai sind in und um Völs mit Paolo Bonomini, Sebastian Debus, Olivier Doise, Veronika Hagen, Volker Jacobsen, Nanni Malm, Andrea Obiso, Aylen Pritchin, Roberto di Ronza, Noga Shaham, Philipp von Steinaecker, Chiara Tonelli und Martin Zalodek international renommierte Musiker zu hören, die in immer wechselnden Formationen Programme aufführen.

Eröffnung

Edelansitz Zimmerlehen, 13.5., 21 Uhr
Stanglerhof St. Konstantin, 14.5., 21 Uhr
Künstlergespräch im Hotel Heubad, 15.5., 21 Uhr
Lunchconcert im Hotel Gfell (Schönblick), 16.5., 12 Uhr
Zimmerei Koholz St. An- ton, 16.5., 21 Uhr –
Abschluss auf Schloss Prösels, 17.5., 11 Uhr.
Der Eintritt zu allen Konzerten ist frei!]]> Kultur Fri, 08 May 2026 13:54:33 +0200 Fri, 08 May 2026 13:55:07 +0200 1 1305645 1 Erst über die Geige kam Volker Jacobsen zur Viola und begeisterte sich so für das Instrument, dass er ein Studium bei Barbara Westphal in Lübeck aufnahm. © privat privat Venedig: Lu Yang lässt Marina Abramovic alt aussehen https://www.stol.it/artikel/kultur/venedig-lu-yang-laesst-marina-abramovic-alt-aussehen https://www.stol.it/artikel/kultur/venedig-lu-yang-laesst-marina-abramovic-alt-aussehen Wer in Venedig wissen will, wie die Kunst von morgen ausschauen könnte, der muss die offiziellen Schauplätze der Biennale verlassen und sich ins Obergeschoss des Geschäfts einer Nobelmarke begeben. In der Espace Louis Vuitton zeigt der in Shanghai geborene und in Tokio lebende chinesische Künstler Lu Yang eine animierte Horrorshow, die es in sich hat und bei der er gängige Muster populärer Katastrophenfilme und Combat-Videospiele auf sich selbst bezieht. Überforderung pur. redaktion@stol.it (apa)
Denn ähnlich wie Florentina Holzinger sich in ihrem Urintank-Altar auf den sakralen Charakter des Hoffmann-Pavillons bezieht, hat Lu Yang in den Konsumtempel eine wahre Kunstkapelle bauen lassen. Man betritt sie durch einen Vorraum mit zwei sich auf buddhistische Bilderwelten beziehenden animierten Objekten. Im Inneren stehen Kirchenbänke vor einer LED-Wand, die von Kerzen flankiert wird. In dieser weihevollen Atmosphäre entfaltet sich am Screen jedoch ein Spektakel, das einem unmittelbar den Atem nimmt und mit dem Molltöne propagierenden Motto der Biennale rein gar nichts zu tun hat. Das Zusehen bedeutet pure Adrenalinausschüttung.

Zwei Zwillingsfiguren, beide mit Lu Yangs Gesicht, beginnen eine Abenteuerreise, die sie mit der asiatischen Popkultur konfrontiert - Spielhallen, Freizeitparks, Videospiele, Mangas und Monster. Die zunächst statischen Schreckensgestalten, denen sie begegnen, werden rasch zum Leben erweckt und zu gefährlichen, blutrünstigen Gegnern, die den Burschen an den Kragen wollen. Doch auch die können blitzschnell ihre Erscheinung ändern und werden zu Kampfmaschinen. In den extrem schnell geschnittenen und mit pulsierender Musik unterlegten Animationen wechseln alle paar Sekunden Szenarien und Gestalten - geprügelt, geschossen und geschlitzt wird jedoch ohne Unterlass.

Reise ins Unterbewusste

Dieses radikale Einlassen auf die bunten Oberflächen der Videospielästhetik mittels Motion-Capture-Technologie ermüdet in der unendlichen Variation des Immergleichen rasch, lässt aber auch tief eintauchen in das Unterbewusste. Man erlebt die ständige Wiedergeburt in anderer Gestalt, sieht letztlich die Zwillinge gegeneinander kämpfen. Der Gegner ist man also im Grunde selbst.

Was ist der Mensch? Diese alte Frage wird zwischen Datenströmen und virtuellen Animationen und Variationen des Ausgangsmaterials neu gestellt. Was ist der Kern unter den vielen technoiden Hüllen und Schichten von aufplatzendem Fleisch? „Am Ende fand man in seinem Innersten keine Seele, sondern nur einen delirierenden Affen“, heißt es einmal. Da ist der Zuschauer gerade erst dabei, einen Godzilla-mäßigen Endkampf zwischen einem riesigen, gehörnten Kaninchen und einer weißhaarigen Monster-Schildkröte zu verdauen, bei dem halb Tokio in Schutt und Asche gelegt wird.

Die Animationen sind irre und nicht nur wegen ihres bedrohlichen und teilweise widerlichen Inhalts, sondern auch wegen ihrer technischen Perfektion beunruhigend. Lu Yang fasziniert und irritiert. Er hat ein tolles Spielzeug gefunden, und wie die meisten Spieler kann er davon nicht genug bekommen. Ob dieses Spiel am Ende kritisch oder affirmativ gemeint ist - diese Frage ist gar nicht leicht zu beantworten. Wer meint, er könne dafür getrost das Ende des Films abwarten, braucht viel Sitzfleisch auf den Holzbänken: „DOKU The Illusion“ ist über zwei Stunden lang und wird an Ausstellungstagen jeweils um 10.30 Uhr, 13 Uhr und 15 Uhr gestartet.

Ausstellung von Marina Abramovic wirkt harmlos

Dass für Marina Abramovic' Ausstellung „Transforming Energy“ in der wenige Minuten entfernten Galleria dell'Accademia eine ähnliche Content Warnung ausgesprochen wird wie für Lu Yangs Horrorshow, wirkt wie ein Witz. Denn die Rückkehr des hier 1997 für „Balkan Baroque“ mit dem Goldenen Biennale-Löwen ausgezeichneten Weltstars der Performancekunst, hat völlig harmlosen Charakter. Abramovic hat im Jahr ihres 80. Geburtstags als erste lebende Künstlerin in der Geschichte des Hauses eine große Einzelausstellung erhalten. Jugendliche dürfen sie ebenfalls nur in Begleitung von Erwachsenen betreten.

Den Besuchern werden Kopfhörer verpasst, die freilich nicht der Information, sondern der Isolation dienen. Man möge sich so viel Zeit lassen, wie man möchte, sich ganz auf die Eindrücke einlassen und sich von weiße Mäntel tragenden Betreuerinnen sanft an der Hand zu der jeweils nächsten Mitmachstation führen lassen, heißt es eingangs. Bis auf wenige Zitate aus früheren Aktionen und einigen Interventionen in der Permanentschau konzentriert sich die Ausstellung auf etwas, was kürzlich in der Albertina modern nur ein Nebenthema war: auf Abramovic' Überzeugung, von kristalliner Energie profitieren zu können.

Man ist in ihren Kristallwelten dazu aufgefordert, im Stehen, Liegen oder Sitzen sich von Kristallspitzen beeindrucken zu lassen oder die Kühle ihrer Oberfläche zu spüren. Man kann sich aber auch den Hinterkopf durch vibrierende Rosshaarschwänze massieren lassen. Am Ende sollte man jedenfalls energetisch aufgeladen sein. Und hat vielleicht genug Energie für eine bittere Erkenntnis: Der direkte Vergleich mit der Jugend lässt die Altmeisterin in Venedig sehr alt aussehen. ]]> Kultur Fri, 08 May 2026 09:30:00 +0200 Fri, 08 May 2026 09:30:05 +0200 0 1305561 0 Lu Yangs Horrorshow: Kunstkapelle im Konsumtempel. © Wolfgang Huber-Lang Wolfgang Huber-Lang